纳米比亚艺术家 Max Siedentopf (1991) 洗澡的时候，突然想做一本普普通通的杂志，甚至，普通到荒谬。

于是《Ordinary》就这样诞生了。

吸管、白色短筒袜、海绵、一次性餐具……

《Ordinary》选的物品，必须是普通得不能再普通的，它一定在每个地方都找得到，有一样的外观和使用方式。确保了物品是100%的普通之后，就等着艺术家随心所欲地，去施展他们的创作魔法。

他们每期都把一件物品寄给世界各地的20位艺术家，请他们把普通的物品变得更加“普通”，而且杂志团队完全尊重创作自由，不做任何的编辑加工。

Max认为，“设计和艺术杂志往往做得很晦涩，编辑团队太精英，以至于开口闭口都是概念性的东西，让人很难读懂。《Ordinary》没那么聪明，我们只是想做一些大家都能看得懂，而且很好玩的东西。”Max希望这本杂志可以给读者一些看待平凡世界的新启发，“但如果你不想这么做，那也没关系，反正你可以用这块免费的新海绵来洗碗。”

任天堂公布 Nintendo Switch 的全新玩法——Nintendo Labo，这是一项利用瓦楞纸模型，充分发挥 Switch 机能的全新功能。

Nintendo Labo 实际上是由一系列瓦楞纸组合成的零部件，玩家可以自行组装，做成一个个零件。目前展出的产品钓鱼竿、遥控车、钢琴、甚至还有机器人。

之后，活用 Switch 模块化的优势，把 Joy-Con 手柄拆下来，安装到对应的瓦楞纸零件上，就可以让这些纸盒子动起来——由于 Switch 的手柄集成了体感、HD 震动、红外扫描等功能，因此玩法方面也与传统游戏机大相径庭。

显然，Nintendo Labo 将 DIY、体感游戏和 Switch 紧密结合。乍一看，这似乎是一项粗糙不过的玩具，但仔细琢磨，会发现其中蕴含着巨大的潜力。

Nintendo Labo 集制造、游戏、探索于一身，Switch 会在游玩过程中引导玩家完成纸盒的安装步骤。如果你想知晓原理，Switch 也会把游戏原理直观地展示在你面前。

不仅寓教于乐，同时也为「虚拟现实」提供了另一种巧妙的思路。

虽然没有高分辨率、高刷新率的显示屏，但凭借体感操作、HD 震动等功能，Nintendo Labo 同样可以提供出临场感极强的玩法。

从某种意义上来说，Nintendo Labo 或许正是 Google CardBoard 的高端操作，同样是低成本的瓦楞纸玩具，CardBoard 只是勉强解决了 VR 虚拟现实的视觉问题，而 Nintendo Labo 却实现了虚拟现实的操作方式。

实际上，早在 2017 年 5 月份，任天堂就曾在包括中国在内的世界各地申请了一项有趣的专利，名为「被动步行装置以及被动步行模块」（受動歩行装置及び受動歩行モジュール），是一项能够提供持续稳定运作的步行装置。

目前来看，这正是 Nintendo Labo 玩法的一种。

Nintendo Labo 首批套件将于 2017 年 4 月 20 日正式发售，包含两种套装：

「Variety Kit」套装，包含钢琴、鱼竿、 摩托车等 5 种套件以及配套的游戏，售价为 69.99 美元（约合 450 元人民币）「Robot Kit」，包含能组成机器人的复杂套件，装备在玩家身上之后，可以化身为体感机器人，售价为 79.99 美元（约合 514 元人民币）

任天堂北美地区总裁雷吉（Reggie Fils-Aime）表示：

Nintendo Labo 将延续任天堂为人们带来欢笑和惊喜的传统，这是任天堂 Switch 令人振奋的巨大进化——旨在激发每个人的好奇心，创造力和想象力。

理查德·霍顿 Richard Hutten， 荷兰设计师，1967年，Richard Hutten出生于Zwollerkerspel。

1991年毕业于埃因霍芬设计学院(the Design Academy in Eindhoven)，同年成立了自己的设计工作室。1993年，加入 Droog Design，并成为其重要核心成员。作为一位充满欢乐与创新的革新者，Richard Hutten对于设计有着自己的理解和定位，“传统的设计是解决问题，但对于我来说，我希望尽可能地创造可能。”

创意、幽默，是Richard的设计关键词。他希望，可以让玩成为文化的重要部分。虽然看上去有些无厘头的搞怪气息，但是每一件产品从开始到结束，都有着他自己的内在逻辑，“我把设计过程当做一个游戏，而我，就是这个游戏规则的制定者。”、“我不想被束缚，我希望有更多的创造，为了每一件不同的产品，突破现实条件的束缚，去实现它们。”

2008年，Richard Hutten担任Gispen艺术总监，Artifort、Moooi、Lensvelt、Christofle、Kvadrat、The Standard Hotel NYC、Royal Delft、LLoyd Hotel、Central Museum Utrecht、Sawaya & Moroni等都曾与之有过合作。

观念与实践是荷兰设计的特点，而Richard正是这一特点的实践者、引领者。从观念开始，在实践中不断探索，结果是未知的，同时，也是充满惊喜的。其独特的创意美学为其在当代设计界树立了不可动摇的地位 。Red Dot Award、LAI award、the German Design Award, 都曾被他揽入囊中。这位革新者，荷兰设计的标志性人物，他的作品曾在the MoMA New York 、 Stedelijk Museum Amsterdam、Centraal Museum Utrecht、Museum of Modern Art San Francisco、Design Museum Holon等展出；现在，他的创想，即将点亮你的生活。

荷兰设计师Richard Hutten的代表作Dombo大耳朵杯，有爱的儿童杯。

Domoor Cup，又名Dombo Cup。「oor」在荷兰语里是「耳朵」的意思，「Dombo」 呢，就是迪士尼动画里的经典角色「小飞象」啦。荷兰设计师Richard Hutten以自己的儿子为灵感，设计出这样一只充满欢乐的杯子，吸引小朋友用双手抓握杯子，自己喝水。不过，正如杯子外包装上所注明的「1-100岁」——Domoor Cup并不只是一款儿童餐具，凭借着幽默而富有艺术气息的外观，它们同样能够在成年人的生活空间里占得一席之地。不论放在哪里，都是极具存在感的装饰。除了用来喝东西，它有时也被当作笔筒和花器来用。

这样独特的外形和质感是采用LDPE（低密度聚乙烯）热注模而成——不含BPA，敬请放心使用。杯子的材质和构造都非常结实耐用，理论上是摔不坏的！（不像密胺餐具那么容易碎裂。）唯有一点需要注意，请不要将它放入微波炉里加热哦！

Richard Hutten信奉“无界设计”，他的每一个设计都功能性十足，甚至有多个功能。他设计创意大多来自于他的两个儿子，透过儿子直接而充满童趣的行为，总能带给Richard无穷的创意。

云层休闲椅

这款休闲椅是以我早前设计的一款外形相同但由铝材制作的座椅为蓝本，使用了面积达 840㎡ 共 545 层各色 Kvadrat Divina 面料来赋予整款座椅全新面貌，并且每相邻两层面料均为不同颜色，而整个座椅共出现了近 100 种颜色。制作工艺方面，云层休闲椅采用天然气切割设备对布料进行手工切割打磨，使得整个设计作品更富质感。

Satellite转椅

圆形可以说是所有图形里面最为优雅的一个，这款Satellite转椅使用了大量圆形作为基型，舒适的坐感让你的办公时间变得效率更高。落地由三个脚支撑，织物、皮质等多种质感的面料可供选择，另外单侧的扶手可以180度旋转，所以无论你的惯用手是左或右，这个心思巧妙的扶手椅都适用于你。

X-Chair

此次我为Moroso设计了这款X-Chair 。日常人们看到一把椅子的第一眼，往往是它围绕插放在桌子下面的背面，所以我这次在椅子背部花了点小心思，安装了一个“x”形的连接件，X-Chair的名字也自此而来。整把椅子由三个部分组成：一个按键状的座体、一个长方形靠背以及那个十分醒目吸睛的“x”形连接件，多种面料颜色可供选择。

Dandelion｜蒲公英灯

恰如其名，这款为moooi设计的灯具灵感就来源自蒲公英，用仿生的设计手法再现了蒲公英的轻盈形态。希望你每次开灯的瞬间都能嗅到那一缕清爽的气息。

“我只和那些可以和我一起喝啤酒的人一同工作。”

我想，我就是为设计而生的，在我17、18岁的时候，我就和我的家人说，我想要成为一个设计师，用尽我的一生去做设计。从小，我的父母总是鼓励我去玩，现在，我依旧在玩。我会在每个重要会议之前玩游戏，以确保我的头脑保持灵光。
生活和工作对于我来说是合一的，平时，我会和我的家人谈论设计，我的孩子们给了我很多灵感启发，我家里的每一个角落，每一件摆件，我都精心设计、挑选。

在我的工作室里，我觉得我们就像一个摇滚乐队，我是主唱（负责作曲），我需要我的乐队为我伴奏，这就是我们工作的状态：流水线很短，每个人都知道大家正在做什么，然后我们就一起去创造一首好曲子。

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]
设计师官方网站：http://www.richardhutten.com/

“我喜欢在建筑过程中看不见的美，而这种美又常常在技术制造过程中失落了。”——弗兰克·盖里

弗兰克·盖里 Frank Owen Gehry ，解构主义建筑师。1929年2月28日生于加拿大多伦多的一个犹太人家庭，17岁后移民美国加利福尼亚，并在南加利福尼亚州大学获得建筑学硕士学位，毕业后在哈佛大学从事城市规划。他现在归化于美国籍，并且生活在洛杉矶，是纽约哥伦比亚大学中有名的建筑教授。弗兰克·盖里以设计具有奇特不规则曲线造型雕塑般外观的建筑而著称。盖里的设计风格源自于晚期现代主义（late modernism），其中最著名的建筑，是位于西班牙毕尔巴鄂，有着钛金属屋顶的毕尔巴鄂古根汉美术馆（Museo Guggenheim Bilbao）。

他于1989年获得普利策（Pritzk-er）建筑奖，1992年获得Wolf建筑艺术奖，并被提名为1992年建筑界最高荣誉奖的领奖人。1994年，他成为LillianGish Award 的终生贡献艺术奖项的第一位得奖人。

弗兰克·盖里作品——

毕尔巴鄂古根海姆博物馆

地点：西班牙

1991年，西班牙北部城市毕尔巴鄂市政府与古根海姆基金会共同做出了一项对城市未来发展影响极为深远的决定：邀请美国建筑大师弗兰克·盖里为该市即将兴建的古根海姆博物馆进行建筑设计。

1997年，一座石破天惊的建筑杰作在西班牙中等城市毕尔巴鄂横空出世，它以奇美的造型、特异的结构和崭新的材料立刻博得举世瞩目，被报界惊呼为“一个奇迹”，称它是“世界上最有意义、最美丽的博物馆。”它就是古根海姆艺术博物馆。

设计：弗兰克·盖里（F.O. Gehry）毕尔巴鄂古根海姆博物馆在1997年正式落成启用，它是工业城毕尔巴鄂（Bilbao）整个都市更新计划中的一环。当初斥资一亿美金动工兴建，整个结构体是由加州建筑师盖里（F Frank O. Gehry），借助一套v空气动力学使用的电脑软件逐步设计而成。博物馆在建材方面使用玻璃、钢和石灰岩，部分表面还包覆钛金属，与该市长久以来的造船业传统遥相呼应。博物馆全部面积占地两万四千平方公尺，陈列的空间则有一万一千平方公尺，分成十九个展示厅，其中一间还是全世界最大的艺廊之一，面积为130公尺乘以30公尺见方。这项文化名胜已经吸引许多人前来毕尔巴鄂参观，每年参观人数从26万人增加到100万人。博物馆活化了当地的经济（巴斯克省的工业产品净值因此成长了五倍这多），也为该市盈率带来新生。

古根海姆艺术博物馆选址于旧城区边缘、内维隆河南岸的艺术区域，该博物馆是最醒目的第一层滨水景观。整个建筑由一群外覆钛合金板的不规则双曲面体组合而成。纽约古根海姆博物馆是世界著名的私立现代艺术博物馆，是世界上最早在博物馆业引入和运用“文化产业”概念并在事业上获得巨大成功的博物馆。在纽约拥有两处展览场馆并在意大利威尼斯拥有分馆。作为世界上最著名的西方现代美术博物馆之一，该馆的收藏基本上是印象派以后各名家的作品，尤其是抽象艺术品的收藏更是居于世界各博物馆之首。

项目名称：毕尔巴鄂古根海姆美术馆
建筑师：弗兰克·盖里
项目地点：西班牙毕尔巴鄂
项目时间：1997年

毕尔巴鄂古根海姆美术馆（Guggenheim Museum Bilbao）是一个专门展出现当代艺术作品的美术馆，位于西班牙的毕尔巴鄂。它在1997年由古根海姆基金会创建，是位于全世界数间古根海姆美术馆之一。它的主建筑由法兰克·盖瑞设计（ Frank Gehry），是被认为是世界上最壮观的解构主义建筑。

毕尔巴鄂古根海姆美术馆由地方投资兴建，纽约古根海姆博物馆经营并提供展品，被认为是面向21世纪的博物馆。该馆建筑面积2.4万平方米，位于勒维翁河南岸。博物馆造型由曲面块体组合而成，内部采用钢结构，外表用闪闪发光的钛金属饰面，钛板总面积2.787万平方米。造型的独特是建筑师盖里近几年个人风格的继续；也是古根海姆负责人的愿望，他们希望这幢建筑具有强烈的吸引力，成为城市的标志。虽然该建筑外观自由奔放，但是室内功能仍然井井有条、复杂而不杂乱。

1996年普利兹克建筑奖得主、哈佛大学教授、西班牙著名建筑师拉斐尔莫尼欧对毕尔巴鄂古根海姆美术馆的设计由衷叹服道：“没有任何人类建筑的杰作能像这座建筑一般如同火焰在燃烧。”这个作品中盈溢的那种暗合于西班牙文化的、既激扬又沉静的诗意，不仅倾倒了全世界的万千民众，也折服了无数对盖瑞满怀偏见的建筑师。

如果将弗兰克·盖里的建筑作品剖开，我们可以清晰的看到，在热情奔放，充满动感的艺术形式背后，还隐藏着一条逻辑，严谨的现代功能主义的线索。毕尔巴鄂古根海姆博物馆就是一个生动的例子，在复合曲面包裹的后面，多个尺度不一，矩形方盒子的组合实现了对传统美术馆内部“白立方”空间特征的基本诉求。

个性且艺术化的形式与现代功能主义的逻辑，就似弗兰克盖里建筑生命中DNA相互缠绕的两条曲线，清晰的勾勒出他建筑人生的轨迹。建筑评论家们往往沉迷于弗兰克盖里建筑放荡不羁的雕塑形式和他个人艺术家的个性与风格，而往往忽视他作为真诚的现代主义的信徒，所本能地体现出他还是一个现代功能主义的建筑师，这种本能就像DNA一样，深深地根植于他的建筑生命之中，源于他所成长与受教育的时代。

毋庸置疑，弗兰克·盖里不是艺术家，因为，时至今日，还没有哪一位艺术家能有机会，有能力去驾驭尺度如此之大的城市雕塑，但他也不是评论家眼中的纯粹的建筑师，因为他从来都主观地认为：“除了艺术，建筑什么都不是。”我们很难用今天建筑学的体系去定义他的建筑，因为他没有自己的理论，从不著书也很少教书。但在我看来，弗兰克·盖里是我们这个时代最伟大的建筑师，是作为一个艺术家的建筑师，因为他为这个时代留下了会说话的建筑，充满了情感，艺术情趣的建筑神话。

美国建筑师弗兰克·盖里是以玩味奇特建筑形态而享誉世界的建筑大师，其创作的众多作品由于形态特征突出、时代气息浓郁、艺术风格独特而举世闻名。丰富的建筑形态语言是弗兰克·盖里与世人交流的有效工具。他用极具独创性的建筑形态来向世人展示其非凡的艺术创造力和空间想像力。他的一系列作品在不断突破传统审美法则的同时，也体现了弗兰克·盖里为追求自由、彰显个性在建筑创作上孜孜以求的探索精神。他的作品不仅为人们勾勒出一幅幅当代西方的人文精神画卷，也呈现出建筑美学领域的又一块处女地，使人们看到了建筑美学可发展的无限空间。同时，也正是这些作品使弗兰克·盖里成为当今国际上极具争议的几位先锋派建筑师之一。

于1962年建立他自己的公司——Frank O.Gehry and Associates, Inc.之前，他随着洛杉矶的Victor Gruen（1953-1954）与Pereira & Luckman（1957-1958），及巴黎的Andre Re-mondet等建筑师见习。他曾在南加州大学（1972-1973）与加州大学洛杉矶分校（1988-1989）担任助理教授及哈佛大学（1983）、莱斯大学（Rice, 1976）及加州大学（1977-1979）客座评论师。1982、1985、1987、1988及1989年，他拥有耶鲁大学建筑系之Charlotte Davenport教授的职位。1984年，担任哈佛大学Eliot Noyes讲座。1986年10月，由沃克（Walker）艺术中心主办一场有关他的作品的重要回顾展，此展览由明尼阿波里斯巡回至亚特兰大、休士敦、多伦多及洛杉矶，闭幕于纽约的美洲艺术惠特尼（Whitney）博物馆。1974年，他被遴选为美国建筑师协会（AIA）的学院会员。他于1987年成为美国艺术与文学学会之一员，1991年成为美国艺术与科学学会的一员。1989年，他获得普利兹克（Pritzk-er）建筑奖，同年被提名为在罗马的美国建筑学会理事。1992年，他获得Wolf建筑艺术奖，并被提名为1992年建筑界最高荣誉奖的领奖人，此荣誉奖由日本艺术协会颁发。1994年，他成为Lillian Gish Award 的终生贡献艺术奖项的第一位得奖人。同年，他被国家设计学院授予院士头衔。他获得加州艺术技术学院、Nova Scotia技术大学、罗德岛设计学校、加州艺术学院、及Parsons设计学校Otis艺术学院的荣誉博士学位。他同时也是美国艺术与文学学会Arnold W.Brunner建筑纪念奖的得奖人。

德国维特拉设计博物馆（Vitra Design Museum） – 弗兰克·盖里（Frank Gehry）

建筑概况：
建筑设计：Gehry Partners
地点：德国莱茵河畔瑞尔Vitra园区（Weil am Rhein, Germany）
别称：维特拉家具博物馆
主持建筑师： Frank Gehry
建筑风格： 解构主义建筑
建成时间：1989年

维特拉设计博物馆由弗兰克·盖里在1987年主持并完成设计工作，于1989年10月竣工，拥有740平方米的展览面积。该馆主要用于收藏并展示19世纪以来的约2000余件不同时期和不同风格的椅子以及其他家具等设计作品。值得一提的是，在2004年维特拉家具公司从原先商业客户的办公类家具开始向个体客户的居家市场拓展，这一市场的拓展带来了大量经典的、再版的、甚至一些后现代风格的设计作品，而为这些作品展陈所需的室内空间在维特拉厂区却处于匮乏的状态，于是公司在厂区北部原先的一块预留建设场地为新的“居家系列”家具设计建造一个新的博物馆——维特拉家具博物馆（VitraHaus），该馆则由赫尔佐格与德梅隆（Herzog & de Meuron）设计。

盖里设计的这座博物馆从远处看去就象是置于自然风景中的一个经过艺术家精心制作的雕塑，人们从各个角度均可欣赏到它那优雅的姿态。博物馆作为艺术和文化活动的中心，必须具有良好的艺术形象，其外部形象与内部空间应给人带来视觉上的震憾，同时它还应有能力确切表达它的内涵，即具有丰富的象征意义。正是基于这一点，盖里以其独特的设计手法，用几何形体和自然光线塑造了一个新颖独持、充满动感、复杂多变、相互穿插而又相互扭曲的“建筑雕塑”，它再次打破了人们对传统建筑中内外空间的印象。维特拉家具博物馆被塑造成了带有鲜明盖里风格的建筑 , 成了维特拉厂区内醒目的标志。

外露的建筑构件 VS 不同特质的动态室内空间

盖里在设计中着力去表现建筑的营建和制造活动的过程，并使外部复杂的形体对应于其内部不同的使用功能。“形式服从功能”在维持拉家具博物馆得到了充分甚至夸张的体现，博物馆外观形状各异的体块，其内部正是展室、坡道、楼梯、入口以及天窗等，盖里将这些建筑构件作为极其重要的造型要素，完全暴露并加以表现,让人感知。

弗兰克盖里建筑风格：

弗兰克·盖里受到南加利福尼亚州大学文化的激励，但缺乏理想化的形式，盖里广泛吸取着来自艺术界的抽象片断和城市环境等方面的零星补充。盖里的作品相当独特，也很具个性，他的大部分作品中很少掺杂社会化和意识形态的东西。他通常使用多角平面、倾斜的结构、倒转的形式以及多种物质形式并将视觉效应运用到图样中去。盖里使用断裂的几何图形以打破传统习俗，对他而言，断裂意味着探索一种不明确的社会秩序。

在许多实例中，盖里将形式脱离于功能，所建立的不是一种整体的建筑结构，而是一种成功的想法和抽象的城市机构。在许多方面，他把建筑工作当成雕刻一样对待，这种三位结构图通过集中处理就拥有多种形式。艺术经常是盖里的灵感发源地，他对艺术的兴趣可以从他的建筑作品中了解到。同时，艺术使他初次使用开放的建筑结构，并让人觉得是一种无形的改变，而非刻意。盖里设计的建筑通常是超现实的、抽象的，偶尔还会使人深感迷惑，因此它所传递的信息常常使人误解。虽然如此，盖里设计的建筑还是呈现出其独特、高贵和神秘的气息。

盖里仿佛与美国都市格格不入，他采用多种物质材料、运用各种建筑形式，并将幽默、神秘以及梦想等融入他的建筑体系中。他曾说：“我喜欢这种在建筑过程中看不见的美，而这种美又常常在技术制造过程中失落了。”盖里在早期的工作中就大胆运用开阔的空间、各种原材料以及不拘泥的形式来进行建造。盖里的建筑也包含了普通的过程，有继续进行的生命、进化中的生命和成长中的生命等。

盖里的作品相当独特，极具个性，他的大部分作品中很少掺杂社会化和意识形态的东西。他通常使用多角平面、倾斜的结构、倒转的形式以及多种物质形式并将视觉效应运用到图样中去。

盖里的设计范围相当广泛，包括购物中心、住宅、公园、博物馆、银行、饭店、胶合板家具以及曲状的椅子等，而且胶合板的椅子在市场上相当火爆，因此评论家们批判其打着艺术的招牌胡乱行事，但盖里并没因此而停止自己的创作，他使用的材料从公众接受的木材到始料不及的金属铁丝网。尽管他的作品与其他作品有很大程度的不同，但在某些类别上又有或多或少的联系，但是在与传统的城市功能、形式、空间以及总体外形等方面的比较上，盖里的作品又有相当优越感，他创造了一种独特的风格，在建筑形式上也开启了一个新的篇章。

盖里在建筑和艺术间找到了共鸣，明显与模糊、自然与人工、新与旧、晦暗与透明、堵塞与空旷等方面，这就是盖里与其他建筑作品最为明晰的对照，因此盖里被誉为“建筑界的毕加索”。

深受洛杉矶城市文化特质及当地激进艺术家的影响，盖里早期的建筑锐意探讨铁丝网、波形板、加工粗糙的金属板等廉价材料在建筑上的运用，并采取拼贴、混杂、并置、错位、模糊边界、去中心化、非等级化、无向度性等各种手段，挑战人们既定的建筑价值观和被捆缚的想像力。其作品在建筑界不断引发轩然大波，爱之者誉之为天才，恨之者毁之为垃圾，盖里则一如既往，创造力汹涌澎湃，势不可挡。终于，越来越多的人容忍了盖里，理解了盖里，并日益认识到盖里的创作对于这个世界的价值。

项目名称：沃特·迪斯尼音乐厅 Walt Disney Concert Hall
建筑师：弗兰克·盖里
项目地点：美国纽约
项目时间：1992年12月—2003年10月

洛杉矶迪斯尼音乐厅是一座巨大的解构主义建筑，奇特的不锈钢风帆状造型，以其动人心魄的独特外表成为美国第二大城市洛杉矶的新地标。这座超现代的大型音乐厅主厅可容纳2265席，还有266个座位的罗伊迪士尼剧院以及百余座位的小剧场。它成为一个音乐爱好者和旅游者共同膜拜的艺术殿堂。

经历16年波折、耗资2.74亿美元修建的沃尔特·迪斯尼音乐厅2003年在洛杉矶市中心正式落成时，其独特的外表引来的关注早已超过了音乐厅本身。厅内设计上，就是认为欣赏音乐是一种全面体验，并不仅局限于音响效果。因此在设计时充分考虑了演奏大厅内的视觉效果、温度以及座椅的感觉等因素。大厅设计上，盖里运用丰富的波浪线条设计天花板以营造出一个华丽的环形音乐殿堂。为使在不同位置的听众都能得到同样的充分的音乐享受，音乐厅采纳了日本著名声学工程师永田穗的设计；厅内没有阳台式包厢，全部采用阶梯式环形座位，坐在任何位置都没有遮挡视线感觉。音乐厅的另一设计亮点是，在舞台背后设计了一个12米高的巨型落地窗供自然采光，白天的音乐会则如同在露天举行，窗外的行人过客也可驻足欣赏音乐厅内的演奏，室内室外融为一体，此一设计绝无仅有。

这个音乐厅是由米老鼠之父沃特·迪斯尼的遗孀莉莉安提议建造的，她宣布捐出5000万美金建造一座以沃特迪斯尼命名的音乐厅，她要求设计师使音乐厅能达到最佳音响效果。

由普利兹克建筑奖得主法兰克·盖瑞做出的设计方案得到莉莉安得青睐，1992年12月，开工的锣声敲响了，然而，工程进展得并不顺利，直至1996年，才完成地下停车场施工，而这时，就已经花掉了一亿一千万美金。工程费用的大量超支和工程进度的一再拖延，引起了不少争议。幸而洛杉矶市当局卖掉了部分政府债券，并展开募捐活动，拖到1999年，才重新开始地面建筑工程。截至2003年10月音乐厅完工时，已经花掉2亿7千4百万美金。

尽管建筑物已经竣工，花钱还没有结束。组成音乐厅的经抛光的巨大凹凸不锈钢板，如同太阳灶一般向周边反射阳光，甚至使得周边公寓的空调费用剧增，街上的行人途经音乐厅时，也得时刻注意不要被反射镜把阳光聚焦到自己身上，甚至还发生过对过街边的塑料交通显示牌被烤化，垃圾桶被烤着的事儿，诸多抱怨使音乐厅只好再花钱，通过电脑分析、计算，将部分巨大的不锈钢曲面喷砂打毛，以减少其反射率。

不管怎么说，这个标新立异的不锈钢帆板建筑确实是个十分耐看的建筑，那一片片造型各异的帆板，既在各自彰显自己的个性，却又互相呼应，互相映衬，组成了一幅幅光与曲线的魅力图景。从各个不同角度看，帆板会组成各不相同的造型，送给你惊喜。

这座玻璃博物馆名为“路易斯·威登创新基金会”博物馆（Louis Vuitton Foundation for Creation），坐落于巴黎Bois deBoulogne的动物园花园（Jardin d’Acclimatation）。Frank Gehry将梦想与现实、科技及艺术创意兼容并蓄，令博物馆成为市内最触目的新地标。FrankGehry对于这个地理位置很有感触：“我首次实地考察时，忽然想起了普鲁斯特（Marcel Proust），一时感触不禁热泪盈眶。因为公园坐落布隆绿林（Bois de Boulogne）之内，硬生生地竖立一座庞然大物殊不恰当，所以我认为玻璃展馆是唯一可行的意念，以营造通透而庄严的流动感。”

盖里早前设计的西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆（the Bilbao Guggenheim Museum），是他奇美特异的巅峰之作。而这一次，他更是别出心裁地打造了一片流动的“玻璃云”。盖里提及这项设计时曾说：“这个计划本身就是一个梦想，所以概念就是创造梦想……我希望人们有恍若云端的感觉。”这座外形犹若帆船的美术馆拥有3800平方米的展览面积，通透开扬的巨大玻璃外墙和户外庭院式设计与自然环境及公园内的绿意和谐共融，同时玻璃建筑结构又与巴黎大皇宫和植物公园的温室建筑呼应。用盖里自己的话来说，“这是一堆云团般的玻璃——魔幻的、瞬间即逝的和透明的。”他说，“我希望创造出来的是你无论何时靠近，都能看到不同时间和光影下不同的特质。我想传达出‘透明’一词所具有的含义。”不少人称赞这座博物馆能给巴黎早已璀璨的博物馆群（如卢浮宫和蓬皮杜中心）增添新的一笔。

跳舞的房子——弗兰克盖里

1992年，建筑师弗兰克·盖里的一座惊世骇俗的跳舞的房子在布拉格诞生，Genry给房子取的名字是来自于20世纪三四十年代在美国红极一时的踢踏舞电影明星搭档“Frend and Ginger”，他试图重新打破布拉格的宁静。二战期间，美军曾经误以为这里是德国的德累斯顿，炸毁了原地址上的古建筑，从此一石激起千层浪，风波不断。

多年之后，盖里别出心裁的设计又在这个地方出现了，那被人们认为是美国人抛下的另外一颗炸弹。一座建筑舞动了全城，对捷克人心灵的产生的冲击可是远远大于视觉上的。当尘埃落定之后，时间成为衡量一切的最好标准。抹去了偏见，人们开始发现这座建筑愈发可爱，它俏皮扭曲的姿态给布拉格带来了新鲜的活力。

在建筑师Genry来到历史悠久的布拉格之前，正座城市笼罩在巴洛克和哥特式建筑之中，古香古色异常的静谧。这一座建筑舞动全城。但当尘埃落定，抛开世俗与偏见，这座建筑愈发可爱，像足它的名字“Frend and Ginger”，如果你细细品味，会发现跳舞的房子左边有一幢玻璃楼，那就是舞后Ginger。而右边的白楼当然是他的舞伴Frend。楼顶的半球形玻璃餐厅俨然是他的礼帽。在四层楼处有一个显眼的阳台，宛若是Frend搂着Ginger的那只手，取名“布拉格的珍珠”。这座赫赫有名的法式餐厅就位于房子顶楼。从餐厅顶楼可以远眺皇宫和大教堂，夜幕低垂时，皇宫的灯光和河上流动的灯影暧昧相约，道不尽恋恋风情。

跳舞的房子本名尼德兰登国家保险大楼，是布拉格新城区的标志性前卫建筑，它由著名建筑师布拉多·米卢尼奇和弗兰克·盖里联手设计，自1996年建成以来，其扭曲“舞动”的造型早已成了伏尔塔瓦河畔一道亮丽的风景。这座大楼的设计方案在一开始饱受质疑，批评者认为其不规则的造型与周遭巴洛克式的建筑群格格不入，幸亏得到了在该区域居住过数十年的时任总统哈维尔的鼎力支持，方案才得以顺利进行。时至今日，跳舞楼已经成为继布拉格的中世纪建筑之后最吸引摄影爱好者的热点。建筑内有画廊、酒店、餐厅及景观酒吧等设施，你可以在此一边享用美食，一边饱览布拉格城堡和贝特琳山丘的美丽风景。

解构主义建筑是“开放建筑”，其设计方法及形式原则无定律，建筑师们依据自己的设计思想和方法而行，结构主义建筑强调变化，推理与随机的统一，对现有规划约定进行颠倒和反转，它除了解除对象的隶属关系之外，还要建立新的体制，所以它不是虚无的破坏，也不是片面的重组过程，而是具有解体与建筑的双重定义。而盖里的作品特点就是：漫不经心的随心所欲，不顾及功能追求任意形式的美感。令人们的视觉支离破碎感，外观轻质，活泼透明，各组成部分材质，形体，强调差异，极为复杂又有较高的欣赏水平。总结为五个词：散乱，残缺，突变，动势，奇艳。或许，从某种程度上说，盖里是个形式主义者。在他的建筑里，形式的表现方面被大大强调而从不追随功能。

盖里的作品新奇刺激，洋溢着桀骜不驯的创造精神。我们以平常的建筑审美经验去阅读盖里的作品时往往会觉得它们怪异而神秘：空间被出人意料地打乱，似乎毫无逻辑；建筑与人之间的关系不再是和谐统一，而是充满了挑衅与挑逗。在建筑材料的运用上，盖里故意不按常理出牌，强行打乱人们附加于材料的意识形态，迫使人们重新去认识材料本身。或许那些怪异的形式隐含地所映了当时的某种时代主题，如复杂、扭曲、不规则和鼓吹欲望。因此，不管其他人是批评他对传统不够尊重，还是惊艳和称赞他那匪夷所思的创造力，最后都给我们呈现了这样一个事实，那就是盖里的建筑展示了一个建筑师所能达到的极致。

当我们知道成名之后的弗兰克·盖里被誉为“建筑界的毕加索”时，其实并没有什么特别的感觉，因为新闻界的恶习之一就是总喜欢轻率地把一个刚出名的人跟非常有名的人跨行绑在一起。但是，当我们得知弗兰克·盖里曾为意大利画家乔治·莫兰迪的作品而疯狂——尤其是后者画的那些瓶子让他喜欢得不得了的时候，却会有种“原来如此”的感觉。因为那位以画瓶子著称的绘画大师莫兰迪的作品里所弥漫的那种宁静而孤独的日常生活气息，跟弗兰克·盖里早年生活的环境气息几乎是处在同一个波段上的。更为重要的就是从莫兰迪对色块和线条的使用特点和结构方式上，可以发现盖里建筑创意方面的精神亲缘特质。当然用他的建筑话语来形容就会是另外的感觉了，他会这样去表述：“莫兰迪画的瓶子，基本上就是许多无隔间的单间建筑，他用画创造出很多的‘瓶子群落’，我真的很喜欢。”

如果说莫兰迪的影响还比较直观正面的话，那么极简主义艺术家卡尔·安德烈则曾从另一面深深地刺激了他的艺术观。在他以为自己喜欢并看懂了那件名为《137块砖》的装置作品的时候，卡尔·安德烈却毫不客气地告诉他：“你根本没懂。”安德烈在本子上画出了一块块耐火砖，然后解释说：“关键在于，拿起一块耐火砖，再放在正确位置上的触觉质量。”直到此时，盖里才明白了安德烈作品所呈现的“绘画性”究竟是怎么回事，而此前自己对于艺术又是多么的无知。这个非常特别的人生插曲对于理解盖里的建筑艺术是异常重要的。尽管盖里在建筑方面曾受柯布西耶、赖特的很多影响，但在他的创作实践进入成熟期之后我们几乎很难看到这种影响的痕迹。他所追逐的，始终都是变化中的空间与人的复杂而微妙的关系，他很早就喜欢观察研究人与人之间的空地、建筑间的留白、人与建筑之间的空白地带，对于他来说，“整片建筑群落就是一场空间游戏。”

弗兰克·盖里的建筑风格是如此的特别，在这个世界上几乎看不到同类，而他的名气又是如此的巨大，我们不能不说这两者之间确实存在着“强烈的张力”。人们真的会像习惯性地欣赏那些经典建筑那样欣赏他的作品吗？当毕尔巴鄂古根海姆美术馆落成并产生轰动效应之后，当有人问到当地媒体还会不会有盖里的其他作品出现时，人家的回答是简单明了的：“我们已经有一个弗兰克·盖里了。”盖里知道这是怎么回事儿，这是因为人们“有一套错误的判断系统”。从这个意义上说，芭芭拉·伊森伯格的这本《建筑家弗兰克·盖里》既是对话式传记，还可以当成建筑社会学著作来读。它会告诉你，一个名声大到无以复加的建筑大师在面对社会误解的时候同样是无法幸免的，对于他来说，除了需要明白妥协的意义之外，更重要的是不必在意别人说什么，并且始终能保持旺盛的创作活力。

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

警报订书针：

Wei-Ling Hsu等人设计的警报订书针（Alert Staples），一个简单的调整，将订书针末端几根颜色变为红色，看到它们出现时，就知道应该补充针了。

警示订书针(Alert Staples)——2012台湾国际学生创意设计大赛入围作品，让你感受更简单的设计和更有效的提醒。

警示订书针(Alert Staples)是台湾国立台北科技大学的学生许玮玲、游全益、赖俞任三位学生在参加《2012台湾国际学生创意设计大赛》时带来的入围作品 。设计师们在钉书针的边上设置了一片红色区域，这一简单的小调整使得钉书针成为了一个相当于能「显示用量」的智能产品，它会在钉书针即将用完时，醒目和有效的提醒你准备更换新的订书针。

来自Peleg-Design设计，给你更多的早餐乐趣，英国Monkey Business Arthur骑士鸡蛋杯。在你脑海中，鸡蛋给你的印象是否还是，脆弱娇小，需要被保护的吗？若是这样，那可就是真心委屈了我们的鸡蛋了。今天，我们就为鸡蛋澄清，骑士鸡蛋也有强悍，刚硬的一面。英国Monkey Business Arthur骑士鸡蛋杯是一款属于我们鸡蛋的盔甲，让鸡蛋呈现出自己刚强的一面。鸡蛋杯整体材料采用了100%安全塑料并且不含BPA，安全耐用。同时附鸡蛋勺。每天，您的早餐就在这样充满乐趣的时刻开启，一整天工作和学习的好心情也随之拥有。骑士造型萌翻你餐桌，就像亚瑟王的圆桌骑士一样蓄势待发，让鸡蛋的荣光闪耀四方！

骑士鸡蛋杯是一款属于鸡蛋的盔甲，让鸡蛋呈现出自己刚强的一面。同时附鸡蛋勺。让早餐充满乐趣。Peleg Design工作室设计的骑士蛋托，超Q的造型刚好可以放下一枚白煮蛋，面罩的下方露出一张洁白的脸蛋，手拿鸡蛋勺——向它发起进攻吧，你旺盛的食欲一定能杀得它丢盔弃甲~

官方网站：www.peleg-design.com
链接：http://www.mnkbusiness.com/peleg/

Peleg Design工作室
品名——骑士蛋托
产地——中国
材质——安全塑料
内含——蛋托×1、鸡蛋勺×1
重量——34g
尺寸——5.7*6.3*12.5cm

骑士蛋托|创意亚瑟鸡蛋杯Monkey Business Arthur|Peleg Design

产品特点：

1.Q型骑士造型让你爱不释手
2.安全塑料材质不含BPA，保护你的健康
3.可拆卸，可分别清洗，附带鸡蛋勺

毕业于以色列艺术设计学院的工业设计师 hagai zakai 为 monkey business 设计了这款憨态可掬的鲸鱼订书器。设计师采用鲸鱼造型不但在使用上非常适合使用者把握或者按压，造型更加让人爱不释手。这里不但展示了设计师的创意手绘还向大家展示了电脑模型和初期的手工草模，可见这样一个小东西也是要经过设计师仔细论证和不断尝试的，结果令人欣喜，过程同样充满了趣味。

鲸鱼订书器

鲸鱼订书器

鲸鱼订书器

阮红强（Nguyen Hung Cuong）折纸的艺术：

来自越南河内的艺术师Nguyen Hung Cuong的折纸作品, 他从5岁就开始接触折纸, 这已经融入他的生活, 成为了他生活的一部分, 看看这些充满想象力惊人的动物折纸艺术.

动物折纸艺术创意

动物折纸艺术创意

动物折纸艺术创意

动物折纸艺术创意

动物折纸艺术创意

来自意大利设计师 Elena Mora 与摄影师 Karsten Wegenerto 共同携手设计的平衡膳食创意摄影。Elena Mora与Karsten Wegenerto认为现代人对于均衡饮食的观念较为薄弱，导致引发营养摄取不足的奇异病变，因此Elena Mora、Karsten Wegenerto将新鲜食材编排出和谐的干净线条，倡导饮食健康生活的重要概念。

艺术家Elena Mora所构造的平衡世界, 经过巧妙的设计, 所有食物以一种平衡的模式展现出来, 让人印象深刻的平衡食物艺术。

艺术家官方网站：http://www.elenamora.com/

充满想象力的吸血蝙蝠造型的夹子(Bat Peg Clip)，不用时就变成蝙蝠休息的倒立状态，还挺可爱。晾衣服、封口袋、挂照片……不过价格貌似也不菲~6.57美元呢~~~

设计师官方网站：http://www.artlebedev.com/