迈阿密艺术家 Federico Uribe 制作的雕塑作品——Pencilism，利用支离破碎的彩色铅笔堆叠起来，建立起联系，变成景观、动物、绘画，甚至3D人物。

越来越多的前卫艺术家不再拘泥于画布和颜料上的创作，应用身边随处可见的平凡物件，都能摇身一变成为叹为观止的作品。

将不起眼的物品，透过排列组合成美轮美奂的雕塑，更难得的是他的每件作品，都像作家笔下的小说一样，用自己语言，说一个美丽的故事。对于一个来自战乱多年国家的艺术家来说，Uribe 离奇的带着一身浑然天成的温暖气息，透过他的作品，把这份充满幽默，美以及爱的深刻映像，带给观赏者。

艺术家官方网站：http://www.federicouribe.com/

“复制一个栩栩如生的形象对我后来已不再是个难题，关键是要能创造有生命力的形象，制作曾感动过我，或我真正需要的东西”。

阿尔贝托·贾科梅蒂（Giacometti Alberto,1901～1966），瑞士超存在主义雕塑大师，雕塑家、油画家、素描家和诗人：1901年10月10日生于博尼奥，1966年1月11日卒于库尔。早年画过素描和油画，成就最大的是雕刻。作品反映了第二次世界大战之后， 普遍存在于人们心理上的恐惧与孤独。代表作是《遥指》、《市区广场》等。

战后欧洲最伟大亦最富于表现力的雕塑家首推同为油画家、素描家和诗人的阿尔贝托·贾科梅蒂。1901年贾科梅蒂生于瑞士的斯坦帕。其第一件雕塑作品作于1914年，1916年开始创作他的兄弟迭戈的一组胸像。1919年他在日内瓦工艺美术学校读书，在埃斯托佩指导下创作。1920-1922年在意大利期间，主要学习意大利绘画，尤其是廷托雷托和乔托的作品，这期间他开始对古代艺术的稳固性发生兴趣。1922年他移居巴黎，此后三年作为雕塑家布德尔的学生，同时继续在博物馆写生波斯湾沿岸古国及埃及的雕塑，临摹中世纪的肖像画。他受立体主义理论的影响，并且对大洋洲土著雕刻表现出浓厚的兴趣。他后来做的《纪念头像》明显地是模仿喀里多尼亚岛上的巨人头像。1925年－1935年的10年中，是他的超现实主义时期，《匙形女》、《两口子》、《她和她的断喉》都是以现成品加工的方式作成的。1932年作的《手被一个指头抓住》，是一个有机械装置的活动雕塑，可能受考尔德1929年在巴黎举行的展览会的启发。贾科梅蒂超现实主义阶段最优秀、最富有独创性的作品是《早晨四点钟的宫殿》和《手捧空虚》。这是他受到鸟笼子的启发，试图以某种独创手段标志出一个有形的空间，并使之成为雕塑实体，人们把它叫做”空间雕塑”。《早晨四点钟的宫殿》是由木杆搭构起来的象征”宫殿”的空间。左边竖立着三块矩形木板，面前站立一位穿长裙的年老妇人。她抬眼望着宫殿的中央。在一块木板上有一个汤匙形的金属片和一枚圆球。中央空间内还吊了一页玻璃板，象征某种窗或层的分割。右方一个小的长方形空间内，吊着一段运动的脊骨，它的顶上是一个正方形方框，象征窗户。有一个焊成张翅怪鸟似的东西，代表”一只翼手龙，在早晨四点钟，带着愉快的叫声振翼飞去”。这件作品是十分难以理解的，贾科梅蒂曾长期酝酿过它。这与他的一段经历有关：”整整六个月，一小时又一小时地陪伴着一位妇人，她神秘地改变了我的每时每刻。”对于读者来说，它所引起的悬念是吸引读者久久凝想的最好契机。《手捧空虚》，又名《不可见的物体》，是一个按埃及古代法老像的风格雕刻的比例细长的石雕像。他双手似抚摩一物，但究竟是什么，又是一个悬念。

20年代末他开始将人看作透明结构，而不再是成团成块的实体。1929年他加入超现实主义者的行列，成为其间重要雕塑家，创作了《斜倚的妇女》，《一个广场的设计》。1935年以后，贾科梅蒂与超现实主义者决裂，转向现实主义。尤其在第二次世界大战后期，由于战火的蔓延，人民处于水深火热之中，1940年以后，他以火柴杆式细如豆芽的人物造型，象征被战火烧焦了的人们，以揭示战争的罪恶，成为举世闻名的雕塑家。

贾科梅蒂发现：他越继续遵循缩小形状的规模、细部的体积，就越能使其变得瘦小、细薄；在侧面像中的形象也日益多变。他受到幻觉真实的推动和刺激，雕塑中反映出来的人类形象更接近于从远处观察人类时所见，贾科梅蒂称之为”修剪去空间的脂肪”。

1938年因一次偶然事故卧病医院，贾科梅蒂对艺术进行了更深的思索。二战期间，他留在日内瓦（1940-1945），开始根据记忆创作，在其奥妙的人物和半身像中发展一种独具特征的风格。战后他在巴黎继续用这种风格创作，其具象的雕塑、绘画中出现的形同鬼魅的、拉伸延长的形体仿佛是饱受战争折磨的新欧洲”人道主义”的象征。其作品受到萨特的热烈赞誉。其作品将单纯的人类形象与侵蚀他们人性的空间整合起来，正如萨特所言，为其形象披上空间的尘沙；以寓言的方式表达了深切的孤独感、现代人的焦虑和被剥夺了的传统的慰藉（见作品《城市广场》）。

《高个女人IV》1960年，铜  270×31.5×56.5cm

《行走的人I》1960年，铜  180.5×23.9×97cm

Walking Man Tall Figure

阿尔贝托·贾科梅蒂（1901-1966）生平年表：

1901 10月10日出生于瑞士格里松州斯坦帕附近的阿尔派恩村。
1919 到日内瓦学画。分别在美术学院和工艺美术学院同时学习绘画和雕塑。
1920 5月，与父亲同去意大利旅游，留在那里观摹和学习直到1921年底。
1922—1925移居巴黎，进入布代尔工作室工作。受到立体主义和原始艺术的影响。作品第一次参加巴黎杜伊勒利沙龙展。(1925)
1926 创作《匙形女子》、《俩口子》。
1927 与父亲在瑞士苏黎世举办《乔万尼与阿尔贝托联展》。在巴黎的工作室中与弟弟开始了毕生的合作。
1929 进入巴黎超现实主义画家圈子，结识马修(Masson)，米罗等人。
1930 在巴黎皮埃尔美术馆举办《米罗、阿普、贾科梅蒂》联展。创作《悬浮球》。
1932 在巴黎皮埃尔·高尔美术馆举办首次个人作品展。创作《早晨4点的大厦》、 《被捉住的手》。
1934 在纽约朱利恩·利维美术馆举办个展，创作《手捧空虚》。
1935 放弃超现实主义雕塑，转向研究模特儿，开始长达5年的探索时期。
1939 结识毕加索、萨特。
1942—1945战争期问避居日内瓦，继续艺术上的探索，1945年返回巴黎，同年在纽约举办个展。
1946 在巴黎皮埃尔·勒布美术馆举办个展。
1947 在巴黎美术画廊举办个展。创作《遥指》。
1948 在纽约皮埃尔·马蒂斯画廊举办画展。
1949 与安尼蒂·阿尔姆在巴黎结为伉俪。被邀请参加威尼斯双年展，但作品未中选。创作《城市广场》。
1950 与马修在巴塞尔美术馆举办联展。在纽约皮埃尔·马蒂斯画廊举办个展。创作《战车》、《七个人体与一个头像的构图》。
1951 在巴黎马格画廊举办个展。并与该馆签约，由他们独家承办在欧洲的展览。
1952 在纽约威顿伯恩美术馆举办个展。
1953 在芝加哥艺术俱乐部举办个展。
1954 在巴黎马格画廊举办个展。
1955 在伦敦艺委会美术馆，纽约古根海姆博物馆，德国克雷菲尔德威廉大帝博物馆举办回顾展，并在德国巡回展出。
1956 在波恩美术馆举办个展。参加第28届威尼斯双年展。
1957 在巴黎马格画廊举办个展。
1958 在纽约皮埃尔·马蒂斯画廊举办个展。获古根海姆国际奖。
1959 在波恩克利波施泰因·科恩费尔德美术馆举办个展。
1960 在纽约世界大厦美术馆举办个展。
1961 获匹兹堡国际雕塑奖。在巴黎马格画廊、都灵加拉泰奥美术馆和纽约皮埃尔·马蒂斯画廊举办回顾展。
1962 获第3l届威尼斯双年展雕塑首奖。
1963 在苏黎世美术馆、华盛顿菲利普博物馆、日内瓦克鲁吉尔美术馆、巴塞尔拜尔勒美术馆、罗马艾纳蒂图书馆举办回顾展。
1964 在纽约皮埃尔·马蒂斯画廊举办个展。在柏林和魏森塞举办巡回展。
1965 在伦敦塔特美术馆、丹麦胡姆勒拜克·路易西亚娜博物馆、阿姆斯特丹市美术馆、纽约现代艺术博物馆举办回顾展，并且在美国巡迥展出。被授予波恩大学荣誉博士。在苏黎世成立阿尔贝托·贾科梅蒂基金会。9月离开巴黎。
1966 在巴塞尔美术馆、汉诺威克斯特纳协会、纽约勒布——克鲁吉尔美术馆举办回顾展。1月11日逝世于瑞士库尔。

贾科梅蒂作品风格：

战后欧洲大部分雕塑家发觉很难从门类上迎接来自涂写主义、表现主义绘画风格的挑战，但仍有部分艺术家确实从绘画的范例中探索到一种新的方法，并通过把狂躁的、即兴的、随意的非实象艺术画家的特质笔触转换为另一类媒介，从而在艺术作品中得以实现其意旨。

面对其作品，我们感受到的不仅仅是战后人性的困境，而且是大众社会内都市中的个体的困境–在广大而复杂的社会、政治、建筑结构中，每个人都被同一化，生存于心理孤绝的状态中。《城市广场》有几分类似于其早期作品《早晨四点钟的宫殿》，然后表现重点已由形体转向感觉–贾科梅蒂创造出了其最为痛切、孤绝的隐喻。这些粗糙的、皱缩的表面，空白、无表情的面容，自远而观的尺寸，使这些极小的形体展现出相互间及与观者本身的荒芜的远离。

一些影响大部分来自贾科梅蒂长期以来的近似神秘主义的对表达现实方法的追寻–含着对文明终极的疑问和追寻现实认知的本质。

除了上述仿佛自远而观的微小形体外，他也创作一些很大的形象，然而本质上仍是其细弱、被摧残的战后的风格。此外，其艺术主题中也有少量脱离具体形象的的手势动作，如作品《手》。

贾科梅蒂的绝大部分绘画作品都是1947年后画的，正如其雕塑品一样，反映的人类形象也是细长甚至可怕的。他们被表现为直立的、打招呼的或大步行走的样子。他们常常表现为在移动，且似乎有一种目的。贾科梅蒂常采用单独或群像表现人物。其静物画还包括描绘一张桌子上一大堆满是灰尘的瓶子、雕塑工具和洋铁罐等。他将画中的人物置于一间巨大的空荡荡的、有着高高的天花板的洞穴般的房间里。使用的色彩严格限制在暖灰色、黑色、褐色和奶白色。他的绘画基本上是用画笔作的素描画，他也创作石板画，其主题和构思同其油画、素描都很接近。

作为二战后欧洲雕塑创作中最强的一位，贾科梅蒂的重要性在于：作品中具有丰富的视觉和哲学源泉，他强烈地驱使自己去抓住他在外部世界感觉到的瞬息即逝的幻觉，以及要完整的反映人类形象的需要。

作品屡创天价，生前却买不下23平方米——

2010年，他的代表作《行走的人I》在苏富比拍出1.04亿美元。
2013年，佳士得与苏富比两大拍卖行为他打起了“贾科梅蒂大战”，最终苏富比以贾科梅蒂1954年雕塑作品《迭戈之头》拍出逾5000万美元取胜。
2014年，贾科梅蒂的青铜雕塑《双轮战车》以1.01亿美元落槌。
2015年，他的《指示者》在佳士得拍出1.41亿美元，打破了2010年《行走的人I》所创下的世界纪录。

尽管作品身价斐然，但本次展览的总策展人、巴黎贾科梅蒂基金会总监、前蓬皮杜艺术中心副馆长凯瑟琳·格雷尼尔却称，这位如今备受追捧的艺术家直到逝世前也没有能力买下自己位于巴黎蒙帕纳斯街区伊波利特-曼德龙街46号的仅23平方米的小房间，那是他的住处与工作室。他一生中有40年时间在这里度过，其绝大多数作品也在此完成。

他的朋友圈很广，与萨特、贝克特都有交集——

巴黎的广阔天地让贾科梅蒂很快如鱼得水，他在几年后创作出扁平的人物雕塑，并以此成名。他的创作也吸引了当时最有影响力的艺术家、知识分子的关注。

达利在他的雕塑作品《悬挂的球体》中看到超现实主义的“纯象征之物”的原型，法国诗人、超现实主义创始人之一的布勒东邀请他加入“超现实主义运动”，法国评论家、小说家乔治·巴塔耶委托其为自己的著作创作插画，而法国作家让·热内为他写就的《贾科梅蒂的画室》，被毕加索认为是“我所读过的最好的艺术评论”。

此外包括哲学家让-保罗·萨特、西蒙·波伏娃，剧作家塞缪尔·贝克特等人都是与他惺惺相惜的挚友。萨特曾写过《贾科梅蒂的绘画》《追求绝对》等文章，将贾科梅蒂的作品带入到了存在主义的哲学范畴。“贾科梅蒂的每一个作品都是为自身创造的一个小小的局部真空，然而那些雕塑作品的细长的缺憾，正如我们的名字和我们的影子一样，是我们自身的一部分，还不足以构成一个完整的世界。这也就是所谓的‘虚无’（void），是世界万物之间的普遍距离”，萨特在《贾科梅蒂的绘画》中曾这样评价他的作品。不过后来，萨特因一篇文章中引用贾科梅蒂的话有出入，而导致两人关系闹僵。

在上世纪50年代与60年代间，贾科梅蒂的雕塑与贝克特塑造的荒诞剧中的人物多有交集，贾科梅蒂也于1961年为后者的戏剧《等待戈多》的再度上演制作舞台布景。

从上世纪30年代初直到60年代去世，贾科梅蒂在自己的工作室里主动成为当时最伟大摄影师的模特，包括布列松、曼·雷、欧文·佩恩等同时代摄影大师的镜头中，都留下了他的影像。

创作微型雕塑，作品造型愈大愈发瘦削——

1935年，贾科梅蒂疏远了超现实主义，重新回到他20多岁时的创作方式，参照模特进行创作。贾科梅蒂在致“野兽派”画家马蒂斯的一封信中解释了自己为何“重构头像”：“为此，我不得不从自然界中进行研究做出一两个样本，让我能够理解一个头部的构造，一个人像的构造，1935年我开始使用模特。这样的研究我想做两周就可以了吧……（但是）从1935年一直到1940年，我都参照模特创作。我之前完全没有设想过会这样。”贾科梅蒂偏向选择他亲近的人作为他的模特，包括他的弟弟、妻子、情人和朋友。

1940年，贾科梅蒂逃离纳粹占领下的巴黎，到瑞士日内瓦避难。他将旅馆房间改造成工作室，创作微型雕塑。对于贾科梅蒂的微型雕塑，他的一个朋友曾说过：如果贾科梅蒂决定为你做一件雕塑，“他可能会把你的头雕塑成像一个刀锋”。

对于为何创作微型雕塑，贾科梅蒂说：“我缩小雕塑尺寸，是为了将它放回到我看到一个人时的真实距离。一个十五米高的女孩，从远处看并没有八十厘米，也就是十多厘米而已。另外，为了整体理解而不沉溺于细节，我需要从远处观察。但细节依然干扰我……所以，我后退得越来越远，直到看不见人”。

1946年，贾科梅蒂与安妮特·阿姆（Annett Arm）结婚后，他的雕塑从微型变得愈来愈大了，但是这些作品造型愈大，就变得愈发单薄、瘦削，看起来孤独而伤痛，充满虚无的美感，这些作品日后成为他最具辨识度的创作。

贾科梅蒂指出，现代艺术观，应该包含两种不同的“孤独”命题。前者称之“造型孤独”形象，它为阴暗旮旯里的“静物”陈述“形式”的个别意义。后者是形容艺术的“语义孤独”，指向那种“似是亦非”的内容叙述，揭示一般的意义。换言之，形式和内容的统一，才是构架艺术的本身价值，抑或艺术应有“亦是不似”或“不是亦非”的审美作用。

人道主义艺术追寻者

贾科梅蒂的现代艺术成就，它不再是以“金属”媒介来可圈可点的。他大量的实验性的作品，因为契入了浓郁的“人道主义”思想，才使得他的“实验”更加成熟。他以一个哲人的智慧，站在社会的底层，与架上的“小人物”谋合“无产阶级”的风格，才造就了他的大众艺术，或人道主义的艺术。

贾科梅蒂曾在四十年代末对马尔罗说，在“布满历尽劫难的创伤”般的雕塑外表上，掩饰的是那种人类工业社会带来“深深的悲观及焦虑感”。而马尔罗对此的反应是：即使在今天，人类文明的异化“所铸就的自身悲剧命运”，是那种“永远摆脱不了的孤独感”所引发的。因此，马尔罗和萨特异常兴奋地赞许贾科梅蒂刀镌之下的这些纤细麻竿似的既“丑”又“怪”的金属生灵。它们成了萨特“存在与虚无”主义的形象图式展示：表明了人们对不合理的理性世界作出无奈的“反抗”态度。

贾科梅蒂在1965年死前一年的最后一次个人作品展示会上说：当代艺术的一个最大文化特征，是它表明自身存在的“现实”意义。它由大众的共同“需要”为前提，这样“当代艺术”才被“抛入了我们的现实生活之中”。

过亿美元拍卖纪录保持者

1916年，十五岁的阿尔伯托.贾科梅蒂(Giacometti Alberto，1901-1966)，用路费买了一本罗丹的书，以致在风雪夜走了整宿才回到家。不过时光推移，他不再做比例精緻而庞大的雕塑，也没有成为罗丹的信徒，反而成为了批判者。他的雕像细长如刀锋，像夜间行走在深巷中的人，结化不开的愁怨。他的母亲这样感嘆道：“无论如何，他没有做出什么美丽的东西出来。”是的，他的雕塑看上去并不美丽。但他的雕塑却在拍卖会中成为藏家一掷千金却难求的绝世艺术品。贾科梅蒂1947年的一尊真人大小雕塑，《Pointing Man 》，估价达到了创纪录的1.3亿美元。2014年纽约秋拍，贾科梅蒂《双轮车》以逾一亿(100,965,000)美元的成交价一举夺魁。当瘦削的躯干，面对丰满的真金白银，还有什么比时间更有趣？

纽约苏富比这样介绍《双轮车》的创作始末：一九三八年，阿尔伯托.贾科梅蒂在巴黎街头正思念自己的恋人伊莎贝尔，却不幸在圣女贞德的鎏金铜像前被车撞倒。他对之后住院的经歷感受非常深刻，惊嘆于“叮叮作响的药车”，为其创作视野的一大转捩点。多年过后，那段回忆终于成形，他在脑子里完整构思出《双轮车》。“一九四七年，它已经清晰地立在我的脑海里，似乎已经完工”，贾科梅蒂这样告诉他的经理人皮耶.马蒂斯。“到了一九五○年，我必须把它做出来，虽然对我而言那已经是一段往事。”

注定孤独的离群索居者

当观者与作者的视角贴近，情绪似乎也跟贴近。战后充满灼烧感的痛楚和未散去的蔓延，贾科梅蒂作品的那种模糊而玄妙的情绪，得到了更广泛的解读，不知有多少饱受痛楚的观者，在贾科梅蒂永远无法走近的作品前泪流满面。

“美只源于伤痛。每个人都带特殊的、各自不同的伤痛，或隐或显，所有人都将它守在心中，当他想离开这个世界感受短暂而深刻的孤独时，就退隐在这伤痛中。所以这种艺术与我们称之为“苦难主义”(miserabilisme)的东西相去甚远。在我看来贾科梅蒂的艺术是想揭示所有存在者甚至所有物体的隐秘的伤痛，最终让这伤痛照亮他们。”贾科梅蒂的另一位粉丝，尚.热内如是说。

离开超现实主义运动，贾科梅蒂离群索居。他爱过的人很多，包括妓女和一个头上长瘤子的乞丐。亚里士多德说，离群索居者，不是野兽，就是神明。在诸多艺术家眼里，贾科梅蒂一定没有高更那么接近神明，好在野兽亦不错，充满怪异又澎湃的精神力量。

对话贾科梅蒂：”我从来不相信偶然机会”

大卫·赛尔维斯特（以下简称D） : 你说过，你的作品全是模拟你见到的东西，而且一直注重形似，不管是做雕塑、画油画或者素描都是如此，至今仍然遵循着这原则。但事实上你的雕塑人像显然过于细长，而在你的素锚和油画中则又不然。

贾科梅蒂（以下简称G） : 是的，你作画就是在为现实创造一个总的幻觉。创造对象在特定环境、特定姿态下的外表形象。你不可能把对象和他的周围环境分割开来。例如你从正面看一个人，你就看不到他背面的东西。你是在作观念性，而不是在作视觉性的思考。与同真正的体积打交道比起来，这里存在较多的幻觉。对于雕塑，首先我是传统的奴隶。因为我和大家一样，都在作写实主义的雕塑。臂如作一个头部，就得像希腊罗马雕刻中的头，让人看来有形有体，是现实中人头的翻版。即使是罗丹，在作胸像时也要量尺寸，但他塑造的东西并不像他在一定空间，一定距离内所实际见到的那样。我现在在这样的距离内观察你也是如此。他的确想作一个与对象相等的泥塑，一个在空间体积上完全相似的等同体。因此，从根本上来看这不是视觉问题，而是观念性的东西。在开始塑造之前罗丹就已胸有成竹，也就是说，他从希腊时期就一直统治着欧洲雕刻的关于头像的传统观念，开始为所视物创造出一个确不相同的空间体积。因为在一般的情况下，光靠站起身来绕行对象一周，这个真实的空间体积是无法得到的。如果你不了解对象头盖骨的确切厚度，光靠推测是不会准确的。因此，如果我只按照对你的绝对观念来做雕塑，那就会塑出一个扁平的，几乎没有起伏的头像来，它与罗丹或乌东看起来十分真实的作品相比，更接近于席克拉底斯艺术，非常风格化。

我认为直到目前为止，我们都在机械地保持着某种观念，认为头像看起来应当如此，让我们完全看不到真实的形状。直到第二次世界大战前夕，一般我画的东西都比我确信所见到的要小。换句话说就是在作画时，我总会惊奇地发现一切都变得如此之小。但不作画时，我又会感到眼前的头部和它本来的大小一样。后来逐渐地，特别是第二次世界大战爆发后，这种现象便成了我本能的一个部分，天经地义的东西。我作画时进行这样的观察，不作画时也是如此，我再不能把人像恢复到本来的大小了。有时在咖啡馆里，我观察一个从街对面走过去的人，看起来就很小，一个小型的雕像。我感到奇怪，但又无法想象出他真实的大小，在街对面简直像个幽灵。可是你走近一些，他又变成了毫不相干的另一个人。如果再走近一些，譬如两米远的地方，我就根本见不到这个人了。他不再是原来的大小，而是占据了你的整个视野，变成模糊不清的东西。如果你走得再近，那就什么也看不到了。这时你已经从一个领域进入到另一个领域。譬如我观看街对面的一个女人，我就觉得她很小，我对这个在空间行走的小人感到惊奇。但正当我把她看得愈来愈小的时候，我的视野明显地增大了。我头上和四周的空间几乎变成无限的东西。假如我走进一家咖啡馆，我的视野就是这家咖啡馆的等同体。它变得广阔无垠，我每次看到这个空间都深感惊异。因为不管我如何努力，我都无法相信这是物质的绝对现实。难道一切都仅仅是个幽灵吗？如果这个人再走近些，我就不再见到她，而她也几乎不复存在了。看来我是被激情控制了。我应当去触摸她，观察已失去全部作用了。

有一张关于他的著名照片，在大雨的街头，雕塑家匆匆赶路，因为没有雨具，他将外套撑过头顶。于是，这位已经被奉为大师的艺术家，坡着脚、像个无头长腿怪物一般向人们走来，却永远不会走近。

他的那些雕塑人物形象都是孤独的，但当他将它们安放在一起的时候，不管他是怎么排列的，孤独又会把它们紧紧相连而构成一个小小的魔幻般的社会。

日复一日使他着迷的是那些椅子的腿，用他的真空眼光看，它们几乎是没有触及地板的。他觉得在事物之间、人们之间都无法沟通，真空渗透于万事万物，任何一种生物都在创造着它自身的真空。……让我们设想一位抒情雕塑家吧：他力图表现的是自己的内在情感，是那种包围着他的，使他毫无防范地面对暴风骤雨的广阔无垠的空间。贾科梅蒂是一个雕塑家，他就像蜗牛套上了硬壳一样披上了他的真空。

贾科梅蒂的每一个作品都是为自身创造的一个小小的局部真空，然而那些雕塑作品的细长的缺憾，正如我们的名字和我们的影子一样，是我们自身的一部分，还不足以构成一个完整的世界。这也就是所谓的“虚无”（void），是世界万物之间的普遍距离。譬如，一条街道本是空旷无人的，沐浴在阳光之下，突然之间，一个人出现在这个寂寥的空间，虚无亦作如是观。
——萨特《贾科梅蒂的绘画》

他的物质材料是一个石块和一片空间。贾科梅蒂必须从这仅有的空间雕塑出一个人物来，去描述那完全静止中的运动，无限复杂中的统一，纯粹相对中的绝对，永恒现实中的未来；在默然沉寂的事物里，显示出发出言语的迹象。

贾科梅蒂知道，一个活生生的人身上决不会有多余的东西，因为人的一切器官都有着自己的功能。他懂得，空间就像一个毁灭生命的肿瘤，它会吞没一切。对他而言，雕塑就是从空间中修剪多余的东西，使它高度精炼，并从它的整个外形中提取精要。
——萨特《追求绝对》

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

来自德国艺术家Wolfgang Stiller的巨型火柴雕塑作品，作者使用了大比例的火柴棍，将其头部燃烧之后，利用呈现焦黑状的棍头，雕出了五官清晰，形态各异的面孔。

这款巨型火柴雕塑艺术品很有创意，要先将火柴点燃，等燃烧殆尽以后，才进行后续的雕刻工作。仿佛人“死灰复燃”，产生一种新的生命。

以色列自由鞋履设计师科比·列维(Kobe Levi)是一个富有设计热情的设计师，他认为每一件作品都是一个活着的雕塑，他如果有一个很好的创意他会立刻将它在他的手工制作室里表现出来，他认为这是一项充满创意和技术力的劳动，关键在于怎么用最好的方式才能是自己的创意被表现出来。

来自耶路撒冷的鞋子设计师 Kobe Levi 将创意、艺术以及时尚结合到了他的创作当中。他的创作完全就是一个点子、一个灵光一闪，然后他就将它付诸实现的做成这些怪异造型的女鞋。最厉害的是这些鞋子除了最为展示之外，它们是真的可以穿的喔！

这次他出人意料地将鸟类演绎成女士的高档皮鞋。“鸟类系列”由三双手工制作的高跟鞋组成。设计出了具有非凡视觉效果的鞋子。

造型怪异的高跟鞋创意设计

造型怪异的高跟鞋创意设计

造型怪异的高跟鞋创意设计

叹为观止的羽毛装饰艺术

叹为观止的羽毛装饰艺术

叹为观止的羽毛装饰艺术

叹为观止的羽毛装饰艺术

叹为观止的羽毛装饰艺术

叹为观止的羽毛装饰艺术

叹为观止的羽毛装饰艺术

“在中国的城市里头，在大家都在造大房子的时候，造小房子就会有特别的意义，它能够达到一个什么样的质量，能够使得城市有一个什么样的活力，这件事情特别有意义。金华的城市活力让人拭目以待……”

“金华建筑艺术公园位于金东新区商业文化中心对岸，地处金东新区三江六岸绿化带，是一个具有滨江特色的开放型公园，也是金东区实施义乌江北岸滨江绿化带建设的重点工程之一。该公园长2200米，平均宽80米。公园景观由艾青之子、著名艺术家主持设计，公园中17个小型公共建筑由来自美国、瑞士、德国、墨西哥、荷兰、日本及中国7国优秀建筑设计师、艺术家设计。已成为金华重要的旅游景观和文化景观，并引起了各界对城市小型公共建筑艺术的广泛关注，中央电视台曾专门制作了专题片详细介绍该公园。”

专家认为，公园内17个小型公共建筑既充分体现出来自不同文化背景的建筑师们的鲜明特征，同时也充分尊重了中国的传统文化及金华本地的人文特征、地理景观和气候特点。公园的建成开园，将进一步丰富充实新兴城区的城市空间，协调人工构筑物与城市自然景观的有机联系，使人们的城市生活与建筑艺术更好地融合互动。金华建筑艺术公园位于金东区义乌江北岸与清照路之间，占地面积达224亩，与艾青文化公园隔江相望。公园的整体景观由艾青之子、著名艺术家艾未未领衔规划设计，汇集了世界建筑最高奖——普利茨克奖获得者、北京奥运会主场馆“鸟巢”的设计者赫尔佐格以及哈佛大学建筑系主任森俊子、北大建筑学研究中心负责人张永和等7位中外知名建筑设计艺术家，他们分别来自美国、瑞士、德国、墨西哥、荷兰、日本及中国 。

《新闻1+1》今日关注：奢侈的‘废园’

2007年10月19日开园时，金华市主要领导，艾未来、王澍、洪铁城等艺术家、建筑学家悉数到场，场面盛大。

当时部分金华市民质疑这些建筑造价过高，譬如长宽高各8米的不规则形体“阅读室”报价需要160万元，艾未来设计的“窑”形博物馆造价最高，约需300万元。面对媒体的提问，艾未来回答：“‘阅读室’是设计大师赫尔佐格和德梅隆在中国的第一个建筑作品，他们同时也是中国奥运主场馆——鸟巢的设计者。从这个层面讲，160万元高么？不过是一辆高级小车的价格！”

由墨西哥设计师费尔南多·罗密欧设计的“茶室”入口处被封了个严严实实。

鸟巢建筑师赫尔佐格和的德梅隆的作品“禅空间”。

时任中国美院建筑艺术系主任，如今是“普里兹克建筑学奖”得主、中国美院建筑艺术学院院长的王澍，当时为了来参加建筑艺术公园开园，都没去参加母校东南大学的校庆。他的一段话如今仍让人印象深刻：“在中国的城市里头，在大家都在造大房子的时候，造小房子就会有特别的意义，它能够达到一个什么样的质量，能够使得城市有一个什么样的活力，这件事情特别有意义。金华的城市活力让人拭目以待……”

近五年过去了，如今的建筑艺术公园却几乎成为了“废址”，没有人照看，没有人欣赏，甚至几乎都没有人关心。

“不懂，完全不知道是什么。昨晚看了就觉得很可惜啊！”2012年4月19日下午四点多，43岁的方大伯抱着孙子走在浙江金华市区清照路边的河浜上，望着绿地里那些看着“奇形怪状”的建筑物，他直摇头。昨晚他看了央视的《新闻1+1》，才知道这个他每天都经过的地方上了电视，这群建筑物多数还是一群外国人设计的，花了3000万。只是在他的印象里，五年来这里从来就没热闹过。

“问讯处”是记者第一个遇见的建筑物，只是那块写着名称和作者的贴牌已经锈迹斑斑，若不是镂空，恐怕已经很难识别出了。这是一个刚架构的木质建筑，走进去一看扶手多生出了锈渍，木头已无色泽。恰好有一对新人在此拍婚纱照，摄影师告诉记者，这个地方他一直有听说，平时也会带新人来拍照，算是个不错的取景地。

接着水泥构造的“古树”下，只有一对情侣依偎在此，所谓“阅读室”下恰有一位欧师傅在看电动车说明书，他说下午没事就来这转转。而这之后的建筑就真的几乎无人问津。“儿童游戏”的地砖被人挖走不少，红色墙体上尽是白色粉笔划下的留言；几个高耸的“茶室”破败不堪，其中一间连门都已经不见，内中的水缸被砸；“管理空间”内摆满了扫帚等，显然这好几十万的地方成了杂物间；“多媒体室”的两块钢化玻璃经过暴晒后已经膨胀，和中间两块正常的相比，已经有明显的碎痕，随时有可能爆裂。

最后一栋建筑是瑞士设计师赫尔佐格和的德梅隆的作品“禅空间”，颇具讽刺意味的是内中的走道地板碎了好几块，还结着一张大大的蜘蛛网。住在附近的小叶和女朋友今天是第一次来建筑前转转，在他看来这些建筑对于普通百姓而言，活动场所的意义远大于建筑本身的欣赏价值。

设计别致的厕所，大门已经关闭很久了。由美国建筑师迈克尔·毛赞设计的“书吧”，落地玻璃窗已经被人砸碎了。

17个建筑中，唯一还在运营着的就是王澍设计的“咖啡馆”，目前是一家房产公司的办公室，正在进行扩建。而这其中的原因听上去挺有趣，由于该建筑正对某房产公司的楼盘项目，办公室的一位工作人员告诉记者：“我们也是考虑到给业主一个好的印象，我们的楼盘搞这么好，出门那么破。”据说这个扩建的建筑，王澍过几天还会来看看。

由西往东走，路边有不少都是金华广播电视大学的学生。记者在聊天中得知，学生们多数都是知道这个公园的，但平时也不经常去，大家还是喜欢在河滨的路边坐下，望着义乌江吹吹风，看看夕阳。

周边居民较少或是冷清主因

据方大伯介绍，清照路边的村庄叫戴店村，是金东区东孝乡的一个迁建村，村里的房子都是新盖的，很多都租给了外来务工人员。

“看这个是要有文化的。”方大伯说村里建起了条件很好的活动场所，村民们跳舞什么都不会出来。加上附近的楼盘都在新建，住户很少。自然而然人气就不旺，“平时晚上都没什么人往这走，都在桥的那边。”这“桥的那边”便是东关桥以西，那儿的小区都已建成多年，超市等配套齐全，人气远不是桥东头可比。近5年来，也没有什么大型文化活动在此举行。

据知情人透露，参与该项目的有关人士私下承认当年的规划过早，这些建筑荒废比较可惜，如果过两年等附近房产项目交付业主入住之后再建，可能就是另一番景象了。而工作人员在接受采访时的说法是：“因为这块东西管理上也需要基本管理的一些人员，当时显得力不从心。”

金华艺术公园入口询问处

园内有门的地方，都被封了起来。

原本为了方便游客，专门请哈佛大学的几位年轻设计师和一些艺术家设计的5座非常漂亮的公厕，也都大门紧闭。“当初他们要锁门的时候，我说什么门都好关，这几扇门不能关。”一位负责看管公园的大伯对记者说，“从那以后，很多游客想‘方便’了，只能找一处树丛解决，连我看了都觉得不好意思。”记者了解到，之所以要把这些建筑物的门封闭起来，是怕流浪汉之类的人进去以后，会对建筑物造成更大破坏。还有人在公园里种杨梅和蔬菜。

“一开始来参观的人还挺多的，特别是从杭州来的中国美院的学生，往往一呆就是大半天。后来，不少设施和建筑遭到破坏后，得不到及时修复，来的人也就渐渐少了”。他现在一个月工资800元，吃住都在公园。主要任务就是防止有人继续破坏，看到有流浪汉进来，原则上要让他们离开。公园内，不少地方有人种上了杨梅和蔬菜。工作人员说，这些地方都承包出去了。

设计宗旨就是服务大众

金华建筑艺术公园的一位设计师，在2007年公园开园时曾接受记者专访。他表示，公园设计之初，就专门规划了茶室、咖啡厅，甚至还专门辟出了给市民烧烤和种菜用的区域。公园本身就是为服务大众的，应该开展一些租赁经营活动，而不是闭门谢客。而力促这个项目实施的，当时的金东区常务副区长、后调任金华市规划局局长余秋荣，早前在谈及公园的管理时也称，应该按照设计理念开展一些经营活动，彻底让公园“活”起来。

2012年4月，在建造5年之后,不知道金华在世界上的知名度提高了多少,但这个公园、这个城市却以一种难堪的方式又“亮”在公众视野——这个奢华的公园现在已经成了一座“废园”,不少本地市民也不知道自己身边竟有这样一座公园。根据报道，变成废园的原因有几点:公园离市区太远，配套设施不全以及管理人员缺乏等等，而根本原因是对城市发展估计太快，在城市规划上不免“大跃进”，决策出现了失误,导致挣面子的政绩变成了丢脸的工程。中国城市规划设计研究院副院长杨保军表示：要避免这种现象，要做到三个尊重，尊重自然，尊重当地历史文化，尊重人。

[金华建筑艺术公园园林雕塑小品集]

来自美国的艺术家barry underwood 用他特有的观察法创作了最新的全尺寸装置作品。underwood 在熟悉的自然景色中找寻可能存在的，飘渺的发光体，在空间中注入他创作的雕塑灯光。

他先确定一块户外场地，然后在这一自然环境中加入发光体，这些灯光和色彩为原本平凡无奇的环境添加了抽象的空间质感。最终，underwood 创作了一系列超现实 的，戏剧化的叙事性作品。

the newest full-scale installations by american artist barry underwood are formed in his typical investigative approach.
underwood gauges the potential for ethereal illumination of familiar landscapes by infusing the spaces with sculpted light.

the artist first searches for an outdoor location, then infusing this natural environment with glowing objects, the light and color enables an abstract quality to overtake the ordinary natural surroundings. underwood’s efforts result in a surrealistic cinematographic or theatrically-minded photographic story.

艺术家官方网站：http://barryunderwood.com/

Andy Singleton擅长剪纸，他将这种工艺发挥到极致，和橱窗设计、店面装饰等多种陈列方式相结合。作品精致入微，又气势磅礴，他让脆弱的纸张具有了强大的张力和表现力。

Andy Singleton官方网站：http://andysingleton.co.uk/

林德弗斯1962年出生于芬兰，是一位跨足设计师与艺术家的一位活跃人物，他曾经参与非常多国际的雕刻专案，例如為Swatch在亚特兰大奥运(1996)所做的Winged Victory、驻华盛顿D.C.的芬兰大使馆雕像”Freedom of Speech”等。除了Ego杯之外，Stefan Lindfors也参与的芬兰时尚品牌Marimekko的布料图腾设计。

1988年毕业于赫尔辛基艺术与设计大学；设计师、雕塑家并涉足音乐、电影短片、服装与针织品、平面设计等领域；
 
合作客户包括Ingo Maurer GmbH、Alessi、 Ikea、 Swatch、 Warner Music、Nokia、 Sony Playstation 等品牌

 
代表作品：Scaragoo 台灯，入选当年米兰设计周（1988）；
言论的自由（The freedomof speech），芬兰驻美国大使馆公共雕塑（1995）；
飞翔的胜利钟塔（WingedVictory）， 亚特兰大奥运会swatch 展馆户外雕塑（1996）；
心之葬礼，“Funeralof Hearts” 音乐录影带（ 由BMG 出品，2003）；
“HIM Trips 1-10”音乐录影带（华纳兄弟出品，2007）。
10年秋天，斯蒂芬的新作品在北京的北欧艺术节上亮相，它们是和老朋友Ingo Maurer 合作的一组灯具，两者的友谊已经持续了22 年。目前，斯蒂芬和中国的交集并不是很多，但是如他所说，中国对于他并不是陌生的。

官方网站: http://www.stefanlindfors.com/

EGO 咖啡杯

芬兰Iittala EGO 咖啡杯碟

ego breakfast cup & saucer
Design Stefan Lindfors, 1998
Made in Finland by Iittala

A question of balance. Ego’s highly original design brings a modern perspective to international coffee culture – a cup suitable for all varieties of coffee. Designer Stefan Lindfors believes that while the soul of an object drives its design, you still have to take functionality, manufacture and aesthetics into account.

Thus the cups are stackable, and the saucers need no separate rim for the cup, so they can be used as plates. The distinctive handle helps keep the cup steady both in the hand and on its saucer.

Born on Ahvenanmaa, Finland, Stefan Lindfors is active both as a designer and sculptor and he has many international commissions behind him. His work includes Winged Victory (1996), a sculpture for Swatch’s pavilion during the Olympics in Atlanta, as well as Freedom of Speech, a sculpture exhibition at the Finnish Embassy in Washington D.C. His collaboration with Marimekko has also contributed to several new patterns and products.

Ego杯盘组以一碟一杯为一组，原装进口极具价值感的精美包装盒让人爱不释手，无论送礼或自用收藏都非常适宜，热爱北欧设计餐具的人可千万别错过啰～共有三种尺寸，其中大杯有400cc特大容量，除了装一般咖啡、茶之外，还可以装汤、牛奶麦片等，随自己高兴发挥创意。中杯为Cappuccino杯，为一般熟悉的咖啡杯尺寸，小杯为Espresso杯。

斯蒂芬花了九年的时间才从大学毕业。期间，因为无法抑制对“讲故事”的兴趣，他多次跑去当地的剧院和演员聊天。随后，他决定退学，并去斯德哥尔摩的剧院找了一份做舞台布景的工作。“哥德堡有一个荒废的城堡，我就自己住在里面，我不知道我为什么敢住在那里。我天天开着一辆卡车穿过城市。我那时是22 岁，像个该死的木匠一样天天开着车行驶在一个只有单行道的小镇上。”
 
1985 年，对他来说是重要的一年，那时他在柏林为一部“哈姆雷特”做布景。剧院放假时，他住在一个演员朋友家的阁楼。这时候已是他退学后独自在外的第三年。“那是冬天，我们每天跑五公里，大部分时间都呆在家里。当时我还渴望浴室里有地热。这是我第一次经历这些感觉——我生活在一个安全、有保障的社会，这是我之前从未想到过的。”他在那儿度过了六个月。就是这期间，他找到了灵感，设计了他人生中第一把椅子——像航船上绷紧的帆布，他命名他为“XY”。
 
1988 年，斯蒂芬回到大学上完了最后一年的课程。从17岁到26 岁，退学五年后，他终于毕业了。斯蒂芬虽然主修室内设计和工业设计，但是他几乎学遍了赫尔辛基艺术与设计大学里除电影之外的所有艺术相关的课程。于是，他的毕业设计就是一部电影短片。
 
赫尔辛基艺术与设计大学得以在五年之后重新接纳斯蒂芬，部分原因是因为斯蒂芬的作品即将在当年的意大利米兰设计展出。斯蒂芬是在学校外，而不是在教室里，设计出了他的第一件代表作——Scaragoo 台灯。那时是1988 年，斯蒂芬26 岁。Scaragoo 台灯像极了某种俯身觅食的长腿昆虫，光滑的身体上分节的纹路有清晰可见。德国顶级灯具品牌IngoMaurer 通过图片看到了他的设计，决定生产出来，并把它带到1988 年米兰设计周。自始至终，斯蒂芬的雕塑，室内设计和装置作品都忠于一个主题：昆虫。他用钢条焊接出外壳或框架，然后用人造聚酯树脂将其覆盖。透明的树脂看上去薄如蝉翼，仿佛昆虫的翅膀或干净的腹部，而钢条排列出的形状，让人仿佛是在放大镜下看昆虫翅膀或腹部肌肤的纹理。
“人类的生命是直线形的。某种程度上说，我们是如此渺小和微不足道，同等意义上昆虫则比我们强大。因为它们经历了时代、自然环境的漫长变迁，却还在周而复始地轮回，比我们所能承受的要多的多。 我想表达的是生命除了直线走向终止之外的一种人生的节奏。”这也是斯蒂芬的设计哲学。无论是为芬兰驻美国大使馆设计的屋外装置“言论的自由（The freedom of speech）”，还是为纽约Gershwin 酒店设计所做的内部设计“火与舌（Tougues and flames）”，还有为芬兰顶级时装品牌marimekko 设计的包包和针织品，都无一例外地在昆虫哲学上寻找共鸣。
 
雕塑、室内建筑、家具设计、平面设计、针织品和服装设计，还有音乐、电影短片……斯蒂芬所设计的领域将近一打，但他说只有做导演是他主动争取的。1988 年，设计系的他出人意料地拍摄了一部电影短片MOTH（芬兰传说里的一种昆虫）为毕业作。2003，他受邀为BMG 旗下的乐队HIM导演了 “心之葬礼 （funeral of hearts）”的MV，之后的2007 年由华纳兄弟出品的一系列HIM宣传片“Trips 1-10”同样由斯蒂芬完成。他的视角非常独特，在Trips 1-10 第9 段长47 秒的镜头中，他用近10 秒的慢镜头来特写主唱在话筒前带着鸭舌帽低头点烟的动作，非常迷人。从上世纪八十年代至今，他已经为一些品牌、组织、政府机构、包括自己作品的宣传广告等，导演了近200 部独立的音乐或短片。
“每个艺术家都有自己的创作主题，来和周围的人和环境沟通。个人来讲，我做最大的努力让我的设计保持艺术感、抒情性并充满想象力，我会因此感到高兴。我希望我的作品让观者发现更多东西。”斯蒂芬说。
 
斯蒂芬心里一直缺乏某种归属感。他是说瑞典语的芬兰人，直到高中在美国做交换生时才开始严肃学习芬兰语。他能流利的说瑞典语、芬兰语、英语和不错的法语，却都非好学所致。他的作品中也看不出典型“芬兰”风格，身边也总是有人质疑其芬兰设计师的身份。他旅居美国多年，在芬兰家里午夜梦中惊醒时突然意识到的是，原来洛杉矶让他感觉更舒服。“我可以世界各地旅行，从不会有思乡病，因为我觉得我对任何地方都没有陌生感”他说。也许，海才是他的归属，他对大海的好感显而易见。“海很简单，跳进里面，你就可以游向你想去的任何地方。而在湖里游泳感到的是一种平静，这就是不一样的地方。”有六年的时间，他每周游泳六天。他也很爱蛇和蜥蜴。他的左上臂纹着蜥蜴，蛇更是他从小到大的朋友，他记得小时候他喂它们喝牛奶时它们“啜饮的样子和声音。”他许多作品里的主角都是蛇。那些雕塑上透明的纹路和毛毯上的几何图案是蛇的皮肤在放大镜下的样子。当问及他还有没有尚未实现的“野心”时，他说没有。如果非要说，那就是他渴望蛇，还有女人。

一直以来，斯蒂芬和前妻保持着很好的联系，他定义两人当时的分开是“让事物停止在它最好的样子”。 他和现任妻子的爱情故事也很简单，就是彼此坠入爱河。虽然他不否认自己在十四五岁时就发现自己“博爱”的性取向，但是他更愿意借用德国导演雷尼尔·沃默·法斯宾德（Rainer Verner Fassbinder）的一句话来表明态度，“忘了异性恋、同性恋和双性恋吧，无论决定何种性取向都原本是件自然而然的事”。

林德弗斯工业设计作品欣赏：

曾為Iittala設計出著名Ego咖啡杯的芬蘭設計創意鬼才Stefan Lindfors，最近剛發表了一個與眾不同的「設計水瓶」，不僅完全創新水瓶的概念，瓶身塑膠材質也輕盈並適合環保回收，此外，每賣出一個水瓶，產品公司就會捐出歐元十分給芬蘭的波羅地海行動組織，為拯救污染嚴重的波羅地海，盡一份心。

創新的PLUP「水瓶」。

官方网站：http://www.plup.com

這「水瓶」的名字，叫做「PLUP」。根據Stefan Lindfors本人的說法，因為「plup聽起來，就像將石頭丟到水中時，會聽到的聲音。」

Stefan Lindfors本人，在記者會現場示範PLUP的使用方式。Source: 赫爾辛基日報, http://www.hs.fi (photographer: Laura Oja)

創新設計思考，讓自然環境更美好

我剛在報上看到新聞時，僅管內容都看得懂，卻仍然盯著照片狐疑了半天：這是「水瓶」嗎？是以後我進了超市就可以買回家的「水瓶」嗎？明明就像個遇上了海星的救生圈啊！過了幾秒才又因覺察到自己思考上的窒礙而恍然：誰說「水瓶」一定要像「水瓶」，誰說裝水的東西一定是我習以為常的「瓶」或「罐」或「杯」呢？如何創新形式材質與功能，讓自然環境更能永續，也許正是新一代的工業設計，應當思考的課題。

而日常生活中，又有多少小物品，我們對它們的存在與功能形式，太視之為理所當然，以至於失去了敏感的想像能力呢？一旦有機會跳出框架，也許就會從中看見新的詮釋，甚至學著運用設計的思維，讓每一日的生活，有更多新的可能。

讓芬蘭設計的環保理念，走向世界

專為這產品而成立的Plup公司亦表示，若是將來水瓶出口到芬蘭以外的其它地區與國家，PLUP將會捐出部分利潤給當地的環保行動，並依照不同國家的環境問題需求，來尋找捐款的目標。僅管水瓶在芬蘭都還未上市，光是看到這「用日常設計，讓世界更美好」的理念，就讓我忍不住想把它推廣到更多國度，因為這設計背後的理想，與設計本身同樣吸引人。我已經開始想了：如果有一天，Plup水瓶也來到台灣，不知道哪一個面向的環境問題，哪一個環保行動，會最引起人們關注呢？

話再說回來，雖說瓶身可以環保回收，Plup鼓勵人們不用回收，繼續使用，為它注滿更多的水，或是創造出更多的新用途。

比方，它可以搖身變成皮帶上的酷飾品：

變成小朋友們的玩具：

變成一只別緻的花瓶：

同樣一件物品，應用的範圍，唯一的上限，是你的想像力邊界。

而它創新的形式與功能，也讓我重新聯想到芬蘭設計裡那份關心自然、珍惜資源、一物多用的理想精神。

說真的，這麼可愛的設計水瓶，等我買回來喝完後，不但不會想回收，還會想要多買幾個，為海洋盡一份小心力，也運用它發揮個人創意。

寫到這裡，我想起自己兩年前在採訪運用舊布料製作新衣服與新用品的芬蘭設計品牌Globe Hope設計師Anna Huoviala時，她就曾告訴我：僅管環保設計品本身蘊含理想，然而許多顧客購買的動機，仍是產品本身「別緻」、「好看」、「好用」，正因為要讓每個人都因環保理念而買用品，太理想化，於是設計品如何運用本身的美感與功能性說話，就同樣重要，無論擁有者在當下是否意會到背後的環保理念，設計品的存在本身，或許會在未來的某一天，讓小小的思維改變成為可能。

“照明作品”是Stefan Lindfors的最新项目，一组引人入胜的启发性三维作品，作品超越了艺术与设计、照明与雕塑的界限。这位多才多艺的家具设计师、艺术家、建筑师及电影制作人，其工作涉及项目包括艾烈希（Alessi）、Iittala、玛丽麦高（Marimekko）、诺基亚、维特拉（Vitra），职业开始之初就涉及照明方面（发起于1988年，当时Ingo Maurer制作了Lindfors‘s Scaragoo照明灯）。然而，“照明作品”是Lindfor的第一个结合照明源于一体的雕塑作品。由焊钢和纤维玻璃组合成的半透明的雕塑内部，Lindfors安装了一系列的LED构成内部机体器官链。

该作品集的灵感是来自一位49岁的设计师，2009年的时候一位著名的摄影师Nan Goldin购买了Lindfors的雕塑，想在上面安装LED。Lindfors受到这一建议的启发，最终形成了“照明作品”这一项目。他使用灯光照明让每个雕塑表现其自己的特性。所有的这九个各具特色的作品于7月8日在位于麦迪逊大街60号的Material ConneXion的纽约总部展出。

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

美国波普艺术家杰夫昆斯Jeff Koons：

出生地：美国宾夕法尼亚州约克郡
出生时间：1955年1月21日
官方网站：http://www.jeffkoons.com/

Jeff Koons出生和长大于美国东岸，先后就读于芝加哥艺术学院和马里兰艺术学院，并且于1976年在后者取得艺术系学位。他现在主要在宾州和纽约两地工作。Jeff Koons不单是一名杰出的艺术家，他还不断地通过在各大博物馆和艺术教育机构授课的方式，继续为艺术界培养新鲜血液。在成为广为人知的美国艺术家之前，Jeff Koons还曾在纽约华尔街担任过商品经济人。

Jeff Koons的早期代表性作品包括于1985年创作的概念性雕塑“Three Ball 50/50 Tank”，慢慢被大家所了解的Jeff 随后在纽约SoHo地区设立了自己的工作室。Jeff Koons也是极少数雇佣艺术形象顾问，塑造自己公众形象的艺术家之一。Jeff的设计品横跨全球，甚至得到汽车巨头BMW的赏识，受邀参加他们的联名Art Car Projects项目。同时他的作品也以破纪录的炒价闻名，2007年Jeff一个名为“Hanging Heart”的作品以$2300万美金在纽约成交，成为目前还在世的艺术家的创作中最高价艺术品。

Jeff Koons目前在全世界各地进行展览，其中标志性的一件作品就是植物型雕塑品“Puppy”，在Rockefeller中心展览后现在被永久性陈列在西班牙的Guggenheim Museum Bilbao。

Jeffrey “Jeff” Koons (born January 21, 1955) is an American artist known for his reproductions of banal objects—such as balloon animals produced in stainless steel with mirror finish surfaces.

Koons’ work has sold for substantial sums of money including at least one world record auction price for a work by a living artist. The largest sum known to be paid for a work by Koons is Balloon flower (Magenta) which was sold at Christie’s London, on Monday, June 30, 2008 (Lot 00012) in the Post-War & Contemporary Art Evening Sale, where it sold for £12,921,250 or $25,765,204.

Critics are sharply divided in their views of Koons. Some view his work as pioneering and of major art-historical importance. Others dismiss his work as kitsch: crass and based on cynical self-merchandising. Koons has stated that there are no hidden meanings in his works, nor any critiques.

在今日美国艺术界，杰夫·昆斯是一位耀眼的明星，这不仅因为他那风流潇洒的艺术气质，更因为他那各种摒弃禁忌，与流行时尚密切相关的艺术形象。因此，他的每一个新的艺术创作都会引起人们关注的目光。

2002年7月19日，古根海姆柏林馆以主题《杰夫·昆斯：乐逍遥（Easyfun-Ethereal）》隆重推出了艺术家作品展。相信在历时六周的展期内，这位神奇而有争议的艺术家定会给人们带来新的视觉体验。展览将于9月3日闭幕。

杰夫·昆斯是八十年代中期升起的艺术之星，他以准确精致的日用品的复制品、可爱的卡通形象以及充满想象力的大众图象组合不断地给世人带来一个又一个新的视觉冲击，他是当代波普艺术的探索者。 杰夫·昆斯的作品一直是被批评争论的主题，由此带给人们的问题是——到底什么是艺术的根源和创意。杰夫·昆斯一直声辩他的作品并不想包含什么讽刺和愤世嫉俗的东西，他只想吸引更多的观众。

杰夫·昆斯1955年生于美国，1976年毕业于马里兰艺术学院。大学毕业后，昆斯并没有立即从事与艺术相关的工作，而是在华尔街做了一名成功的证券经纪人。

八十年代初，作为Neo-Geo的激进的倡导者，昆斯首次进入人们的视线，引起艺术界的关注。Neo-Geo所提倡的挪用与滑稽的模仿是这个时期昆斯艺术创作的核心。应该说美国六十年代蓬勃发展的波普艺术对昆斯产生了致关重要的影响，昆斯以满足、好奇甚至是玩乐的态度表现了光怪陆离的现代商品社会。昆斯借鉴了杜象的挪用与拿来主义，让精美的现代商品丝毫不损地转入艺术状态，他的放在有机玻璃罩中的吸尘器、悬浮的篮球，在看不懂中给人们带来不尽的遐想，至今让人记忆犹新。各种各样的商品、广告、卡通玩具不仅表现了多姿多彩的现代商品社会，也表现了现代人似孩童般无休止的消费欲望。

昆斯成长于商品社会高速发展的美国，并有着虽然短暂却一生难忘的从商经历，因此，虽然同以大众商品为表现对象，与第一代波普艺术家的含蓄地批判精神不同的是，昆斯的作品充满了满足与自我陶醉。他有意打破了人们习惯了的美的标准，将最庸俗的大众图象以十分精致的手法表现出来，特别是他与夫人亲昵的系列作品，因以色情、暴露之嫌自然地引起不小的争议。 杰夫·昆斯毫不犹豫地汲取了艺术史上的一切养分，达达主义、杜尚手法、极少主义以及早期波普艺术都成为他参考与借鉴的源泉。他高举与大众交流的大旗，勇于向“高雅”文化叫板，向传统美学的等级理念挑战。

古根海姆是世界著名的现当代艺术博物馆组合，它现在纽约、柏林、威尼斯、毕尔巴鄂和拉斯维加斯等地设有四家博物馆，极可称是当代博物馆中的航空母舰。推举当代艺术新人历来是他们办馆宗旨之一，著名的美籍华人艺术家蔡国强就曾得到他们的青睐。举办杰夫·昆斯作品展是古根海姆柏林馆今年推出的一项重要展事，此间，昆斯将展出柏林馆的委托创作——七幅大型系列油画。《唇》是其中之一。美味的汉堡包、跳动的玉米粒、让男人心动的红嘴唇、飘逸的黄色长发、睫毛浓密的媚眼，它们拥挤在一个平面上，似乎就要争先恐后地向我们涌来，现代人又有谁能抵挡住如此的诱惑呢？背景美丽的自然风光与前景中繁杂的躁动形成了鲜明而强烈的对比。

在近年的创作中，昆斯经常利用扫描仪将广告、媒体甚至个人照片中的图象输入电脑，将一些并不相关的图象经拼贴组合在一起，形成新的图象，并在此基础上实现他的油画创作。

自出名以来，昆斯一直没有逃脱人们关注的目光。他还能走多远？还能带给我们多少惊奇？人们会拭目以待。

JeffKoons是一个传奇，他的作品艳俗至极，却又是在世艺术家中价格最昂贵的，甚至用不着加“之一”。他的作品被各大著名的美术馆和艺术机构所收藏，但他甚至不认为自己是一名艺术家。最近在伦敦的一场盛大拍卖会上，JeffKoons的一幅重要作品《冬季的熊》又以高价被拍出，就连小朋友也能看懂的艺术品，为什么会值百万、千万美元呢？也许，这就是波普的魅力。

JeffKoons，1955年生于美国，1976年毕业于马里兰艺术学院。他总是被人与AndyWarhol相提并论，很多人认为，Koons在很大程度上继承了Warhol商业艺术家的身份，将波普艺术推向极致。然而，Koons却表示：“我不是商业艺术家，我想AndyWarhol也不是。”

大学毕业后，Koons并没有立即从事与艺术相关的工作，而是在华尔街做了一名成功的证券经纪人。上世纪80年代初，作为Neo-Geo的激进的倡导者，昆斯首次进入人们的视线，引起艺术界的关注。Neo-Geo所提倡的挪用与滑稽的模仿是这个时期昆斯艺术创作的核心。应该说美国60年代蓬勃发展的波普艺术对Koons产生了致关重要的影响，他以满足、好奇甚至是玩乐的态度表现了光怪陆离的现代商品社会。

上世纪80年代初，Koons借鉴了杜象的挪用与拿来主义，让精美的现代商品丝毫不损地转入艺术状态，他放在有机玻璃罩中的吸尘器、悬浮的篮球，在看不懂中给人们带来不尽的遐想，至今让人记忆犹新。各种各样的商品、广告、卡通玩具不仅表现了多姿多彩的现代商品社会，也表现了现代人似孩童般无休止的消费欲望。Koons成长于商品社会高速发展的美国，并有着虽然短暂却一生难忘的从商经历，因此，虽然同以大众商品为表现对象，与第一代波普艺术家的含蓄地批判精神不同，Koons的作品充满了满足与自我陶醉。他有意打破了人们习惯的美的标准，将最庸俗的大众图象以十分精致的手法表现出来，特别是他与夫人亲昵的系列作品，因有色情、暴露之嫌引起不小的争议。

一般的艺术家都有一个标志性的符号，但是Jeff却没有。30年来，他创作的作品多达20多个系列，数量上万，他几乎每年都在不停地推翻自我，重新进入新的语境和创作形态。其中最引人注目也最具有争议的作品有以下系列：1985年的“平衡”系列；1986年的“雕塑”系列；1988年的“平庸”系列（该系列作品最早受到收藏家追捧，并创下100万美元以上的拍卖价格）；1991年的“天堂制造”系列（该系列作品因其前卫开放，直接的情色表达，引起巨大争议。）；1992年的“小狗”系列（该组作品由钢结构和鲜花构成，体型巨大，最终成为西班牙毕尔博古根海姆博物馆永久收藏品。）；1994年至2006年的“庆典”系列（该系列作品包括“气球狗”和“悬挂的心”等作品，这一系列创下拍卖高价纪录的作品最多）；2002年至2009年的“大力水手”系列等。

身价最昂贵的在世艺术家

杰夫·昆斯在市场上的杰出表现，不仅和艺术家本人的创作密切相关，还与其成功的商业操作密不可分，他的成功可谓占据了天时地利各方面的综合条件。通过本文的梳理，我们看到，最昂贵的当代艺术家就是这样炼成的。

　　极度富有创造性和叛逆性

纵观杰夫·昆斯自20世纪80年代以来的创作历程，其系列之丰富，作品之庞杂令人惊叹。许多中国当代艺术家都能用一个词语就能概括出其标志性符号——岳敏君的“笑脸”、张晓刚的“大家庭”、王广义的“大批判”、方力钧的“光头”……要想以这样简单的词语总结杰夫·昆斯光怪陆离的创作是不可能的。  

30年来，杰夫·昆斯创作的作品多达20多个系列，数量上万，他几乎每年都在不停地推翻自我，重新进入新的语境和创作形态。其中最引人注目也最具有争议的作品有以下系列：1985年的“平衡”系列；1986年的“雕塑”系列；1988年的“平庸”系列(该系列作品最早受到收藏家追捧，并创下100万美元以上的拍卖价格)；1991年的“天堂制造”系列(该系列作品因其前卫开放，直接的情色表达，引起巨大争议。)；1992年的“小狗”系列(该组作品由钢结构和鲜花构成，体型巨大，最终成为西班牙毕尔博古根海姆博物馆永久收藏品。)；1994年至2006年的“庆典”系列(该系列作品包括“气球狗”和“悬挂的心”等作品，这一系列创下拍卖高价纪录的作品最多。)和2002年至2009年的“大力水手”系列。

总而言之，杰夫·昆斯如孩童一样，不知疲倦，保持旺盛的创作状态，永恒的创造力使他的作品总是充满惊喜和争议。于笔者看来，用无穷的创造力表达当下的社会处境是当代艺术发展的生命力所在，也是当代艺术家具备价值的根本条件。　

　　极度完美 高度美学

如果认为杰夫·昆斯充满大众商业符号的形象和广告招贴画一样平庸而粗糙，那就大错特错了。昂贵的艺术品从来都是观念的最大呈现与技术的完美表达相结合的产物。杰夫·昆斯追求极度完美。

杰夫·昆斯代表的是承载他艺术观念的专业制作团队，他的工作室团队人数最多时达到70多人。由于在创作过程中不断尝试新材料、新媒介，因而在技术上常常遇到极大的挑战而耗费巨大。在1992年的“小狗”系列完成之后，杰夫的观念雕塑几乎都体型巨大，高达3米，且多用沉重的不锈钢材料呈现五彩斑斓的效果。一件巨形雕塑必须看起来像充气玩具或透明气球，达到这种效果并不容易，要符合杰夫·昆斯的没有瑕疵、绝对华贵的质感要求就更难了。他常和顶级的物理学家、化学家们合作以求最完美的效果。

极端的苛求完美和技术挑战使杰夫·昆斯的作品成本数额巨大，其追求完美的作风一度是他艺术项目赞助人和投资人的恶梦。1994年，杰夫成功地说服包括伦敦画商Deitch和Anthony d’Offay在内的几位投资人投资几百万美元，用于他“庆典”系列的创作。该系列作品历时5年多时间，仍无法达到他想要的理想效果，迟迟无法完成，前期投入的巨资几乎打了水漂，原定于1996年古根海姆美术馆的展览计划在多次推迟后也最终取消。杰夫·昆斯的工作室也一度因缺乏资金而关闭。幸而，杰夫·昆斯的天才谈判能力和商业头脑使他再次成功地说服更多的收藏家投入巨资预定他尚未完成的作品，才使得该系列最终完成并成为日后价格最昂贵的作品系列。

正是因为这种极端的苛求完美使杰夫·昆斯的作品最终呈现简单而震撼，华丽耀眼而毫无瑕疵的效果。“我是一个完美主义者，我只能接受最好的品质。” 杰夫·昆斯如是说。

其次，与许多同时期的当代艺术家不同的是，尽管观念前卫，杰夫·昆斯的作品里却少有反叛的视觉暴力，令人不悦的感官刺激，更多的是单纯直接的夸张表达：五彩斑斓的不锈钢气球狗、郁金香、悬挂的心……都那么显而易见地令人愉悦，简单极致的美感，极度的纯粹，不需要任何解释，直接产生震撼人心的力量。即便是极具争议的情色感的“天堂制造”系列雕塑也呈现出剔透细腻唯美的情绪。“我确实希望艺术是一种聚集，连接世界所有学科的知识。艺术能做到这一点是因为它如此开放，如此容易阐释事物……它连接哲学、心理学、美学、物理和其他任何一门学科的理论。”

极度的完美主义和高度的美学标准是杰夫·昆斯作品高价神话的重要基础。完美到夸张的作品品质是始终吸引最顶尖、最具实力藏家的保证。长期以来，实力雄厚的收藏家，包括伦敦收藏家萨奇(Charles Saatchi)、佳士得拍卖行老板皮诺(Francois Pinault)、洛杉矶的房地产商艾立(Eli Broad)、希腊建商巨子乔诺(Dakis Joannou)都是杰夫·昆斯忠实的拥趸者。

　　极度商业化思维  超级营销家

一方面，杰夫·昆斯对于艺术创作本身抱着严肃而纯粹的态度；另一方面，他将艺术品看作商品进行营销。他曾经表示，“我对引导销售这件事非常感兴趣。”“未来的伟大艺术家一定也是伟大的谈判家。”显然，曾是纽约成功的证券经纪人的杰夫·昆斯具备了精明的商业头脑和强悍的谈判技巧，使他在国际当代艺术市场上游刃有余，搭建起强大的平台，成就了他在艺术和市场上的双重野心。

从经验老道的艺术经纪人和画商、收藏家到众多知名的策展人、博物馆和美术馆的馆长，杰夫·昆斯似乎具有强大的磁场，身边总是紧密地聚集着当代艺术领域的强势人物。从他的长期合作伙伴、纽约艺术品商人伊利安娜·索拿本德(Ileana Sonnabend)，到高古轩画廊的拉里·高古轩(Larry Gagosian)；从曼哈顿著名美术画廊C&M主席罗伯特·慕钦(Robert Mnuchin)，到艺术商威廉·阿奎维拉 (William Aquavella)。杰夫·昆斯作品的收藏家组成也相当抢眼，包括伦敦收藏家萨奇、佳士得拍卖行老板皮诺、洛杉矶的房地产商艾立、希腊建商巨子乔诺，乌克兰钢铁巨头维克多(Victor Pinchuk)，等等。成熟画商的专业经营和超级富豪的捧场使杰夫·昆斯的作品成为顶级的当代艺术收藏品。

在媒体宣传方面，杰夫·昆斯也极具天赋。蓬皮杜艺术中心主席艾兰·赛本(Alein Seban)曾这样评价：“昆斯非常聪明，在公关沟通中，他和安迪·沃霍尔一样杰出。”昆斯会配合拍卖公司的媒体宣传，当大部分艺术家对拍卖推广持怀疑态度的时候，昆斯却非常乐意拥抱这个过程。　

　　高度学术化路线  牢牢占据艺术史地位

尽管从拍卖价格来看，杰夫·昆斯的市场崛起于1999年(见上期附表)。然而，在此前的10多年中，昆斯在成熟专业的经纪人的推动下，稳扎稳打地走出高度学术化的路线，早在拍卖时代到来之前，他就牢牢地占据了当代艺术史上的不争地位，作品几乎被所有国际知名的现代美术馆和艺术机构收藏，积累丰厚的学术根基也是使杰夫·昆斯在21世纪当代艺术市场快速发展的阶段冲劲最足。

早在20世纪80年代，杰夫·昆斯就参加了“惠特尼双年展”，也是在这一时期，其作品最早被旧金山现代艺术博物馆收藏；此后，杰夫·昆斯参与了一系列重要展出，展览地点包括英国伦敦皇家艺术学院、古根海姆博物馆、美国大都会博物馆、英国泰特美术馆和蛇形画廊，都是当代艺术的顶级话语机构。 2009年，“杰夫·昆斯个展”在古色古香的凡尔赛宫展出，极具现代感的作品与古老的皇宫相互映衬，为观众平添一种异样的感觉，展览深得好评，被评为2009年最受欢迎的展览之一。与此同时，杰夫·昆斯的作品不断被美国、英国等多家现当代美术馆和美术机构收藏。通过从未间断的展览活动和日益繁多的机构收藏，杰夫·昆斯在美术史上牢牢地树立了不可替代的地位。

在一些展览中，杰夫·昆斯总是与安迪·沃霍尔相提并论，很多人认为，杰夫·昆斯在很大程度上继承了安迪·沃霍尔商业艺术家的身份，将波普艺术推向极致。然而，昆斯却表示：“我不是商业艺术家，我想安迪·沃霍尔也不是。”

杰夫昆斯作品欣赏：

Hanging Heart

Jeff Koons Baccarat Crystal Set, 12 ½” by 16” by 16”, stainless steel, 1986

JeffKoons，《冬天的熊》。Koons创作了一对孩童大小的木制雕像，这件艺术品来自著名的平凡（Banality）系列，此系列作品更促使Koons于1980年代后期蜚声国际。

这对雕像如孩童般大小，高度逾120厘米，两只小熊都有对大大的眼睛，身穿情侣装，并有着卡通化的面孔。

杰夫·昆斯《大力水手》

杰夫·昆斯自2002年就已经开始大力水手作品的创作，此次展览上，大力水手(Popeye)和奥丽微(OLIVE OYL)是参展作品的核心人物，这写作品大部分来自于公共和私人收藏。在谈及他为何偏爱充气雕塑时，杰夫·昆斯说“我们就是生活在膨胀的空气里。我们每天都在呼气，或许这是一种最简单的死亡方式。”谈到大力水手作品的创作时，他又称“这些作品给人一种乐观积极的感觉。”“或许，我们的艺术就是菠菜(给人以无穷尽的力量)”。

1988的“粉红豹”聚集了杰夫·昆斯作品中的很多主题，成为艺术家事业中杰出成就之一。这一瓷器雕塑是三个版本之一，其他的典范分别在纽约现代艺术博物馆、芝加哥当代艺术博物馆和著名美国私人收藏中，并且这一作品属于Banality系列作品。“粉红豹”将出现在纽约春季当代艺术晚间拍卖会目录的封面和封皮上，估价为2000/3000万美元。

这辆M3 GT2是是宝马的第17辆艺术赛车，由美国艺术家杰弗昆斯（Jeff Koons）创造，赛车今年6月1日在巴黎蓬皮杜艺术中心揭幕，参加了2010年6月12日至13日举行的法国勒芒24小时大赛。赛车采用彩色主题，非常具有视觉冲击力，速度感十足。

杰弗昆斯宝马设计过程

在艺术车创作的过程中，艺术家挑选了与赛车、同类图形、绚丽的色彩、速度和爆发力相关的图案。昆斯作品中鲜明的色彩如同火山爆发的力量，运动和爆破能量。车内银色的内饰与强有力的外观设计相结合，即使在静止状态，艺术车也给人动感十足的感觉。“这些赛车就像充满着力量和朝气的生命，”昆斯说，“你可以和它融为一体，借助它的活力实现自我超越。这款车能量充沛，我的想法随着它的能量不断超越。”

昆斯与BMW

这次昆斯与宝马的合作想法萌生于2003年，当时昆斯就表达了创作BMW艺术车的渴望。他和宝马的渊源始于20多年前，那时他居住在宝马总部所在地慕尼黑，并拥有一辆BMW汽车。昆斯以他对汽车的钟爱和鉴赏力而闻名于世。今年早些时候，他甚至被音乐巨擘——著名的U2乐队推选为当代最应该去设计汽车的艺术家，他们认为昆斯可以让世界重新爱上汽车。昆斯的艺术车创作过程体现了精湛的技术，其中有从交通设计和进步中借鉴的经验，这些都会经常在他的艺术作品中得以体现。例如：在昆斯的重要雕塑作品中，他的工作室运用三维CAD模型估算表面，运用从摩托车改装店找到的方法将它们组装在一起，然后利用汽车工业成熟的涂装技术进行喷漆。

天堂制造 Made in Heaven

杰夫昆斯的情色艺术世界—- 从对于当今艺术界而言，杰夫·昆斯无疑仍是一颗极红的明星，在其《天堂制造》系列中，一幅幅画家本人与妻子彩色摄影的做爱写真被放大到骇人的尺寸，其哗众取宠的神来之笔摒弃所有禁忌。画作传入我国后，杰夫·昆斯被某些前卫艺术家奉为艳俗主义大师。显然，这对他是明显的误读。本文就杰夫·昆斯的生平、其创作历程以及关于艺术的基本观点、艺术与商业、艺术家与赞助商关系的简述，力图还原一个真实的杰夫·昆斯。

杰夫·昆斯的生平与创作历程

杰夫·昆斯1955年生于宾夕法尼亚州约克郡，7岁开始学习艺术课程；昆斯9岁时，父亲将其临摹的华多的作品挂在自己的家具店里展售。1976年，昆斯毕业于马里兰艺术学院，其间曾于芝加哥艺术学院学习1年。 1977年，昆斯来到纽约并在当代艺术馆找到一份销售会员资格的工作。他在自传中称：“我是这个博物馆有史以来最成功的销售员。”昆斯最早的支持者是经销商玛丽·布恩。1979年布恩见到昆斯，并购买了他的奔驰车作为施纳贝尔的生日礼物。布恩回忆昆斯的工作室，反光的条状物覆盖的墙面粘着充气玩具，“那种经历是无法抗拒的。”布恩说：“25年后，在我的记忆中依然鲜活。” 1980年，昆斯在玻璃箱里安装一个真空吸尘器并固定在新博物馆的橱窗里，起名《新的》。因迷恋于昆斯的作品，唐纳德访问了昆斯。“我们认为这太好了，”唐纳德对昆斯在自己的起居室里展出的已经完工的电器说：“我们买了一个吸尘器，我们想得到他的一个大电冰箱，但没能想出把它弄出去的方法，它是行走的。” 由于缺乏销售而带来的懊恼，昆斯1982年夏天搬到佛罗里达和父母一起居住。在那里，昆斯攒足了钱在秋天又搬回纽约。接下来的几年，他在一家证券公司做经纪人并把收入用于艺术创作。昆斯的开创性展览《平衡》于1985年在纪念国际画廊展出，包括水族箱中漂浮的篮球，青铜做的救生设备和重新创造的以黑人明星为特色的“耐克”广告。《平衡》展引发了昆斯一系列旋风般的展览，从1985至1991年，他在美国和海外的画廊展出了5个截然不同的但有所交叠的系列作品。 1986年，在威恩伯格的画廊和纪念国际画廊展出了《奢华与落魄》系列——用不锈钢做的盛酒的装备，像流动的酒吧和刻有花纹的晶体酒瓶。同一年，昆斯与其他3位纪念国际画廊的艺术家在获得一致好评的索拿本德画廊联展。昆斯展出其《雕塑》系列，包括不锈钢的个性化的流行文化演奏家鲍勃·霍普，历史人物路易十四和他的新偶像兔，一个41英尺高的不锈钢的充气兔子。 《陈腐》展的系列作品是纪念商品和色情刊物想要的，昆斯雇用意大利和德国的手工艺人制成陶器、瓷器和木制品，1988年昆斯在一个展览上展示了这些作品。在1989年，昆斯遇见了伊洛娜·施塔勒，这位意大利的色情明星两年后成为昆斯的妻子并启发他的《天堂制造》——由一系列刻画两个人欢娱的油画和雕塑组成。1990年，他们先于威尼斯预展，1991年在索拿本德画廊正式展出。昆斯还创作了一只43英寸高44吨重的灌木修剪的小狗，这只小狗首次亮相在第9届德国卡塞尔文献展的一个18世纪的古堡外，5年后在纽约洛克菲勒中心的展出，同样获得广泛赞誉。 1993年，伊洛娜·施塔勒离他而去并带走了他们的儿子，从此引发了一场长久的监护权争夺战。昆斯为了与已经疏远的儿子交流，开始创作他的《庆典》系列。为重新得到儿子的监护权，昆斯花费近400万美金，不惜代价并销毁了《天堂制造》系列的所有作品。 5年后的1997年，昆斯重新在艺术界亮相。他在巴黎做了一个小型回顾展，接着开始其《乐逍遥》系列的制作——由卡通形象和超现实主义构想的照相写实主义油画组成，如一个手拿可口的三明治和螺旋形热巧克力的圣人，在1999年索拿本德的展览上，其售价在10～20万美金之间。同年，他的两件主要作品也出现在拍卖会上。 2001年，葛高森在其洛杉矶画廊展出昆斯的新的《乐逍遥》绘画，包括部分嘴唇、比基尼泳装、人体、西红柿、土豆泥拼贴的画面。两年后，索拿本德展出其《伯伯亚》，一系列卡通形象的绘画和看起来充气十足的雕塑，如与现成物并置的毛毛虫。一个推迟了很久的关于《庆典》的雕塑展，至少是18个月后的事了。葛高森计划下一年在伦敦他的画廊展出昆斯新的绘画和雕塑，即其《伯伯亚》系列作品的继续。 过去20年对昆斯的批评，说他降低了艺术的价值而让消费者迷恋；但其支持者却认为，昆斯是他们生活的年代中最重要的艺术家之一。 昆斯对艺术的看法 昆斯，这位升起于上世纪80年代中期的艺术之星，在争议中给人们带来新的视觉体验。作为艺术家，他是真诚的，他的作品是真诚的，他追求完美，尽管有时显得过分。布朗德说：“杰夫·昆斯从不让一件作品轻易离开，直到他认为完美。”由于昆斯作品尺寸巨大和订件之多，他根本无法按时一个人完成。其工作室日常至少要有30多个助手，仅以调色来说，核审颜色的人是位哥伦比亚人，他眼神专注，色感极强，再细微的差异也能“锁住”不放，每种颜色不经过七八次地调整，很难在他那里通过。有一个昆斯关注细节的极端例子，他花钱为两年前已出售给布朗德并在不同的主要博物馆展出的充气狗，重画不同的蓝色阴影。 昆斯成长于商品社会高速发展的美国，60年代蓬勃的波普艺术对他影响深刻。在其80年代早期的作品中，昆斯便借用杜尚的挪用和拿来主义，如玻璃罩中的吸尘器、水族箱中漂浮的篮球，把人们日常生活的物件丝毫无损地变成艺术品，表现光怪陆离的现代商品社会。在此类作品中，昆斯改变了商品本来的存在形式，一种实际不存在的状态，从而将人们置身于一种对话之中；通过艺术，使人们进入另一社会阶层。昆斯高举与大众交流的大旗，敢于向当时流行的新表现主义叫板，其怪异的作品在使观众好奇的同时，也迎合了中产阶级的趣味及其日常平庸的审美格调。1985年，昆斯举办的《平衡》系列作品展引起巨大轰动，昆斯也因此而出名。纵观昆斯的一系列作品展，可以说，他是一个善于制造事件者。惊世骇俗，似乎成为当代艺术的代名词，《奢华与落魄》、《陈腐》、《天堂制造》、《庆典》、《乐逍遥》等达到了高潮。每一系列的作品，代表了昆斯不同时期的思考和不同的境遇，没有与伊洛娜·施塔勒的认识与结合，就不会有《天堂制造》的创作；没有昆斯和伊洛娜·施塔勒德的离婚及其带走儿子，为唤回儿子和对童年的追忆，便不会有《庆典》的出现。 在《天堂制造》中，昆斯打破禁忌，挑战人类的道德底线，把自己与妻子亲昵的形象搬到展厅，其中的色情和暴露引发巨大争议。在此，昆斯对观众进行不同程度地撩拔和愚弄，夹杂着欲望的满足和不屑。昆斯在对安东尼的访谈中说：“到现在，我认为人们还是没有看懂展览，它并非关于性和色情。我试图做的是，以我为例，深入虚伪的底蕴再浮上来——不作任何道德评判地重新露面。艺术界利用品位将人划分隔离；我努力创作的却是一件人人可以欣赏的作品。”它以朴拙之物体现美，使人们欣然地接受自己的过去。“我以伊洛娜的过去为例，至于我的过去，我则试图使之复杂……伊洛娜具体精确地成为我欲之所求。我想激起观众的欲望，并非使其求我欲之所求。我只想创造一种客观的情势，让他们感到自己的欲望，感到生活中无论何事都能求得。伊洛娜是我欲望的一例，它不是：好啊——这就是你欲之所求，绝对不是。这是我主观的欲望，但仍是一种客观的艺术语言。我只试图触及欲望。要是他们想开片农场种蘑菇，他们尽可以求得。” 伊洛娜的出现及其身份的特殊性，昆斯让人们欣然接受自己的历史，接受受之驱使并与之呼应的观念，并非要艺术地割裂人们与过去的联系。昆斯把一种客观展示在人们眼前，把中产阶级的生活和对欲望的追求与满足指给观众展示。在另一层面上，昆斯对中产阶级时代的公共空间和私人空间进行了探讨，把人们生活中的私密摆在作为艺术品展示的公共空间，暗示新闻媒介对人们生活的介入，使私人空间变得狭小。暴露在众目睽睽下的昆斯与伊洛娜的愉悦和陶醉，正体现了当下中产阶级的观念。而昆斯对现实生活的这种表达方式，正是杜尚“人生中没有什么是重要的”观点的延续。 《庆典》系列把人们带回儿童世界，玩具和宠物的大型肖像，其中有一只彩色小猪、一只塑胶小猫和一个不锈钢大象。这是一个快乐的、开放的、充满真诚的世界。为了和伊洛娜争夺儿子的监护权，昆斯在此展示自己对童年美好生活的回忆、幻想，一颗天真、童稚的心，自己对儿子无私的爱，离婚、失意、年龄、父爱交织一起。在这些作品中，昆斯也采用了把表现对象放大数倍的语言，让人们在作品前同时感到害怕与兴奋，伴随强烈又微妙的生理变化，让人们再次体会儿童的情感。 在《乐逍遥》系列中，昆斯又回到对消费社会中产阶级欲望的关注。画面满布人们日常生活熟悉的断面：殷红性感的嘴唇、比基尼内衣、部分的躯体、狭长的眼睛、土豆泥、西红柿、汉堡、水果、奶油曲奇、娇嫩滴翠的花朵……这个充满诱惑的世界，到处是无尽的欲望和追求满足的贪欲。关于性的隐喻，早在克利的作品中出现，他在1920年的《弓箭》中，用一只弓箭象征男性生殖器。1923年，克利的《陌生花园》中《图片的转变》扩大到色情象征的领域……一些当代艺术家如威廉姆斯、布朗，也把这些图像引入其抽象绘画中。 昆斯的作品中还有一系列小狗的形象，尤其是第九届卡塞尔文件展上的小狗Puppy获得一致好评，这只高43英尺、40吨重的灌木修剪的犬状物，均由活生生的花卉组成。也许，昆斯带有天主教的情节，他的“小狗”是一个能向人们传达温暖爱意的形象，一件崇高圣洁的作品。他想借此表达人类现状及与上帝的关系。 昆斯对金钱的利用 当典型的艺术家把艺术和金钱分开时，昆斯的作品却依靠市场的力量向前迈进。曼哈顿著名画廊C＆M的主席、艺术史家罗伯特·慕钦说：“昆斯意识到，在资本主义文化中，艺术作品不可避免地降到商品的程度；他说‘让我们在前进中少绕圈圈，让我们从商品开始吧。’”昆斯偶尔与拍卖行合作，为卖出作品拍些宣传照片，接受推销采访：“一些艺术家非常怀疑拍卖的过程，但昆斯却拥抱了它。” 昆斯生活在一个拜金主义的美元社会，由于其作品规模巨大，他对作品的完美主义追求，一个庞大的工作室的正常运作，使他与商业合作成为必然的选择——“如果，所有的雕塑和油画都得我亲自动手的话，一年我大概也只能完成一件作品甚至更少。”所以，在昆斯的周围聚集了一群帮助他的“贵人”，像索拿本德、迪奇、葛高森、慕钦、布兰特，还有希腊建筑业巨头乔诺、洛杉矶地产商艾利·布洛德、著名的克利斯蒂拍卖行老板皮诺尔特等。昆斯说：“我一直只想做个艺术家，我对市场的兴趣不过出于政治原因罢了——以此获得一个论坛与人们交流沟通。”在昆斯看来，市场的价格只是自己的展览是否成功的标准罢了。

杰夫-昆斯和妻子Cicciolina

意大利前著名色情女星伊洛娜·施塔勒

Jeff Koons, Hand on Breast, Courtesy of Luxembourg and Dayan Gallery

1991年,昆斯以他和施塔勒的性爱情景为题材创作了名为“天堂制造”的系列作品,该作品充斥着大量情色裸露的性器官和矫揉造作的性爱场面。在艺术界引起了极大的争议。昆斯和施塔勒于1993年离婚。

艺术大师杰夫-昆斯“天堂制造”系列作品展由9幅绘画作品及一件玻璃雕塑作品构成，曾于1990年首次在威尼斯双年展中展出，以艺术家本人和意大利艳星及某政治家妻子为原型寓意亚当和夏娃，向观众展示了一幅幅“活色生香”的赤裸裸的肉欲情爱画面。

杰夫昆斯波普作品-龙虾

[请保留链接：后时代 http://www.houshidai.com/]