桥梁建筑师Julian Hakes设计的这款概念女鞋在经过两年的努力，将抽象概念变化成真。这款高跟鞋曾参加伦敦时装周，并且被包括Forbes，意大利Vogue and Eile在内的杂志争相刊载。

Julian Hakes这款中空的鞋子看上去很抽象，如同画家即兴画出的线条，流畅跳脱却一副只能远观不可亵玩的样子，但是由于在制材方面选择了高强度、高弹性的碳素纤维构成鞋体支架，再以橡胶、皮革制成鞋身及部分触底位置，所以这双赢得大奖的高跟鞋比想象中穿着要稳当。

据人体力学科研人员的介绍，人类的高跟鞋是通过对人的脚跟提供支撑，使得人们平稳走路。但是即使是人赤脚站在木板上，人类的脚也会自然分开一段距离来支撑人平稳站立。对此，设计师朱莉安·汉克斯认为，既然人的脚有自己内在的结构和力量足以支撑人们平稳站立或行走，那人们为什么要对脚进行重复支撑呢。

于是，朱莉安·汉克斯开始用设计桥梁时候的办法来探索这个问题。她检查人走路时脚的用力状况，以及曾经用过的制鞋材料在脚用力的时候所表现出的特性。据悉，为找到理想的结果，朱莉安·汉克斯用描图纸包住自己的脚，并用胶带包扎好。这样描图纸上就会呈现出脚用力时候的几何图形，朱莉安·汉克斯还要在不伤到描图纸和自己的脚的前提下用外科手术刀把描图纸裁下来。

朱莉安·汉克斯表示：她设计的这几款鞋子，从外形上看仅仅是一个包围人脚的带子形成的几何形状。这条带子从脚趾开始，越过脚弓，绕到脚跟后扭曲向上，以为脚跟和脚踝提供支撑。这种设计外形会给我们一种轻快的感觉，穿在脚上就像是我们脚上的一块皮肤似的，所以称之为“莫吉托鞋”。

几何结构：通过这种方式，最后留下了这样一个几何结构：从前脚掌开始缠绕足弓，在脚后跟下面触地后又向上翘起，最后给脚后跟和脚踝以支撑。我将自己的脚包裹上描图纸，再用胶带将图纸固定好，之后再在我的脚模上画出各种各样的几何图形。下一步其实还有些危险，我用刻刀按着图纸上的图形设计将外壳一点点挖空，不能破坏鞋的主体结构，当然也不能伤到自己的脚。人的脚部本身就是一个结构强健的支撑结构，鞋底的形状实际只是脚底弧度的翻版。由此我想到，如果鞋子设计想在以往便鞋的基础上有所改进，新材料和新技术的运用或许能带来新的设计方案。

Julian Hakes打破传统，设计出这款非常时尚具有创意的概念女高跟鞋二代Mojito，设计独特，造型流畅，鞋底中空，看起来很抽象，但是鞋子采用了高强度、高弹性的材料，舒适度非常高。

初次看到这款鞋觉得很惊讶，设计师Julian Hakes考虑到其深入骨髓的清爽风格，将这款设计命名为Mojito——一种清爽而甘甜的调酒，二代Mojito高跟鞋，以高强度、高弹性的碳纤维为骨架，并配以橡胶鞋底和皮革鞋面，在超级流畅和简洁的造型映衬下，飘逸得如同风中的丝带。

这个设计让脚部又通风又轻便。由于这种鞋子看起来就像是一条扭转的皮带，所以我决定叫它魔吉拖（Mojito，原意是施展魔法）。鞋材实际很简单。主体是碳纤维，碳纤维能提供鞋子必须的支撑强度，也很有弹性感。碳纤维板接触皮肤的一面贴着皮革，鞋底的一面贴着橡胶。三种材料，各司其职。

独一无二的腕表，结合复杂机械、精湛工艺和出自近乎鬼斧神工之手的蓝宝石水晶表壳。融合传统制表和现代制表元素的设计并加以创新，完美到位的细节处理，精湛的抛光拉丝处理技艺，让这款表不论从整体还是细节上都十分与众不同。

太空是一个非常恶劣的环境。你需要足够妥善的保护，方能抵御强大的加速度、危险的热核辐射、极端的温度波动和意外碰撞的长期风险，最终在险境中求生。

将Horological Machine No.6 (HM6) Space Pirate腕表专为应对恶劣的太空环境设计，让您在手腕移动的方寸之间亦能操作自如。

HM6的“生物形态”表壳拥有四个球形角，每个角都是一个360°球体，顶部和底盖装饰有透明的半球形蓝宝石水晶镜面。腕表正面下端是垂直旋转的两个半球形指示器（与引擎成90°角），并且通过大尺寸、高清晰的数字显示小时和分钟。腕表正面上端是两个球形涡轮，通过自动上链摆陀机制扩增齿轮驱动，进行水平旋转，可自动调节上链系统，在极速的情况下以减少压力和磨损。

中央圆顶内含一个60秒飞行陀飞轮，是HM6腕表引擎精准度的调校器。飞行陀飞轮功能强大，而且外观精妙绝伦，为腕表更添视觉美感。半球形水晶球体顶端没有设置上层支撑桥板的空间，而飞行陀飞轮也无需上桥板支撑，这正是“功能忠于形式”的又一典范。

但是，面对来自太阳热核辐射所造成的损害，航天飞行器的透明圆顶——甚至是手腕上的航天飞行器——能提供给驾驶舱的保护仍然微不足道。所以Space Pirate有一个可伸缩的半球形钛合金防护罩。防护罩关闭时可阻断引擎润滑油过早氧化所产生的有害射线（尤其是紫外线）。通过操作9点钟位置的表冠，一眨眼的工夫便可打开/合上防护罩。

HM6 Space Pirate顶部透明圆顶为下方巧夺天工的引擎带来无比美妙的视觉享受。蓝宝石水晶玻璃底盖下清晰可见高度复杂的机芯，机芯经过三年的艰苦研发，由475个精工装饰的零件组成。晶莹剔透的底盖显示窗下，部分上链机制和高级950铂金上链“战斧形”摆陀一览无余。

当Horological Machine No.6柔和的曲线和凸出的“眼睛”仿佛来自外星的友好生命体，坚不可摧的骨骼源自航空等级的Ti-6Al-4V钛合金表壳，这种优异的材质可抵御400°C以上的高温。钛合金支架横贯外壳中央，加固结构并支撑表耳。

HM6拥有轻盈的钛金属表壳和圆润的球面角，与您的手腕浑然天成，为您带来舒适的佩戴感觉。

HM6 Space Pirate 最初的灵感来自于一部Maximilian Büsser童年时所钟爱的日本动画片:《太空突击队》（英文名为《Captain Future》）。动画片里有一架名为“Comet”的太空船，船体前后两端为两个大小球体，中间由连接管组成。Büsser想象将两架这样的太空船合并，于是，Space Pirate就此诞生。

Horological Machine No.6的圆润曲线在视觉上带给人更加柔和的感觉，在外观形状上比之前的几款腕表也更加符合“有机设计”的理念，其灵感源自生物形态主义艺术运动，而后者以生命机体形状为设计元素的基础。

因为需要面对无比艰辛的技术挑战，HM6的引擎开发耗时长达三年。显示小时和分钟铝合金半球形转盘指示器的材料取自一块实心铝，加工打磨成纸片般轻薄，围绕红宝石轴承旋转。转盘垂直旋转，与运动平面呈90°角，由于所需的齿轮系和传动装置极其复杂，因此在腕表制造中极为罕见。

由MB&F为专门HM6开发的中央飞行陀飞轮高悬于机芯上方，让人过目不忘。因为蓝宝石水晶玻璃拱顶的空间极其有限，无法容纳标准平衡摆轮的上层支撑桥板，因此才会选择如此精妙复杂的调节装置。

通过一个可伸缩的球形防护罩，飞行陀飞轮可防止紫外线辐射的侵害，紫外线会导致擒纵装置和机芯中润滑油的氧化。通过操作表壳左侧的表冠，即可打开伸缩球形防护罩，六个重叠弯曲的叶片顿时将陀飞轮包裹在内。这些叶片如纸片一样轻薄，须由实心钛合金加工打磨而成。

腕表上有两个涡轮，每个涡轮由15片曲形叶片组成，由实心铝块打磨加工成为半球形状。专门设计用来扩增旋转圈数的齿轮传动系统驱动自动上链摆陀转动，然后将动力传至这些涡轮。当（空气）摩擦力呈指数（平方）增加时，犹如旋转速率调节功能。大部分情况下，由于手腕高度猛烈的活动，导致上链开始旋转过快，而此时涡轮的空气摩擦力迅速增加，有助于抵消旋转速度过快，并减少磨损。

如此自成一格的机芯结构理应备受期待，几乎每一个部件和机制都是从零开始，专门为Horological Machine No.6精心研发，所得成果自然不言而喻。

HM6 Space Pirate的外壳来自航天用Ti-6Al-4V 五级实心钛合金。此钛合金的化学成分除钛以外，还包括6%的铝，4%的钒，以及不超过0.25%的铁，和不超过0.2%的氧。如此高端科技打造的钛合金自然轻盈坚固，具有极高的耐腐蚀性和低热导。高强度的钛合金对于超现代的表壳而言自然是最佳之选，除此之外，还须耗时100小时进行抛光打磨及缎面处理，方能成就Space Pirate玲珑有致的曼妙曲线。

钛合金条纵跃于表壳正面之上，围绕表壳中心的半球形显示窗形成一个圆圈。腕表背面的钛合金条则水平固定于水晶底盖显示窗的中心金属圆盘之上，既能加强表壳的整体完整性，还可支撑自由移动的表耳。

HM6固定于表壳枢轴上可上下移动的表耳使表带紧贴手腕，轻盈无比的钛合金表壳和以及完美贴合手腕形状的球形角，即使是再纤细的手腕，佩戴起来也确保舒适无疑。

Horological Machine No.6的表壳曲线采用“有机设计”风格，来自于二十世纪早期的“生物形态主义”艺术运动，即艺术模仿自然界与生俱来的形状，以及自然生物与鲜活生命的形态。“生物形态主义”的表达方式在艺术领域中得到了极大的发挥，例如野兽派创始人马蒂斯的杰出画作《生活的享受》 (The Joy of Life);在建筑领域也能看到这一艺术形式，例如高迪设计的巴塞罗那圣家堂（Sagrada Família）；而当代的生物形态设计则可体现在Marc Newson等设计师的作品中。但德国工业设计师Luigi Colani则是此艺术风格的翘楚，很少有人可以拥有与之比拟的影响力，或对生物动力形式充满同等的激情，他的作品涵盖了汽车、家具、电子、钢琴，甚至连小小的圆珠笔也凝聚了大师的设计风格。

蓝宝石水晶圆拱形镜面

腕表装饰了精美绝伦的十个蓝宝石水晶镜面：其中四个角的时间指示和涡轮机分别装饰了两个圆拱形镜面（正面和底盖），中央的陀飞轮也上下装饰了两个镜面。因此，Space Pirate可谓成功征服挑战。每个镜面皆由蓝宝石水晶块加工打磨而成。除钻石以外，蓝宝石水晶块是最坚硬的天然矿物，这种材质需要极其尖精的技术方能加工成各种复杂的形状。

每一块蓝宝石水晶内外用金刚石钻具巧妙打磨加工，打造成具有均匀厚度且形状完美的圆拱形镜面，须知丝毫的厚薄不均都可能造成光线畸变。加工后的圆拱形镜面须进行半透明磨砂，然后内外高度打磨抛光，直至晶莹剔透。

官方网站：https://www.mbandf.com/

波西米亚(Bohemian)，原意指豪放的吉卜赛人和慵懒派的文化人。波西米亚风格代表着一种前所未有的浪漫风情化，民俗化，自由化。追求自由的波希米亚人，在浪迹天涯的旅途中形成了自己的生活哲学。波希米亚不仅象征着流苏、褶皱、大摆裙的流行服饰，更成为自由洒脱、热情奔放的代名词。浓烈的色彩、繁复的条纹设计，会带给人强劲的视觉冲击和神秘气氛。

波西米亚是时装界的表现风格，因为波西米亚人行走世界，服饰自然就混杂了所经之地各民族的影子：印度的刺绣亮片、西班牙的层叠波浪裙、摩洛哥的露肩肚兜皮流苏、北非的串珠全都熔为了一炉。令人耳目一新的“异域”感也正符合了当代时装把各种元素“混搭”的潮流。

在意大利，有很多巴洛克风格的建筑，甚至政府办公楼都是巴洛克风格的，和那些歌特式大教堂形成鲜明对比。这些应用在建筑，服饰上的风格经过理念的迁移也是可以用在产品上的，充满民族特色的波希米亚风格可以在家居上有广泛的应用。

波西米亚风格，总体感觉上靠近毕加索的晦涩的抽象画和斑驳陈旧的中世纪宗教油画，还有网络上风行一气的“玫瑰灰”便是这种风格的基色—-波西米亚已不仅仅是南斯拉夫一个山区的地名，也不是简单的流苏、涂鸦概念。安娜·苏因推出一系列专为夏天节日时穿着的服装，从而领导了这一场T台民族服饰革命。这股风潮就席卷全球，从圣保罗到巴塞罗那的T型台上全都呈现出同样一幅景象：无一件衬衫不被赋予花草、珠串、拼贴的华巧，无一条长裙不搭上流苏、荷叶边和彩色裤袜。

波西米亚风格：指一种保留着某种游牧民族特色的服装风格，其特点是鲜艳的手工装饰和粗犷厚重的面料。层叠蕾丝、蜡染印花、皮质流苏、手工细绳结、刺绣和珠串，都是波西米亚风格的经典元素。波西米亚风格代表着一种前所未有的浪漫化，民俗化，自由化。也代表一种艺术家气质，一种时尚潮流，一种反传统的生活模式。波西米亚服装提倡自由和放荡不羁和叛逆精神，浓烈的色彩让波西米亚风格的服装给人强烈的视觉冲击力。

多褶大摆裙、蜡染印花、皮质流苏、手工细绳结、刺绣和珠串，神秘华丽的波西米亚风格将你装扮成丛林精灵，如敏感灵动的小鹿，摸不着、抓不住、猜不透，野得潇洒自在。现实生活中，如麋鹿般，印花、蜡染的宽松裙装，繁琐层叠的首饰搭配，浪漫华美的波希米亚风情让许多明星少了冷漠距离感，多了份优雅与亲切。

浪漫是波西米亚风格的关键词，它源于东欧、吉卜赛、墨西哥的着装风格。它的魅力，源自它暗藏的叛逆，小小的不羁。当你随意在领口半露香肩，就会性感无限；手工绳结的流苏做包饰，就会带些流浪的味道了。

波西米亚的装扮，逃不了一条打满粗褶细褶的长裙，它可以是纯棉的、粗麻的、砂洗重磅真丝的，可以是镂空设计的、缀满波西米亚式绣花的、加上婀娜的荷叶边的、垂垂吊吊满是流苏的，可以是布满无规则图案的、用其他风格面料拼镶的……总之它是繁复的、奢华的，无时不刻在昭示着自己独特的，它让穿上它的女人刹时间变成超凡脱俗并蔑视一切。

如果还要披上外套，那最好是一件收腰收得恰到好处的长大衣，昂贵的羊绒当然是第一选择，退而求其次便是精纺亚麻，加一条粗犷而帅气的腰带，将硬朗与柔美完美地结合起来。

还有饰品，不能不提的波西米亚饰物，要做个地道的波西米亚女郎，你最好不要放过身体上任何能披挂首饰的部位，手腕上、脚踝上、颈前、腰间，还有耳朵、指尖，别人戴一串，你戴三串，别人挂细的，你就挂粗的，这两年疯狂流行的藏饰被波西米亚女郎们引为至宝，那些发黑的银器、天然的或染色的石头，哪管它重不重、贵不贵，统统往身上手上套了再说。走动间，一定要浑身上下泠泠作响；点烟时、端起大扎啤酒时，一定要让连着戒指与手镯的链子斜斜垂下。

波西米亚风格装修设计：

奢华的另类、个性的高贵波西米亚风格的装扮，比较注重简洁随性，崇尚自由。体现为单纯、休闲，绿色植物，藤编的餐椅，镂空的装饰，典雅舒适，木制家具多保留木质本身的天然纹路并加以涂刷光泽型涂料，窗帘面料以自然界中的花朵，配色自然的条纹或纯净的白纱为主，款式简洁，自然清新。

波西米亚风格：

经典的波西米亚装扮很挑人，瘦削、棱角分明如混血女孩的人最适合这种繁琐的披挂。五颜六色的首饰以及满是绣花、钉珠、流苏等繁复装饰的皮靴、挎包，披挂在布满碎花的宽松裙上，再系上民族风情的头巾，变身吉卜赛女郎。只是注意如果想更时尚，不妨将裙子的长度变短，挑选一个波味十足的配饰，风情即现。

都市嬉皮：宽松印花短款连身裙+马甲/休闲外套
波普再现：两种不同风格印花的上下装相搭配

六七十年代，波西米亚人的服装打扮和行为方式在“反文化”群体中广为流行。无论是心里反叛的欲望，还是对“爱与和平”的向往，幻想波西米亚式流浪放纵生活的城中人，看这本杂志的大部分人也不会去流浪，所以就在今天穿的时装上寻找放纵的感觉。

波西米亚地理：

波西米亚（Bohemia）位于捷克斯洛伐克的西部地区，原属奥匈帝国的一部分，是一个多民族的部落，那里是吉卜赛人的聚集地。如今提到它，人们已很少想到真正在捷克土地上生活的波西米亚人民，“波西米亚”已成了一种象征，惹人无数联想——流浪、自由、放荡不羁、颓废……它已经成了终日奔波忙碌的都市人心中一个可望不可及的梦。

虽然吉卜赛人最早来自于印度的西北部，而波西米亚位于欧洲。但由于行走世界的吉卜赛人最后很多都聚集在了波西米亚，所以大部分文学作品里都模糊的界定：波西米亚人就是吉卜赛人也即茨冈人。他们以流浪的方式行走在世界的每个角落，从俄罗斯到印度到北非的摩洛哥都有他们的足迹和踪影，当然更多的是在欧洲。不信奉上帝的他们无拘无束地通过各种能想象的流浪人的手艺谋生，还擅长“星象占卜”和“顺手牵羊”。

从长相到性格到生活方式都绝对与众不同的波西米亚人，一直以来都是文学艺术家们乐此不疲描绘的对象。我们耳熟能详的有：普契尼的经典歌剧《波西米亚人》、梅里美的《卡门》、七十年代红极一时的印度电影《大篷车》，当然还有雨果的《巴黎圣母院》里那能歌善舞的美丽吉卜赛姑娘埃斯梅拉达。吉卜赛女人热情奔放敢爱敢恨的迷人性格在卡门和《大篷车》里的小辣椒的身上体现无遗，正如《卡门》开头帕拉扎的诗句所说：“女人是祸水，美好只二回——新婚燕尔时，命绝大限至。”

她们的打扮呢，看看卡门第二次出场的模样吧！——“她穿着一条非常短的红裙子，露出她的不止有一个破洞的白丝袜，还有一双小巧玲珑的红摩洛哥皮鞋，鞋子用火红的绸带系住。她推开披肩，让她的两只肩膀暴露出来，还显出她的衬衫上面一大束金合欢。”不用说披肩下当然还有缀着亮片的短裙。

作为西班牙舞蹈象征的弗拉门哥其实就是豪放的吉卜赛人表达自己内心喜怒哀乐的即兴乐舞形式。虽然出于对吉卜赛人的避讳，西班牙人有些不大愿意承认这种舞蹈形式，但那些黑发吉卜赛女郎身穿花色多褶裙，肩披带流苏的手织披肩，打着响指深情起舞的模样却早已深入人心。

波西米亚风格的装扮，在总体感觉上靠近毕加索的晦涩的抽象画和斑驳陈旧的中世纪宗教油画，还有迷综错乱的天然大理石花纹，杂芜、凌乱而又惊心动魄。暗灰、深蓝、黑色、大红、桔红、玫瑰红，还有网络上风行一气的“玫瑰灰”便是这种风格的基色。没有底气的人一穿上便被无情地淹没在层层叠叠的色彩和错觉中。

附注：

波西米亚的起源：

吉普赛作为一个天生流浪的民族，内心有着很强的民族性格，他们拒绝其他文化与变化，保守着内心关于流浪的一些浪漫的向往和天生的特质。Bass，并不是用来演绎南欧阳光的爵士；手风琴，不是倾诉雪原的孤独；歌声不会表达更多的无奈与苦难；你听到的永远是一个整体演奏出来的音乐，不能缺少任何部分，每一个人都在用他们的热情与疯狂抒写着他们的精神，一种属于吉普赛民族的，特别的气质。

吉卜赛人，人种名。又称茨冈人。茨冈人一说在不同的地域有不同的叫法，英国人称他们为吉卜赛人，法国人称他们为波希米亚人，西班牙人称他们为弗拉明戈人，俄罗斯人称他们为茨冈人，阿尔巴尼亚人称他们为埃弗吉特人，希腊人称他们为阿金加诺人，伊朗人称他们为罗里人，斯里兰卡人称他们为艾昆塔卡人……而吉卜赛人则自称为罗姆（Rom），在吉卜赛人的语言中，“罗姆”的原意是“人”。

波西米亚风格和不同的艺术或学术社群产生关联，并且被用来当作以下这些人物、环境或情况的普遍形容词：在《美国大学辞典》中将 bohemian 定义为一个具有艺术或思维倾向的人，他们生活和行动都不受传统行为准则的影响。

保守的美国人经常将波西米亚人和毒品以及自陷贫困连结在一起，然而，过去一个半世纪以来许多最有才华的欧洲与美国文学名家都拥有波希米亚气质，因此如果列出一张波希米亚人名单的话会变得非常冗长。甚至像巴尔扎克这样的布尔乔亚作家都会赞同波希米亚主义，尽管大部分的布尔乔亚并非如此。事实上，波希米亚和布尔乔亚常常被视为是相反的团体。在大卫·布鲁克斯（David Brooks）的《天堂里的布波族》（Bobos in Paradise）一书中描述了这两个团体彼此碰撞的历史，以及现代波西米亚和布尔乔亚融合在一起之后产称的一个新兴上层知识阶级——布尔乔亚波西米亚人，简称为布波族。

波西米亚的意思是任何你可以随意地生活与工作，而且行事不落传统的地方，一个能达到心灵自由的社区。19世纪与20世纪初在许多城市中都有兴起过波西米亚社区：德国慕尼黑的施瓦宾区（Schwabing）、法国巴黎的蒙马特区和蒙巴纳区（Montparnasse）、美国纽约市的格林威治村、苏活区、旧金山的北滩区（North Beach）以及之后的海特-艾许伯里区（Haight-Ashbury）、英国伦敦的切尔西区（Chelsea）和费兹罗维亚区（Fitzrovia）。现代的波希米亚社区包括有中国的大理、泰国的清莱、尼泊尔的加德满都、荷兰的阿姆斯特丹。

“为我设计的衣服辩解让我很不舒服。”——薇薇安·韦斯特伍德

薇薇安·韦斯特伍德向来不按常理出牌，她的设计作品如此，行事风格亦是如此。

四五岁的时候，薇薇安·韦斯特伍德就突然明白了些什么。“我第一次看到耶稣受难的油画时，就失去了对我父母的尊重之心。忽然间，我意识到成人世界里尽是残忍和虚伪。”那时候，她住在奔宁山脉脚下一个名叫丁特维斯特尔的小村庄里，父亲在华氏香肠厂工作，母亲在当地的一家蔬菜水果商店帮忙。“我觉得我的父母骗了我，他们只跟我讲圣婴耶稣，却不告诉我在他身上发生了什么。”

此时此刻，我们正在薇薇安·韦斯特伍德帝国位于巴特西总部的办公室四层，围坐在一张到处是胶水、剪刀和图纸的桌子旁边。她身着剪裁精美的细条纹套装，耳环摇曳生姿，妆容也比平时更浓，她解释说，这是为了摄影师拍起来好看。“我会告诉你们我还是个孩子的时候是什么样子，”韦斯特伍德女士说道，“我是个挺好的人，精神头很足，还很喜欢读书。我对童年的印象就是，别的孩子不怎么关心别人的苦楚，但是我关心。”

已年逾花甲的韦斯特伍德女士，不仅是英国最受欢迎的时尚设计师，更是各种话题缠身——为人母，身家数百万，不着内裤就兴高采烈地去接受女王授衔，获得夫人的封号，高高兴兴地嫁给小自己二十五岁的男人。然而，有一样不会改变：她不同于绝大多数人的时尚品味。“我就是觉得自己在跟循规蹈矩、整齐划一作斗争，”韦斯特伍德女士如是说。

仿佛是为了印证这一点，她公然宣称：“我要说的话听起来可能有点恐怖。我们正在走向毒气室，我说的是毒气室不是浴室。我们都要被杀死了。人类面临着大规模灭绝的危险。”

韦斯特伍德这种反乌托邦的理论的形成要追溯到好几年前，那时她开始读詹姆斯·洛夫洛克的著作，这位环境学家因为提出盖亚假说而名声四起，他认为地球的运转就像是一个巨大的活器官。

洛夫洛克认为，过去的两百年中，人类排出的大量二氧化碳导致沙漠以惊人的速度像地球的两极蔓延。“我一直觉得我们的环境有大问题，”韦斯特伍德女士说道，“但是我没有意识到问题这么紧迫。詹姆斯·洛夫洛克的书里写道，到本世纪末地球上将只下剩十亿人。”这就意味着到世纪末会有六十亿人死去。“他把这个称作自然选择。我认为他是极其伟大的天才，可以跟达尔文或者爱因斯坦齐名，但是比他们更不可思议。”

基于对洛夫洛克著作的阅读，韦斯特伍德女士声称，一旦全球平均气温水平超过了某个临界点，就会失去控制的呈螺旋趋势上升。“如果气温上升了两度，那么就会发生多米诺骨牌效应，它还会上升五度十度乃至更多。最终，如果以巴黎的水平为标准，那么低于这个水平的地区将不宜人类居住，”她警告说，“就没有人再去弗洛伦萨了。”

我们此次与韦斯特伍德女士会面是因为，步入古稀之年的她刚刚宣布将为凉爽地球组织（Cool Earth）捐赠一百万英镑善款。工党下院议员弗兰克·菲尔德于2007年成立了这个热带雨林组织，该组织致力于阻止之前描述的那种可怕的未来成为现实。韦斯特伍德女士此举将她过去三年来对公益慈善的参与推向了顶峰。去年，她为该公益活动专门设计生产了20张桌布，每张桌布售价1000英镑。不过这些漂亮的桌布真能拯救地球吗？

世界上的公益组织那么多，为什么韦斯特伍德女士单单挑中了凉爽地球组织？我提出了我的疑问。“我就从我对整个世界的看法谈起吧，”她说，“资本主义制度向地球、其他有价值的商品以及劳动力索取利益。在这样的制度下，富人更富，而穷人更穷，摆脱这种状况的唯一方法或许就是发展。然而，发展意味着透支未来，这会让情况越来越糟糕。我们要改变道德伦理观念，改变现有的财政制度，改变我们对世界的全部看法。这个世界应该是让人们好好生活下去的世界，就是可以持续发展的世界，而不是让人们活不下去的世界。”也就是说，60多年前，小薇薇安眼中的那个虚伪、残忍并且充满谬见的世界，不一定会成为我们人类的命运。

难道我们如今的首要任务不是把银行家钉在耻辱的十字架上？或许这样我们就能拯救热带雨林？“看上去金融危机和气候变化没什么关系，但是它们其实是相互关联的，”韦斯特伍德女士回答，“我们总是任商人们为所欲为，而人们见识了太多的错误做法，已经麻木不仁了。一个人的力量是有限的，所以我决定把注意力集中在热带雨林上。”九月，她发布了她2012年春夏的“红牌”（品牌名）系列时装，同时呼吁大家支持她募集700万英镑善款的宣传活动。“我们必须今天开始行动，明天就来不及了，”她随后说道，“过去的四十年来政府一直在讨论拯救热带雨林，但是现在热带雨林只剩下一半了。”

这次的宣传活动名为“灭绝，毫无乐趣可言”（当然这还需要个副标题：“去问问渡渡鸟就知道了。哦对了，你问不成了。”）如果你登陆宣传活动的网站（nofunbeingextinct.org），花3英镑就可以拯救三棵树。这项活动就是为了羞辱世界银行的此前做法：2008年，世界银行募集了600万美元（约合390万英镑）用于解决乱砍滥伐问题，然而却自己侵吞了90%的善款。根据凉爽地球的数据，目前为止，该组织仅支出了1500万美元（约合1000万英镑），并且全部在管理部门和顾问的监管下完成。

韦斯特伍德女士对凉爽地球组织的支持，仅仅是她进化为政治激进主义者的诸多行为之一。她还长期支持全国公民自由理事会（Liberty，全称National Council for Civil Liberties）和核裁军运动（CND），但是近年来，她似乎下定了决心要支持所有的公益事业。她最近更新的博客就显示出她种种激进行为的蛛丝马迹：为难民委员会募集善款，在《泰晤士报》上宣布对环保者的支持，参加团体运动——旨在使明年举办的伦敦奥运会不适用塑料袋，转载来自肯尼亚Uaso Nyiro小学校长的感谢信，感谢她捐赠的书籍，还在后面加上她的个人评论：“这所小学1992年就成立了，但是一直都没有图书馆。现在他们有了，还命名为‘薇薇安·韦斯特伍德图书馆’——太棒了！”

但是，一面为拯救地球而奋斗，一面又为自己设计的消费产品（不可否认确实非常漂亮）要价颇高，这么做是不是有点自相矛盾呢？“我和安德列亚斯（全名安德列亚斯·科伦泰勒，时尚设计师，1992年同韦斯特伍德结婚），一直努力追求产品的质量，而非数量，”她回答道。去年九月发布新一季时装的时候，她曾说道，我们应该六个月内不买衣服。当然，这肯定能让销售人员急得搓衣角。不过或许不会，因为她还说：“我的意思就是，买衣服要少而精。”这就好像在暗示说，你应该花大价钱买一条韦斯特伍德设计的裙子，而不是定期到普里马克买一推车的廉价货。

“为我设计的服装辩解让我不舒服。十五年来我都非常讨厌时尚时尚。”为什么？“因为时尚不是什么智力劳动，我想要读书，而不是制造时尚，尽管我擅长这一行，但这并不是我的全部。”1979年在伦敦奥林匹克公园，她和马尔科姆·麦克拉伦一起合作完成了她的第一场时尚秀，也就是在那是他们发布了海盗系列时装，该系列后来成为了新浪漫主义装扮的典范。“我看着这场秀，真的很着迷。觉得自己做成了一些事情。”之后的职业生涯里，她再也没有找到做这场秀的那种激动和兴奋的心情，但她还是重新爱上了时尚设计：“目前我从事的工作让我很快乐，因为所有事情正在相互契合。”就算到了八十岁，她也不会考虑退休。“我真的想要继续下去。”她暗示说她的丈夫可能不会，尽管“安德列亚斯正在思考他的立场，他是个完美主义者，压力会很大。”

上个月，她又将支持投向那些圣保罗教堂外占领运动的游行示威者。她到那里告诉每一个愿意听她讲话的人，他们应该到伦敦的艺术廊去，成为反对资本主义、消费主义和庸俗主义的自由战士。为什么这么做？“这必须跟消耗同时进行，如果你去了艺术廊，那么你不仅仅是在投入精力、时间等等，你也在收获。热爱艺术的人可以抵御住外界的宣传鼓吹。

四年前，她撰写了一份长达22页的宣言，言辞怪诞而兴高采烈，其主旨是要将人们从平庸中解救出来，被人们称作“积极抵抗”。文中她引用了奥尔德斯·赫胥黎的话，三种邪恶的事物折磨着这个世界——民族主义的偶像崇拜，永不消停的娱乐行为和有意为之的谎言。曾经她一度认为娱乐是其中最邪恶的（她不看电视），而现在，她的观点发生了改变。“其实有意为之的谎言才是最糟糕的，它成为了人们必须消费、或是政客们言之有物的准则。”

但是为什么占领运动的抗议者们应该到国家美术馆门口排队去看莱昂纳多？“因为艺术或许是对我们所居住的这个世界的无声批判，将我们的世界同并不存在的美好世界进行对比。伟大的艺术总是会让我们扪心自问，一切是不是可以更好？”

据韦斯特伍德女士自己说，她坚信艺术对革命的影响力，而这种信仰源于两件事：首都中心地区以外的成长背景，以及同麦克拉伦（去年死于癌症，享年64岁）的关系。“我成长的地方文化非常有地域特点，我不知道古典音乐和美术馆。17岁的时候我们全家搬到了伦敦，我开始试着去更多的了解这个世界，觉得自己真是太蠢了。”她进入艺术学院学习时尚和金银首饰设计，学习了一个学期。为什么去学院，而不是去大学满足她对知识分子生活的热情？“我想跟男人找乐子，所有的怪胎都去了学院。”

离开艺术学院之后，薇薇安·斯怀尔（薇薇安·韦斯特伍德出嫁前的原名）嫁给了一个工厂学徒，德瑞克·韦斯特伍德。1963年他们的儿子本诞生了。而这场婚姻仅仅从1962年持续到1965年，以她与麦克拉伦的相遇而告终。当时的麦克拉伦是一名情境主义学生，同时也是激进分子，后来成为了性手枪乐队的经理。那时韦斯特伍德在一所小学当老师，同时也自己制作一些珠宝，拿到波托贝洛的市场去买。麦克拉伦哪里吸引了她？“他来自葡萄牙-犹太的混合家庭，受多国文化影响，他的迷人之处在于他仿佛总是知道正在发生什么，而我毫无头绪。”1967年，他们的儿子乔伊出生了。

麦克拉伦和韦斯特伍德的标志性时装精品店在国王街开业了，安全别针、拉链、撕口和紧身裤，这些颠覆性的设计大受机车族、性工作者和恋物癖的热捧。“设计朋克系列的时候，不是我的主意而是他的。我真的很想做点什么帮忙。我对人权很感兴趣，我开始反对皇室，因为在我看来，女王就是虚伪的象征。”

而如今，韦斯特伍德对授予她封号的女王要更宽容些。“如果你的政府正在做很可怕的事情，比如支持秘密引渡航班，你怎么办？我们不一定非要指责女王，没准儿她也不是虚伪的象征。我不是民族主义的爱国者，但是我喜欢皇室所做的事情，他们赋予了英格兰人民统一的身份。我不是说她修养很差，不过或许是很差，谁知道呢。”

她把查尔斯王子看作志趣相投的同志：“他做了数不胜数的事情，也确实设置了种种标准。他为圭亚那和挪威两国牵线搭桥，达成了一项热带雨林协议。他知道人之所以为人，就是因为我们能够通过文化表达自己的感情。

就在韦斯特伍德女士让我尝试到一种新体验之前（一位夫人亲吻我的嘴唇作为告别吻），她为《卫报》的读者提供了一些建议：“试着不再匆忙度日，试着去参与，去观赏艺术，你将会成为一名自由战士，将会为一个更好的世界工作。”这是你对自己的看法吗，我问道。“我知道什么吗？”她微微一笑，“我不过是个时装设计师。”

[VIA:译言]

消费者真的是不再喜欢大logo了么？“去logo”只是奢侈品牌的一种新策略。品牌就像朝三暮四故事里的养猴人一样，有logo和没logo其实是一样的，销售的东西还是那堆“桃子”。品牌只是用“去logo”告诉消费者：你们品位提高了，所以你们可以买这些新产品。

一提到Louis Vuitton，你的第一反应就是LV字母交织的Monogram印花以及深色的Damier Canvas方格。但，Louis Vuitton正在减少这种款式的宣传。Gucci、Coach这些曾经以logo印花为卖点的品牌，也正在推出“无logo”的款式招揽顾客。

Logo时代已经一去不复返？

2013年3月，巴黎时装周的Louis Vuitton秀场，人们的目光，除了集中在超模偶像Kate Moss那一身宛如睡衣的透视长裙上，还有创意总监Marc Jacobs的那句宣言：“Louis Vuitton的Monogram和Damier Canvas系列今后将不会出现在T台上。”这家奢侈品巨头将会越来越淡化其商标的影响。

这个转变是Louis Vuitton背后的大老板，LVMH集团董事长兼首席执行官Bernard Arnault的新品牌策略。在此之前，阿诺特已经宣布，Louis Vuitton今后不会新开更多专卖店，而是将重点放在推出更具奢华性的产品中，与此同时，还将减少交织字母在品牌出现的频率。尽管Logo印花手袋类的产品目前占到Louis Vuitton全部产品的三分之二，但Louis Vuitton今后将逐年减产，并把重点转移到更为高端配以特色皮革的产品。于是，6月，我们通过非官方途径，看到范冰冰携带着一些没有logo印花的Louis Vuitton Alma手袋的照片。以这位女星在中国民众中的影响力来说，这样一只手袋会成为新一款的“it bag”活跃于更年轻的奢侈品消费者圈子。事实证明，Alma手袋的确也是在Louis Vuitton产品线中今年卖得最好的款式。

Louis Vuitton并不是第一家有意向去Logo化的奢侈品牌。三年前，Gucci就开始了对“双G” Logo产品的减产，在刚刚上市的Gucci 2013早秋手袋系列中，早已不见logo的身影，竹节包被设计成方方正正的样子，竹节手环成了最显眼的标志，包身只有小小一行字“MADE IN ITALY”，以及更小的一个复古字体的“Gucci”；以显眼格纹作为视觉元素的Burberry则宣布，要在近80%的产品上去掉标志性的格纹图案；而Coach也宣布要减少logo产品的占比，并招来了Loewe的前设计总监、2006年赢得英国时尚大奖年度最佳配饰设计师的Stuart Vevers。

Gucci集团首席执行官Patrizio di Marco也在接受采访时承认Logo时代已经一去不复返，他表示，如今和未来的奢侈品市场消费者的购买行为已经不再依赖Logo和商标名字，在如今和未来品牌要想突围必须依靠完整性和价值。

这些曾经以logo为卖点的奢侈品品牌在皮具市场上的“转型”，并非巧合，而来自于残酷的“市场数据”：Louis Vuitton所属的LVMH集团和Gucci所属的PPR集团一季度的财报都显示，这两个最重要的奢侈品在中国的销售增长都是低个位数，相反，Prada、Bottega Veneta等logo不明显的品牌增长非常高。

“低调的奢华”是一种新需求

新富阶层的眼光更加挑剔，相比那些热爱Logo的老一代消费者来说，他们把目光转移到品牌低调、独特性和高品质性上。
普遍的分析认为，奢侈品品牌的去Logo化，与中国的消费习惯发生改变不无关系。

中国的奢侈品消费者，正在变得“成熟”。一批“更具辨识力”的消费者成长起来。被称作“富二代”的消费者们，有过欧美的生活经历，他们用从西方习来的时尚品味把自己和消费大logo的“暴发户”区分开来，并教导自己的父母如何“更有品味”的消费奢侈品。而集中在北京和上海的都市金领，也用一些“有思想”“有内涵”“看上去更聪明”的品牌来武装自己。他们是真正意义上的全球奢侈品消费者。他们的眼光更加挑剔，已经从以前对品牌的Logo热爱，转移到品牌低调、独特性和高品质性上。

奢侈品牌意识到，不能再简单粗暴贩卖自己的logo，而需要兜售他们的“文化”、“历史”，才能让新一代的消费者忠诚。Chanel在中国多次举办“文化展”，把自己的手袋和夹克变成一种“文化符号”，大谈女性主义、自由以及“低调的奢华”来赢取消费者的青睐。Prada以现代艺术、文化批评等文艺腔斩获了知识新富们的认同。Celine用极简主义和朴素实穿的款式赢得了金领女性的喜爱，那些看上去没有logo富于“设计感”的手袋引起抢购热潮。“品位”成为奢侈品牌们的新卖点。

新富阶层在谨慎的挑选品牌，让自己和“大众趣味”区分开。曾经在国内假货市场风靡的Louis Vuitton的Speedy手袋系列、Chanel的CF翻盖包被新一代奢侈品消费者“剔除”出了购买名单，Maison Martin Magiela、Alexander Wang、Celine、Jil Sander、Givenchy、Saint Laurent Paris这些更彰显个性的品牌被他们推崇。

而像Rick Owens这样冷僻的先锋设计师，在中国也拥有一批忠实用户。Joyce、I.T等买手店向Rick Owens提出的订货申请正逐年增多，上海新天地的By居然成为该品牌全球订单量最大的买家之一，这促使这位不爱抛头露面的朋克亲自来了一趟中国，不为别的，只在调研中国市场。据某零售业内人士透露，几个小众设计品牌坐在一起核算盘点来自中国的订单申请，竟算出了大陆有6、70家店正在或期望贩卖先锋设计的店铺。这个国际范围内都隶属小众甚至是微众的市场，在如今的中国，却赢得了一块想到大的“蛋糕”。

“炫耀”因为“去logo”而消失了么？

“一个富人圈子里，有朋友穿了这些，自己也就一定要赶一赶潮流。”

如果以浪漫主义的角度来看，选择设计师品牌、挑选小众奢侈品是因为设计师独特的个性吸引了独特的消费群体，形成了一个建立在理解与欣赏基础上的小型生态链，而事实上，在中国并非如此。

上海买手店Tips店主尹佳圣的VIP客户名单，里头大多是明星与富二代。据他介绍，如今穿衣炫富的方式早已有了进阶版，着先锋派设计就是其一：“我不认为他们对这些品牌的文化有何兴趣。品牌小众没关系，他们主流的牌子照样买。而一个富人圈子里，有朋友穿了这些，自己也就一定要赶一赶潮流。当然，现在也有越来越多的客人希望多了解品牌，”他补充道，“但那也是因为这个当下正热门，有个说头嘛。”另一家买手店By的王建说话则更直接：“那些时装编辑和先锋品牌爱好者们，往往没有消费力，又或是只盯着一两个最顶端的牌子买，力求把钱花在刀刃上。我只想做顶尖客户的生意，他们一年的置装费可能高达一千多万，既买Louis Vuitton、Chanel，也会来买我们家的东西，他们根本不在乎什么先锋概念，你告诉他们这些是好货，他们自己也觉得穿着似乎有些与众不同，就立马买走了。”

奢侈品进中国之初大多带着资本主义奢华方式的炫耀，所以最初的购买者也多带有“炫富”色彩。“去logo”只是一种潮流的消退、“审美疲劳”。20年以来我们需要“双G”和“Monogram”来凸显“我有钱”、“我有名牌”，当大众已然熟悉这些之后。潮流先锋者需要另一种显示身份的工具，这时候他们倾向于选择一些“小圈子内的心领神会”，那些所谓“看不出logo的品牌”。

Maison Martin Margie、Celine被媒体热捧的品牌，有几个中国消费能明白它们的“解构”和“廓形”呢？对于他们来说，这些设计不是“无logo”，它们只幻化成“四个针脚”和“囧脸包”，他们只是用新的方法来武装自己，这和20年前购买大logo的名牌是同构的：他们虽然没有买那些大logo，但他们依然希望自己购买的奢侈品能够被辨认，这种“辨认”不是来自路人，而是来自他们的阶层认同。

以色列自由鞋履设计师科比·列维(Kobe Levi)是一个富有设计热情的设计师，他认为每一件作品都是一个活着的雕塑，他如果有一个很好的创意他会立刻将它在他的手工制作室里表现出来，他认为这是一项充满创意和技术力的劳动，关键在于怎么用最好的方式才能是自己的创意被表现出来。

来自耶路撒冷的鞋子设计师 Kobe Levi 将创意、艺术以及时尚结合到了他的创作当中。他的创作完全就是一个点子、一个灵光一闪，然后他就将它付诸实现的做成这些怪异造型的女鞋。最厉害的是这些鞋子除了最为展示之外，它们是真的可以穿的喔！

这次他出人意料地将鸟类演绎成女士的高档皮鞋。“鸟类系列”由三双手工制作的高跟鞋组成。设计出了具有非凡视觉效果的鞋子。

造型怪异的高跟鞋创意设计

造型怪异的高跟鞋创意设计

造型怪异的高跟鞋创意设计

Celine在巴黎时装周展出了2013秋冬系列高级成衣。设计师Phoebe Philo在本季中展现了浓郁的女性荷尔蒙气息，同时又不失半点时尚，这无疑是她成为周日巴黎秀展中最亮的明星。从大衣外套到短款上衣，从裙装再到厚重的羊毛大衣，每一件挂在肩膀上的衣衫都向我们诉说着一种质朴的高贵。与之对立的是一系列性感的裙装，裙摆柔美的打褶刚刚过膝。色彩方面，除了冬季的主打色灰黑之外，设计师还应用了柔美的浅色系——桃红、淡粉以及象牙白。

设计方面也是无拘无束，比如下翻领一粒扣的大衣，搭配无领裙装，亦或是宽大的掐腰设计大衣与裙装搭配。色彩方面，设计师Philo将色彩混搭，但却仍然能够保持视觉上的安详与宁谧。比如象牙白与白色构建起和谐的过度；奶黄色的披风与不同深度的灰色裙装和毛衣相组合；直到秀展高潮时，那一件件我们再熟悉不过的蓝白红“编织袋”经典格子。

宁静平和的外表之下，设计剪裁可并不简单。两条A字形缝合线之下是两个巨大的口袋； 无袖造型的身前以两条长长的袖子式“腰带”巧妙地在腰间打个结。一切看上去都那么时尚，并且可穿性极强，这也是设计师Philo发起的一场“女人与女人”之间的对话。

配饰方面不得不提的便是那些手包：柔软的皮革和羊毛材质制成矩形手包，模特们也是紧紧地将包贴身随性。设计师将这种手包称之为“拥抱手包”，没有什么可以比一个完美的手包更可以温暖一个女孩的心。

什么是时装周？

全世界有四大著名时装周，分别在四个国际大都市举行，她们是意大利的米兰，英国的伦敦，美国的纽约，法国的巴黎。当然了，除了四大时装周之外，还有一些其它小型时装周，国内常在上海和北京或者台湾、澳门，日本常在涉谷和原宿，都是在一些潮人比较多的时尚地区展开，非常受青睐。四大时装周(纽约 伦敦 巴黎 米兰) ，每年举办两次，分为春夏（9、10月上旬）和秋冬（2、3月）两个部分，2月份举办当年秋冬时装周，9月份举办次年的春夏时装周。每次在大约一个月内相继会举办300余场时装发布会。

贝尔道克是一个以从事服装设计为主的设计多面手，看他的样子就知道他永远都不属于那种害羞得要将自己想法封闭起来的人。他标志性的大胡子、健壮的身形，还有甚为得意的一丝不挂的个人标志，再加上他的设计——令人眩目的充满色彩和对未来憧憬的设计，种种这些表现与低调安静的安特卫普显得有些出入，但却也像是给白汤加入了一勺盐。事实上，贝尔道克用解构主义的方式为安静得有些冷酷的安特卫普增添了味道，作为比利时时尚界的资深前辈也同时影响了许多后来的年轻设计师。

Walter van Beirendonck的设计具有强大的活力和爆发力，完全不顺应传统的审美常规，并且总能源源不断地带来夺人眼球的新作。Walter van Beirendonck的设计作品充满了色彩与能量，他擅长把艺术与时装相结合，在昆虫、运动、色彩、牛仔、童话中找寻灵感。

时装设计师官方网站：http://www.waltervanbeirendonck.com/

访谈：

Q：您觉得对自己文化归属的模糊是否有助于创作？
A：归属和身份并不重要，重要的是在哪里怎样成长起来，当然受到的教育也很重要。
Q：您的作品充满了幻想和孩童般的稚趣，像梦，有时候又像童话。怎样理解它们呢？
A：我非常喜欢孩子们天真的举止。一旦他们长大，我们的社会体系就会把他们彻头彻尾地同化。逐渐地，他们就很容易失去了自己点燃幻想的能力。这就是我为什么喜欢在我的作品中表达孩子气。说实话，有时我喜欢行动做事像个纯真的无忧无虑的孩子。但也时刻提醒自己注意彼此的差别！

Q：您对亚洲文化有什么印象？有没有影响您的创作？
A：我对日本的印象非常深刻。那里的人们很了解我，了解我为什么收集玩具，了解我为什么有时像个孩子。他们也很喜欢我的服装中的图案、色彩和创作的态度，有人支持的感觉真的很好！
Q： 有没有来中国的计划？在这里您也许可以找到一些有趣的灵感，比如一些少数民族的刺绣和染布的方式，都很有意思。
A：我没有去过中国，但我做过很多和中国少数民族有关的研究。我最喜欢苗族人的服装和配饰。
Q：如果有人正在谈论您的作品，您比较期待听到哪些言论？
A：原创的、耀眼的、有力的、诚实的、越界的、有趣的。

Q： 在您的大部分发布会中，模特就像雕塑一样展示服装，很少走猫步，这是否是您独特的表达方式？
A： 动态地走秀和静态雕塑式展示我都会做，重要的是我想营造一个什么样的展示气氛。
Q：您在1985年作了老师，可否谈一下那次的经历？
A：那时是因为安特卫普皇家艺术学院安排我去替代另一个老师的课程。在做老师这方面我真的没有明确的目标或是雄心壮志。但是第一次教课我就喜欢上了当老师的感觉。总之，我一直在告诫自己：不要停下脚步，培养对自己对所从事事业的热爱。
Q：您现在一直在安特卫普皇家艺术学院教书，您对学生“好”的定义是什么？您觉得自己在上学的时候是一名好学生么？
A：我觉得是的。我们同一届毕业的同学现在是非常著名的“安特卫普六君子”。我对好学生的标准是天分、野心、信仰和耐心。
Q：可否给中国正在学习服装设计的学生们一些建议？
A：相信你的创造力，对未来充满信心的同时要耐心等待。

Q：您对成功的定义是什么？您觉得自己成功吗？
A：说不清。我不是很有钱，但是我很热爱我每天做的事情，我很开心。
Q：哪季的作品是您最满意的？
Q：服装设计师这个职业一开始吸引的你的是什么？您是怎样走上服装设计这条路的？
A：我喜欢研究有关穿着打扮的事情，我喜欢看起来与众不同。小时候非常喜欢大卫.鲍伊（David Bowie）的音乐。后来我到了比利时安特卫普皇家艺术学院学习，那时侯我知道了我想要成为一名出色的服装设计师。
Q：您对材料有什么特殊的喜好？
A：但凡是材料都能做出点名堂，但是我还是喜欢在其他的艺术设计领域而不是服装设计中探询材料的奥秘。
Q：从您开始走上设计这行到现在，您学到的最有价值的知识是什么？
A：相信自己的天赋，不断地坚持。真正的设计一开始是在为自己而做，而不是为别人做。
Q：您怎样经营自己的品牌呢？我们知道您没有任何商业运作的经验和背景。
A：把产品销售到市场上并不是一件容易的事，因为我们产品的数量不是很多。值得庆幸的是我拥有一批非常忠实的客户，他们追随贝尔道克的品牌已经有很长的时间。如果客户能处在我们的角度思考，我们就可以一起合作。但如果客户要求难以符合我们的工作规律，那就会很难。我们的公司太小，它的运行是以我的工作方式为主导的，这就是规则。能做到这样很不容易，因为结果往往是不能保证的。我在一个很小的公司结构中运行这个规则，也冒着一定的风险。

Q：您在比利时出生、成长、工作和学习，这给您的设计带来了什么不同？
A：比利时让人感觉非常舒服，在这里可以安静的工作和思考。但比利时并不封闭，这里和伦敦、巴黎和米兰离得非常近,时尚信息非常灵通。
Q：您最喜欢安特卫普哪里？不喜欢那里？
A：我喜欢安特卫普，因为这里是一个安静的小城，像世外桃源。不喜欢的是这里有时实在是过于安静了。
Q：请列出您平常生活必须的六种东西。
A：爱、美食、性、创造、音乐、艺术。

Dazed Digital：是什么样的灵感让你开始设计？
Walter van Beirendonck：主要的原因是在David Bowie’s Stardust时期，我喜欢这样的事实，因为你可以通过改变你的影像来表达你不同的想法。

Dazed Digital：80年代你在安特卫普的时候，很喜欢和Ann Demeulemeester, Dries Van Noten and Dirk Bikkemberg一起研究，那是怎样的情形？
Walter van Beirendonck：刚开始并没有意识到这是多么令人兴奋的事情。我们在一起做了很多的事情：学习，旅游，舞会，音乐会等等。我们毕业后，还曾在比利时参加演出然后一起前往伦敦。我们知道经历这些很有助于工作，但不知道它会变成什么？

Dazed Digital：在80年代中期，你的系列都展示在伦敦时装周了？
Walter van Beirendonck：我们的作品在1988年的时候又展示过，那是主要是因为想离开比利时，因为我们当时无法吸引到国际媒体，当时觉得伦敦市最好的去处，而且相对较便宜。我们六个一起诚实的走过。Ann Demeulemeester, Dries Van Noten, Dirk Bikkembergs, Dirk Van Saene, Marina Yee和我自己。在那里，我们就是“安特卫普六君子”。

Dazed Digital：你的性别和一般的性别，都会通过你的作品表现出来，你为什么喜欢通过时尚去讨论这些？
Walter van Beirendonck：我并不是说想讨论这个问题，但它是我的一部分，这是非常重要的。在我的第一本，我对艺术家艾伦琼斯感兴趣。我认为通过这些我来到了拜吴教的元素中，这并不代表我是积极的参与拜物教，而是这些元素更加的吸引我。

Dazed Digital：如果允许人们去考虑性别方面，你觉得重要吗？
Walter van Beirendonck：我很惊讶，在2010年人们仍然会对性别和性元素、种族和宗教感到震惊。在人们看来，这些差异是完全正常的，我感到很困惑，这不是每个人都这样。我想实现一个开放的视野，我想表明，社会上有很多事情在今天是可能的。

Dazed Digital：在毕业之后的几年里，你推出了著名的90年代的Wild和Lethal Lrash的标签，你觉得落后的思想是什么？
Walter van Beirendonck：野马公司的牛仔裤是我第一次建立自己街头时尚形象的开始，当我去看我的投资合作的公司是，他们很惊讶于我街头时尚的外观，我告诉他们我的想法，并希望他们能给我一次机会在公司内部建立一个青年路线。于是它开始作为一个街头的项目和像一个高端设计师路线一样结束。

Dazed Digital：它的吸引力在哪里？
Walter van Beirendonck：我觉得它是在适当的时候和适当的感觉用正确的产品。这个时期是一个关于光明的未来具有前瞻性的试验，而且它真的很适合一代人。最终，Wild和Lethal Lrash的标签还是变成了“Prada”运动时期的受害者，90年代的结束让所有的东西再次陷入黑暗之中。然而风格是微不足道的，还有尼龙和黑色。背后的公司也希望我从这方面去发展。最后，我选择走出公司，离开在我背后的一切。这是一个关于拿钱和去创造的决定。

Dazed Digital：你喜欢你觉得能找到自己的地方吗？
Walter van Beirendonck：是的，我总感觉我在时尚里有一个特别的地方，我从来没有用较传统来武装我的时装世界，但我很喜欢那个位置，有点像一个局外人。

Dazed Digital：在Walter VB系列中有很大的政治和社会因素在里面，在你的文案和图形使用当中，你的灵感来自于哪里？
Walter van Beirendonck：在比较老的系列当中，像Wild和Lethal Lrash。它确实成为了我的个人陈述，我想传达一些更大规模的想法，只有衣服的外观和年轻人的文化。我真的为了各个系列涉及广泛，我所有的设计，音乐，模特以及每场时装表演的造型都包揽了。藏品是我理想的延伸。

Dazed Digital：正在运行的系列中有你延伸的想法吗？
Walter van Beirendonck：每一个系列都有他独特的部分，以我在世界中看到的正在发生的事情为主，但在我的成分里都是差不多的。民族的鼓舞，部落和仪式不同的方式一直都保持着，像是改变了人们的时尚和性别的边界。我喜欢这种张力，也试着去影响张力。

Dazed Digital：你是否想要在男装中建立什么新的想法？
Walter van Beirendonck：我并不是说想让男人去穿女人的衣服，我只是简单的使用了男人和女人上的伦理的原理。我不想去仿造一个女人。例如，在新的系列中，我们会让男人涂上红唇和红指甲，这些被认为是女人的专利的事情我觉得很有趣，当把这些放在男人的身上时看起来也真的很阳刚。这男性的阳刚之气对我很重要。

Dazed Digital：在你的设计里以一些大的人，在T台上也有一些比较著名的同性恋“熊共同体”，是什么让你想这样做？
Walter van Beirendonck：在1995年的第一次时装秀被称为Bear和Fairy Tales。在那个时候，Bear的场景是很小的而且在欧洲还没广为人知。于是我从伦敦带了很多模特过来。我发现能展示男人的不同部分真的很有趣，因为在那个时候很多人都会用一些比较弱小的，只是一些人会用健壮的模特，真的相当吓人。

Dazed Digital：在巴黎你是否只展示近期的作品，“entitled Read My Skin”。在这个系列背后有什么灵感呢？
Walter van Beirendonck：我很茫然怎么今天每个人似乎都有一个错综复杂的背景。在安特卫普学院学习的时候，我的学生父母都有来自全世界的，他们都有着复杂的国籍和复杂的文化。我感觉是一个新的世界正在生长，在这里，每个人的国籍都被混合在一起然后产生一个新的种族。也反映相互人们可以以他们的肤色去评判。我使用刺绣和针织设计出窟窿的衣服以至于你们可以看到衣服下面的皮肤。

Dazed Digital：你认为风格和新一代联系上重要吗？
Walter van Beirendonck：是的。我明确的认为这件事是充满感激的。没有和我的读者一起得到灰色的东西。现在正和一个年轻人一起工作，是一个很重要的时装设计师。与年轻一代分享信息，但也向他们学习。

[请保留：后时代]

此后，阿黛尔(Adele)也顺利成为《Vogue》美国版2012年3月刊的封面女星！这将是阿黛尔 (Adele)，这位23岁的英国女歌手演艺生涯中所登上的最后分量的时尚杂志，同样对于《Vogue》来说也将是一次”出格“的决定，一向凡事挑剔、力求完美的美版《Vogue》主编安娜·温图尔 (Anna Wintour) 让这位大Size女歌手登上重量级的三月刊封面！

阿黛尔Vogue封面写真

阿黛尔Vogue封面写真

阿黛尔Vogue封面写真

阿黛尔Vogue封面写真

Adele UK Vogue

阿黛尔Vogue封面写真

阿黛尔Vogue封面写真

阿黛尔Vogue封面写真

阿黛尔Vogue封面写真

阿黛尔音乐>>>

贴身柔和的时装似乎与硬朗刚毅的金属材质毫无关联，但充满想象力的设计师却运用剪裁、面料创新等手法，让不可能变成服装的金属感成了潮流中最不可或缺的元素。流动曲线的设计变成了软性金属，时装梦想里，一切都是可以实现的。

在面料创新上，Giorgio Armani总是不遗余力。各类高级材质运用到面料研发，已呈现与众不同的视觉效果成了Giorgio Armani除了设计看点以外值得关注的地方。在2011春季高级定制的发布中，呈现出高度亮泽的面料配合利落流畅的廓形，仿佛金属材料直接上身，未来感十足。超越丝绸的亮度，又没有PVC等材质的硬挺，用”流动的金属”来形容这种面料实不为过。这种新型面料是在织物中加入金属丝线形成的效果，保持了挺扩的线条，又便于穿着，金属式时装变成现实。在2012秋冬高级定制发布中，向来怪诞的Iris van Herpen也有类似体现，相当夸张的廓形由充满光泽的PVC材料完成，所达到的效果就像金属线条的切割，层层包裹模特。

Giorgio Armani & Iris van Herpen

与丝绸营造的柔和光亮效果不同，金属感强调的硬朗的光感极为特殊，也相当醒目。加入到时装设计中，更能突出视觉冲击力。Balenciaga就在2012春夏系列中以更加生动的方式展现了金属式时装。带着复古未来主义的风貌，整个系列以超现实的宽版硬挺线条为主，利落的剪裁与拼贴式面料组合，达到挺扩的感觉。有着金属光泽的色块出现在这样的设计中，仿佛直接取用的某个金属材质。而立体感强烈的裙子由这样的风貌呈现，就真的好像穿着黄金制成的裙子一样。特殊材质的功力可见一斑，与Balenciaga类似的还有2012春夏的Alexander McQueen，修身设计的套装丝丝闪现夺目的金属色彩，金光闪耀的就像包裹了无数金丝线。其实这样的效果也是由加入了金属丝的面料完成的，柔软贴身，古时无敌盔甲一般的一样变成体现女性性感紧致的线条，反差美感令人印象深刻。

强调强势的Balmain在金属道路上自然不落人后，即便不用体现光泽质感，仅靠硬朗坚毅的肩部线条就足以达到金属风貌。2012春夏T台上，几款金属感的金色外套更是突出这样的风格，与之搭配的裙装把女性温柔特质隐藏起来，完全彰显了强势勇猛的都会女斗士形象。金属光泽在这样的设计中是最大的功臣。无独有偶，以性感狂野著称的Roberto Cavalli，也在这一季用一系列金色设计打开序幕。层层亮片堆叠交错，形成带有花纹的金属浮雕，高度强烈的视觉冲击让暗背景的T台立刻明亮起来，金属战衣也成了不少女星在红毯争霸的法宝。

时尚另类的金属时装

超酷的金属时装