抽象艺术是一种体现永恒价值的艺术吗？

蒙德里安(Piet Mondrian，1872—1944)是风格派最核心的人物。荷兰人，生于一八七二年，从小就有天才知名，十七岁就拿到小学绘画教师的资格，二十岁进入 皇家艺术学院深造，才二十出头，就已成为荷兰新一代的重要画家。从一九一二年开始，受到立体派画家的影响，抛弃现实世界的复杂枝节，回归原始的颜色和线条。蒙德里安，以其独特的“水平线——垂线”和原色、非色组合的极简绘画图式，将现代抽象绘画带到了一个新阶段。但是需要指出的是，他绘画的核心倒并不是抽象，而是某种内在的精神性追求。

《灰树》，1912年，布上油画，78．4×108．9厘米，荷兰海牙市立美术馆藏。

1911年，蒙德里安在巴黎第一次看到了立体主义原作，受到非常深刻的影响.
我 们这里看到的这幅《灰树》是他作于1912年的作品。在这幅画中，蒙德里安关注的焦点是树枝与树枝、树枝与树干以及树与其他物象之间的造型关系。我们看 到，树撑满了整个画面，树的枝干几乎全部伸展到画框，仿佛画框把树剪切在它所包围的空间里。树的个别特征已被全然抹去，我们所见到的，是高度抽象化的图 形。尽管如此，深色的枝干在中性的灰、绿色小碎面中依然显示了蓬勃的生命力。这是蒙德里安从立体派中获得的新启迪： “克服自然的表现又不违反自然本身的真实”。

《开花的苹果树》，1912年，布上油画，78×106厘米，荷兰海牙市立美术馆藏。

在1912年10 月阿姆斯特丹的“近代美术联展”中，蒙德里安送展了这幅《开花的苹果树》。依然是树的主题，但几乎走到了纯抽象的边缘。形象被进一步简化至碎面，而几乎成 为图案的象征。我们可以看到，树干与枝杈变成了直线和弧线，它们相互交错，产生某种特别的律动感。色彩则采用了柔美的淡绿、淡黄色系，给人轻快和愉悦之 感。画面上，树的基本形态其实已经消失在一种黑色线条的网格之中。整个画面都被网格笼罩着。这种网格的结构，显示出中间稠密而四周逐渐疏松的构成秩序。这 种所谓集中式的结构，在蒙德里安以后的作品中经常出现。

《海堤与海·构成十号》，1915年，布上油画，85．1X108．3厘米，荷兰奥杜罗，库拉穆勒美术馆藏。

他住在海 边，画了一组以大海为主题的系列画，题名为《海堤与海》。我们这里所见的这幅《海堤与海·构图十号》便是其中之一。这组画，是他根据户外写生时所作的素描 稿所绘。他曾经在斯赫维根海岸漫步，连续数小时地凝视海面的波光，那儿有一道伸人大海的破败的防波堤。他反复地在这组画中，表达他在海边的感受。这组画， 有一种宁静的、不带感情因素的美.

《红、黄、蓝的构成》，1930年，布上油画，45×45厘米，苏黎世私人收藏。
这幅作于1930年的(红、黄、蓝的构成)是蒙德里安几 何抽象风格的代表作之一。我们看见，粗重的黑色线条控制着七个大小不同的矩形，形成非常简洁的结构。画面主导是右上方那块鲜亮的红色，不仅面积巨大，且色 度极为饱和。左下方的一小块蓝色、右下方的一点点黄色与四块灰白色有效配合，牢牢控制住红色正方形在画面上的平衡。在这里，除了三原色之外，再无其他色 彩；除了垂直线和水平线之外，再无其他线条；除了直角与方块，再无其他形状。巧妙的分割与组合，使平面抽象成为一个有节奏、有动感的画面，从而实现了他的 几何抽象原则，“借由绘画的基本元素：直线和直角(水平与垂直)、三原色(红黄蓝)和三个非色素(白、灰、黑)，这些有限的图案意义与抽象相互结合，象征 构成自然的力量和自然本身。”

《百老汇爵士乐》，1942–43年，布上油画，127×127厘米，纽约现代艺术博物馆藏

《百老汇爵士乐》是蒙德里安在纽约 时期的重要作品，也是其一生中最后一件完成的作品，它明显地反映出现代都市的新气息。依然是直线，但不是冷峻严肃的黑色界线，而是活泼跳动的彩色界线，它 们由小小的长短不一的彩色矩形组成，分割和控制着画面。依然是原色，但不再受到黑线的约束，它们以明亮的黄色为主，并与红、蓝间杂在一起形成缤纷彩线，彩 线间又散布着红、黄、蓝色块，营造出节奏变换和频率震动。看上去，这幅面比以往任何一件作品更为明快和亮丽。它既是充满节奏感的爵士乐，又仿佛夜幕下办公 楼及街道上不灭灯光的纵横闪烁。这是蒙德里安艺术生涯的最后一个新发展。1944年2月，他因严重肺炎而去世。

蒙德里安一生的作品，清楚地展示了他从写实主义到几何抽象进程中的一次次努力和一次次成就。这是一个目标明确、永远精进的漫长历程。他如此坚持不懈地运用他的新造型主义原则，以致于他的名字已与新造型主义融为一体了。

Piet Mondrian was a famous abstract painter, born in the Netherlands in 1872. His most recognized works are abstract paintings of colored squares, rectangles, and thick black lines, some of which you’ll see farther down.

Of course Mondrian didn’t start out painting squares and rectangles—growing up during the tail end of Impressionism, Piet Mondrian’s first paintings were consistent with that time period, as well as the Post-impressionism of Van Gogh.

Later on he also took cues from Braque and Picasso, although he soon formed a very distinct style all his own.

In his early paintings, there are several instances of a definite Post-impressionist, emotive use of color. (Hover your mouse to see the titles, if you’d like.)

But as Mondrian explored nature his own way, he gradually began to simplify and abstract the colors and shapes that he saw.

This process of simplification and reduction would continue until he wasn’t even painting from nature at all.

The rise of Cubism also gave Mondrian a means to segment and reduce objects to their most basic forms.

Notice the brush strokes in this next painting—it’s about as expressive that way as he’d ever be.

Even so, you can see how he’s already using the strokes themselves to form horizontal rectangles and lines near the bottom of the painting.

And at this early stage of his artistic development there’s even an inkling of his future geometric abstracts in the dark black lines and almost completely non-representational images.

With additional experimentation, a sense of structure began to assert itself through his paintings.

More horizontal and vertical lines appeared, with the occasional curves and diagonals. Later on, of course, Mondrian wouldn’t have anything to do with lines that weren’t straight.

By this time, Mondrian’s work was fully non-representational, and any abstracting he’d done from nature was in the past.

He began to create all of his paintings using a grid-like format, painting squares and rectangles of mostly solid colors.

At the same time he began to shift away from neutral and intermediate colors to primary hues, especially avoiding green.

Mondrian’s most famous works are his paintings made up of pure red, yellow, and blue, as well as black and white, but for a while he used shades of gray as well, and even his lines were dark gray instead of pure black.

Over time, though, his artwork became cleaner and more simple.

Strong fields of color dominated his paintings, separated by thick black lines and sections of pure white.

Then white itself became the focus, along with a judicious use of accent colors (still primaries, however) and the same black lines to break up the space.

Mondrian then began experimenting with double and triple lines, criss-crossing his canvases with more black than ever before.

That experimentation eventually led to a major adjustment on his part—do you see anything different in the next painting?

It’s fairly subtle in that piece, actually. Mondrian painted smaller squares of color in between a few of his double lines, without any black bounding their edges.

And although it might not jump off the screen to us, unbounded color was a serious departure for Mondrian, indicating a big change of direction for him.

It actually culminated in Mondrian’s last and greatest works, which he made near the end of his life after moving to New York.

This final piece, entitled Broadway Boogie Woogie, reflected not only the bustling sights and sounds of New York City, but also one last leap forward in his evolution as an artist.

As you can see, Mondrian completely emptied his canvas of any black lines, using instead squares of pure color to separate and delineate the larger blocks of white in the painting.

It would have been interesting to see Mondrian’s style continue to evolve, especially since he’d just made such a big stylistic change—but unfortunately he died shortly after completing Broadway Boogie Woogie, in 1944.

Piet Mondrian left behind about 250 paintings, many of which are compositional masterpieces in their own right. The most fascinating thing to me about Mondrian’s work, though, is his single-minded devotion to his art.

Through the entire first half of the 20th century, while art movements came and went, Mondrian stayed true to his path, ever searching for the purest form of abstract art.

And more than any other artist perhaps, I think he found it.

蒙特利安生平简介：

蒙特里安皮特（Piet Mondrian ，1872～1944年），出生于荷兰。

八岁，举家迁至德国边境的温特史威克。二十岁，他放弃教中学素描，而前往阿姆斯特丹就读美术学校。三十二岁以前，一直是自然派风景画家。

1908年以后，开始画和象征主义有关的绘画，在此之前的风景画早已显现了水平与垂直的组合。他也受到梵谷和野兽派的影响，而有1909至1910年的红树之作品。1911年，蒙特里安离开荷兰来到巴黎，受到立体派的影响，发现到自己艺术的重点在追求抽象绘画的可能性，而渐渐努力于使画面中的物象抽象化，并追求其简化的规则。一九一二年，他的画深受皮加索及布拉克的分析立体派的影响，用色减少，在造形上，开花的苹果树一作，有明显的中间密集而渐向边缘松散的表现。由于立体派并未展现该派自身的逻辑结果，而带给蒙特里安强烈追求纯粹造形的欲望。

1917年，蒙特里安、列克（BartVanderLeck）和都斯柏格（TheoVanDoesburg）等人成立「风格派」艺术团体。确立了以正方形、正方体和长方形的绘画元素。该团体给欧洲的新艺术带来了极大的震撼，从此几何抽象艺术到处繁殖。一九一八年，他又创立新造形主义，主张以垂直和水平线作分割，并以简单的原色配色，并反对传统的对称均衡原理，达到纯粹造形的目的。第二次世界大战期间，他移居纽约，直到病逝，一直维持创作的独特风格。
蒙特里安尝试找出一个「简单的艺术法则」，以最简单的造型和知性，来代替描写实物或气氛。他认为「艺术不是要复制那些看见的，而是要创造出你想别人看见的。」

在他眼中的大自然，是一个超自然的世界，除了有形，还有一种秩序美、韵律美。他说：「树是直的，海是横的。直角是一切平衡的基石。」他觉得无论是生活还是在画画上，只有和谐才是应当追求的，而最简单的色，最简单的形，合成最和谐的效果，才是最美的「人造自然」。

蒙特里安作品:

码头和海洋 1914

我们如果仔细地看，的确可以在画面的正南方看到一个长长的渡头，一直伸展到海里去。假设我们在黄昏时来到码头上看海，在夕阳的金光下，海浪那闪闪的波光，真如图中的那些纵横交错的线条一样闪烁不定。最后，你被大海包围了，海的波光吞没了一切，全世界也不过化成某种「构成」组合一起罢了（后来，连题目也成多余了。）

百老汇的布吉·伍吉 1942-1943

蒙特里安为了保持其单纯的情趣，所采用的颜色也简化为最简单的红、黄、蓝三原色。在他眼中，节制就是自由，单纯就是丰富。所以在此作品中，蒙特里安取消了惯用的粗黑直、横线条，单以三原色作排列组合，却更为繁美丰富。图中错综复杂的黄线，是否跟纽约纵横的街道如出一彻？＜百老汇的布吉伍吉＞彷佛就是一幅街道图，描绘了大城市的繁嚣。不可不题的是，题目中的「布吉伍吉」(Boogie- Woogie)，是一种爵士舞曲的名字。爱跳舞的蒙特里安，以此比喻了纽约迷人的活力。

在现代建筑运动中，荷兰的风格派文明于《风格》杂志和他们的那句口号“自然的对象是人，人的对象是风格。”因其受到斯宾诺莎的哲学思想和荷兰卡尔文教派的影响，荷兰风格派在本质上追求一种千古不变的的、放之四海而皆准的真理。蒙特里安作为荷兰风格派的代表，以其独特的艺术真理和追求永恒价值的艺术理念为后人留下了宝贵的艺术财富和文化价值。蒙特利安不仅因其“红、黄、蓝”绘画闻名于世，他的绘画作品后来更是被不同领域的艺术家沿用，形成了独特的“蒙特里安风格”。

荷兰著名画家蒙特里安·皮特于1872年出生于荷兰，在他八岁的时候，举家迁至德国边境的温特史威克。到了二十岁，他开始放弃教中学素描，而前往阿姆斯特丹就读美术学校。三十二岁以前，蒙特里安一直是自然派风景画家。

1908年以后，蒙特里安开始画和象征主义有关的绘画。在此之前的风景画早已显现了水平与垂直的组合。他也受到凡高和野兽派的影响，而有1909至 1910年的红树之作品。1911年，蒙特里安离开荷兰来到巴黎，受到立体派的影响，发现到自己艺术的重点在追求抽象绘画的可能性，而渐渐努力于使画面中的物象抽象化，并追求其简化的规则。一九一二年，他的画深受毕加索及布拉克的分析立体派的影响，用色减少，在造形上，开花的苹果树一作，有明显的中间密集而渐向边缘松散的表现。由于立体派并未展现该派自身的逻辑结果，而带给蒙特里安强烈追求纯粹造形的欲望。

1917年，蒙特里安、列克和都斯柏格等人成立了“风格派”艺术团体。确立了以正方形、正方体和长方形的绘画元素。该团体给欧洲的新艺术带来了极大的震撼，从此几何抽象艺术到处繁殖。1918年，蒙特里安又创立了新造形主义，主张以垂直和水平线作分割，并以简单的原色配色，并反对传统的对称均衡原理，达到纯粹造形的目的。第二次世界大战期间，他移居纽约，直到病逝，一直维持创作的独特风格。

蒙特里安认为：以往的艺术都不具有永恒的价值，因为它们是对具体事物的描绘，或是对稍纵即逝的情感的表达。他却把几何学作为造型的基础，追求造型的普遍性，寻求一种体现永恒价值的艺术。因而蒙特里安的绘画是抽象的，因为他排斥一切写实的现象。蒙特里安认为红、黄、蓝三原色“是实际存在的仅有的颜色”，水平线和垂直线“使地球上所有的东西成形”。所以，在他的作品中就只有红、黄、蓝三种颜色和水平线、垂直线两种线条，而且这些元素被组织在某种理性控制的结构中，与某种客观的规律性结合。“红、黄、蓝”的绘画风格不仅体现了一种理性主义的完美思想，更被认为是影响后现代主义风格绘画思想的渊源之一。

在“红、黄、蓝”绘画风格的影响下，建筑界和家具设计界也对此有了相应的反应。风格派建筑师利特维德设计的“红蓝椅”和乌德勒支住宅成为蒙特里安绘画的立体版。

利特维德设计的红蓝椅以一种实用产品的形式生动地解释了风格派抽象的艺术理论，成为荷兰风格派的又一重要经典作品

乌德勒支住宅以“红、黄、蓝”绘画为主题将其融合到住宅空间设计当中去，从建筑美学上讲这又是一种形式上的创新，也是“红、黄、蓝”绘画在设计领域的又一沿用。

近年来，时装设计界也毫不收敛的刮起一阵艺术狂潮，时装设计大师伊夫·圣·洛朗在2002年的告别秀上沿用了蒙特里安的“红、黄、蓝”绘画，将“红、黄、蓝”的构成形式几乎原版不动的搬到他的时装设计当中，而如今，这位时装界的大师已经离开了我们。

从绘画艺术中汲取灵感是伊夫·圣·洛朗常用的设计手法，他以自己对绘画艺术的热爱和深入的理解来构思时装作品。取材于蒙特里安的作品而推出的“Mondrian Dress”震惊当时，由黑线加红、黄、蓝、白组成的四色格纹成为世界时装史上的经典之作。

蒙德里安，以其独特的“水平线——垂线”和原色、非色组合的极简绘画图式，将现代抽象绘画带到了一个新阶段。

评论家乔治•施密特说，“蒙德里安的绘画远非仅仅是形式的试验——它们象任何纯艺术作品一样，是伟大的精神上的成就。一幅蒙德里安的绘画挂在一所完全按照蒙德里安的精神设计的住宅或一间房里，那么这里比使用任何物质对象，都具有一种根本不同的特色和更轩昂的气概。它是精神观念或态度的最崇高的表现；它是规矩与自由之间的均衡的化身；它是平衡状态中元素的对立的化身；而且这些对立的精神的作用不低于物质的作用。蒙德里安在他的艺术中所赋予的精神力量，将从他的每一幅画中永远放射出精神的和肉体的光彩。”

近年来，时装设计界也毫不收敛的刮起一阵艺术狂潮，时装设计大师伊夫·圣·洛朗在2002年的告别秀上沿用了蒙特里安的“红、黄、蓝”绘画，将“红、黄、蓝”的构成形式几乎原版不动的搬到他的时装设计当中，而如今，这位时装界的大师已经离开了我们。

从绘画艺术中汲取灵感是伊夫·圣·洛朗常用的设计手法，他以自己对绘画艺术的热爱和深入的理解来构思时装作品。取材于蒙特里安的作品而推出的“Mondrian Dress”震惊当时，由黑线加红、黄、蓝、白组成的四色格纹成为世界时装史上的经典之作。

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