“我总是先画三四滴眼泪，然后删去一滴，第二天再删去一滴，最后只留下一滴眼泪，但那一滴眼泪是真的非常非常悲伤。”——迪克·布鲁纳

在一个童话般的小城里；
住着一个童话般的老人；
画着一个童话般的形象；
这就是米菲兔的创造者，荷兰著名画家——迪克·布鲁纳 Dick Bruna。

迪克·布鲁纳 Dick Bruna (Hendrik Magdalenus Bruna，1927年8月23日——2017年2月17日)荷兰的著名画家。米菲兔的创造者。

迪克·布鲁纳 Dick Bruna 于 1927 年 8 月 23 日出生，拥有荷兰最大出版发行网络的父亲希望他能够继承自己的事业，Dick Bruna 虽然没有沿着父亲安排的道路走下去，但他却用自己的方式走上了类似的方向——他成为了作家、画家，把美好传播到更广大的世界，尤其是 Miffy 的诞生，也恰恰来源于 Dick Bruna 自己的父亲身份——希望给 1 岁多的儿子讲睡前故事的 Dick Bruna 从荷兰文小兔子“konijntje”的发音演变来了“Miffy”，并讲出了《小兔兔与海》的故事。

一位英国记者参观过布鲁纳的画室，说是就像走进了米菲的图画书：一切都是白色的，偶尔在墙上、沙发上，看到飞溅着的红、黄、蓝。整个画室整洁干净到极致，书和画纸排列的整整齐齐，桌面纤尘不染，笔架里的铅笔一支支笔尖削的完美，但笔的另一端无一例外被咬的乱七八糟。

即使到了七八十岁，每次他坐下来画米菲，仍然会感到一阵神经紧张。

凡是见过布鲁纳的人，都会提到他的谦逊与温和，连他说话的方式，日常生活的细节也带着米菲式的简洁与纯粹。

布鲁纳与妻子Irene de Jongh于1953年结婚，她一直是他的作品最重要的批评者，也是他的作品能否最终付印的裁夺者。他们一辈子都生活在荷兰的乌德勒支。这里是他的家乡，运河密布，街道古老。半个世纪多以来，他的财富与名气与日俱增，但他始终过着一种简单的生活，一种围绕着画画构建出来的生活。

他一周工作七天。每天早上5点或者5点半起床，为妻子做一杯橙汁，为她画一幅小画，大都与她那一天的生活有关，看医生、买窗帘…….然后，他骑上自行车，去咖啡馆，永远是同一家咖啡馆，咖啡总是提前为他准备好。上午他在画室画画，回家吃午饭。下午回到画室，处理杂事。每天晚上，他都会喝一碗汤喝一杯红酒。

童书的历史上有许许多多的兔子，但与其说米菲追随的是《爱丽丝漫游奇境》或彼得兔的传统，不如说是马蒂斯或毕加索的传统。布鲁纳年轻的时候受父命在巴黎学习出版，爱上了现代主义艺术，尤其被马蒂斯拼贴艺术的简洁所打动——“我想，如果我也能那样工作，我会非常非常幸福。”

在《米菲在美术馆》中，这可能是他著名，也最幽默的一本书，他让米菲对着他的艺术偶像——蒙德里安、考尔德、以及马蒂斯的作品陷入沉思。

漫画家布鲁纳生平——

迪克·布鲁纳，1927年8月23日,出生于一个出版商家庭。他的父亲拥有荷兰最大的出版发行网络，并希望儿子继承自己的事业。但迪克对此不感兴趣，他努力成为了一个作家和画家。1955年，他被一岁多的儿子赖着天天要讲宠物兔子的故事，于是讲出了《小兔兔与海》的故事。这就是世界闻名的米菲兔。

布鲁纳用简单的线条勾勒形象，颜色通常用一种或两种。故事情节也非常简单，通常认为8个月以上的孩子就能够接受。他还特别要求自己的书要做成小开本，因为他强调应该让孩子知道，他的书是特意给孩子的，而不是给爸爸妈妈的。布鲁纳将图画视为一种特殊的“语言”。他专门为小小孩做图画书，他的目标是让出生在任何一个语言国度的孩子都能轻易“读懂”他的书。他的图画语言采用最为简单的元素，线条单一，粗而且匀，颜色采用最简单的几种色块，最常用的是红色、绿色、蓝色、黄色和白色，而且是纯色。他追求故事简单直观，贴近生活。几个月的小孩子都能读懂他的图画故事。

布鲁纳的所有图书都是手绘的，他对颜色和线条的讲究到了十分苛刻的地步，一本小小的书，只有十几页“很简单”的画面，他却要画很长时间。他追求画面的完美无瑕。这位享誉全球、家财万贯的老人家，住在宁静的家乡小镇，每天准时骑车到工作室创作，与每一个相识的大人和孩子热情地打招呼。他是个内心十分平静的人，他的图画故事也一样。

“我从出生起，就住在乌德勒支，已经81年了，我几乎认识城里每一个人，大家也都认识我”。迪克布鲁纳在乌德勒支这座有着悠久足球传统的城市里长大，在男孩都爱踢足球的年纪，他却迷上了画画。那年，他才4岁。迪克是长子，他的父亲是荷兰最大的出版社A.W. runa& Son的老板。父亲希望迪克子承父业，二战结束后，便送20岁不到的迪克去伦敦和巴黎学习贸易。但是，迪克并没有如父亲所愿专心学业，却流连于博物馆，迷恋于立体派大师毕加索、勃拉克、莱热以及野兽派大师马蒂斯等人的作品。他尤其推崇马蒂斯，“马蒂斯在生命最后一年的画非常好，形式简单、色彩明亮，这对我的启发非常大。他是我创作的重要灵感，我从他那里学了很多创作手段。”

从巴黎毕业回来后，迪克决定违背父亲的意愿：“我对父亲说，如果您坚持让我继承家业，那将让出版社面临毁灭！”迪克在电话里夸张地模仿当年向父亲摊牌的语气。幸运的是，父亲非常开明，给了迪克一次机会，让他为出版社的图书画封面。1951年，24岁的迪克以美编而不是少东家的身份加盟父亲的公司，并为“Zwarte eertjes”系列侦探故事设计封面，也画海报。对于那段日子，迪克至今留恋，“那是一段好时光，虽然有许多活，但是我乐在其中。我努力让每个封面看起来都不同，尝试了剪切、拼贴等很多手法”。这段日子迪克打下了扎实的基本功，是他绘画生涯中重要的积累期。

“有一天我想，既然我能把封面画得很好，也许也能画好一本书”，于是，1953年迪克出版了自己的第一本图画书《苹果》，这本书和后来的米菲系列一样，非常简单，但获得了巨大成功，从此奠定了迪克专业画家的身份。

迪克布鲁纳接受采访的视频

迪克布鲁纳绘画视频

米菲兔——

米菲的诞生很偶然。那是1955年，28岁的迪克带1岁多的儿子去EgmonDaan Zee海边度假。“去海边度假是荷兰人的传统，那年在海滩边，有一只小兔子旁若无人地狂奔，那只兔子触动了我，于是每晚在儿子睡觉前，我都给他讲小兔子的故事。然后我把这些故事画了下来，就有了米菲的第一本故事集《小兔与海》。”

迪克说，“米菲的很多故事都是孩子们在日常生活中的大事小情，比如米菲有一条最喜欢的蓝底碎花裙；米菲生病了，总是很勇敢地上医院看病，直到看好为止；米菲有一只最喜欢的小熊玩具，总是不离左右；米菲第一次坐飞机、上学、过生日等等。”迪克还画了一本《米菲去露营》，送给要去露营的孙女Anne。

米菲的故事很简单，通常只有一两句旁白，《米菲的梦》甚至没有一个字。“我的书是画给孩子看的，可以给孩子们留下许多思考和幻想的空间，我希望8个月以上的孩子都能看懂我的书，并且没有语言障碍，让任何一个国家的孩子也都能看懂。”

与简单的故事相呼应，迪克用最简单的手法画米菲—一道粗黑线勾勒出米菲的轮廓，这条黑线被称为“有心跳的线条”，近距离地看，甚至能感受到画刷的不平滑；大块鲜艳、明亮的颜色填充了米菲，只用纯色，一般是红、蓝、黄、白和绿色，很少用橙色，从来不用紫色，“橙色是红色加黄色，紫色是蓝色加红色，这些颜色不够直接，我不喜欢。我要画最简单的画，颜色也是，必须简单直接”。

迪克至今仍坚持手绘，一本只有十几幅画的小书，他却要画很久。“我画得很慢，因为我从来不用铅笔或者其他工具，只用笔刷，而勾勒轮廓线必须一气呵成，才能保证线条平滑流畅。米菲看起来简单，但每一细微处都必须精准，出现一点瑕疵就得重画。”米菲的构图元素称得上极简，迪克用两只小眼睛、一张叉叉嘴这几样东西，表达出了米菲的悲伤、高兴、激动等复杂情绪。“这其实很难，稍微改变一点眼睛的角度，情绪就不同了。”平凡、简单正是米菲的魅力所在。乌德勒支建立了“米菲之家”，长期展出迪克的作品。

从 1955 年 Miffy 系列故事书推出，至今全球销量已超 8500 万本，被翻译超过 62 种语言。Miffy 的衍生还包括电影《Miffy the Movie》（2013）和各种授权的周边产品、和品牌的联名产品等等。而事实上，因为身体原因，Dick Bruna 在 2011 年就已经停止了创作，但在此之前他已经笔耕不辍 40 多年，陪伴了全世界无数小孩的童年时光。

其实，迪克还创作了许多其他的动物形象，如小狗史纳菲、波比猪、鲍里斯熊和他的女朋友小熊芭芭拉等，但只有米菲风靡全世界，对此，迪克也大呼不解：“从我一开始创作米菲，她就很受欢迎，我不知道这是为什么，我也在找答案，也许是因为她平凡，像所有的孩子一样，既会做好事，也会犯错。她没有什么特别的，就像你我，她很友善，喜欢交朋友。”

作为米菲的创作者，迪克说自己和米菲的性格很像，“我当然没有长耳朵，但是米菲身上有我的性格特征”。至今，迪克仍在创作米菲，2007年新推出了《米菲女王》。“我会继续画米菲，我依然有很多灵感和创意，我的孙子、城市、孩子们……都能给我灵感。

米菲兔诞生于1955年，是世界上最著名的图画书作家之一的荷兰画家迪克·布鲁纳（Dick Bruna）创作的经典动画人物。据说，是日本人根据它才创作出HELLO KITTY凯蒂猫的。

迪克·布鲁纳（小兔米菲之父） 她是人间最简单，最美好的兔子——

布鲁纳奉行的，是删除的艺术。一些艺术家认为，当作品加无可加时才算完成，而对布鲁纳来说，一幅图画减无可减，再无一根线条是冗余的，才算完成。 这就是简单的力量。在60多年的创作生涯中，他永远都在追求更简单、更完美的形式。

其实，我们何尝不是以同样的目光看着米菲？带着爱，带着困惑，带着不确定。那双看似无比简单的眼睛，其中神情却仿佛永远无法真正参透——那么简单，又那么复杂。

十几年前，迪克·布鲁纳（小兔米菲之父）遇到查尔斯·舒尔茨（史努比之父），相互抱怨变老的苦楚，舒尔茨说自己的手开始发抖，没法画一条平整的线条，而布鲁纳则称自己唯一的麻烦是“心的颤抖”。这是一位完美主义者的忧惧。

“一本正方形的小图画书。插图使用一种略显粗短、清晰、且温和的黑色线条，简单地描绘着动物、小孩、苹果等，色彩采用了红、黄、绿等原色，那是一种非常大胆的表达。但这种表现方式绝不生硬，反而让人感到一种柔和之美。”“这是因为一个对开页彼此协调，一面是插画占居整个画面，另一面则在白色的空间上编写文字，使得画面有安定感。巧妙的造型设计处理插图，且配以风格单纯明快的表达方式，也使幼儿很快进入故事世界。”

一个孩子在生命的最初应该阅读的图画书——事实上，这也是布鲁纳自己的心愿：“我希望8个月以上的孩子都能看懂我的书，并且没有语言障碍，让任何一个国家的孩子也都能看懂。”

米菲的简单，不仅在故事，更在语言，在线条，颜色也是用的最简单的颜色：红、黄、蓝、黑、白、偶尔用一点绿色和棕色。“之所以有绿色，是因为我需要用来画草地，仅此而已。”“至于橙色、粉红，不不，我永远不会用这些颜色。”

布鲁纳说，兔子的眼睛和嘴巴是最难画的。虽然一双眼睛就两个点、一个嘴巴就一个叉，但微妙的个性差异、情绪变化，都要靠这两个点和一个叉来传达，快乐、悲伤、一点点喜悦，一点点伤心……

布鲁纳画画从来不用铅笔打草稿，而是直接用笔刷，所以必须画的非常非常小心，一点点错误都得重头来过。所以，为了画一张好的米菲，至少要花上一天的时间。

为什么一定要这样画呢？

因为笔刷直接画出来的线条很柔软，带一点点颤抖，令画面显得很温暖。

布鲁纳还喜欢在画面上留下很多很多的空白，因为这样孩子就有很多他们自己想象的空间。

很多评论者认为，米菲的简洁中透着一种东方式的禅意，那么纯粹，宁静。就像最初在国内推广米菲的阿甲先生所言，“我渐渐能理解为什么会吸引我看那么长时间。有些画面，你就觉得是那么的舒服，说不出来是怎么那么合适。”

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

安娜苏 (Anna Sui) 品牌档案：
设计师：萧志美
公司总部：美国纽约
创建年代：1980年
产品类别：高级成衣、女装及配饰、彩妆系列。

安娜苏 (Anna Sui) 官方网站：http://www.annasui.com/

安娜苏双向度的设计历程——

萧志美 (Anna Sui) 一般大家都把这个设计师的名字翻译成安娜苏，其实，萧志美 (Anna Sui) 的中文名字和英文名字关系并不大，她姓萧名志美，虽然是第三代美国华裔，但母亲是上海人，父亲是广东人，所以萧志美 (Anna Sui) 仍是个百分之百的华人。经过几十年的奋斗，今天的萧志美 (Anna Sui) 是美国时装界炙手可热的人物之一。留着童花头、圆圆脸、黑发、笑容可掬的萧志美 (Anna Sui) 外表是颇有东方感的，但是美国的生活背景却使她骨子里面已经非常国际化了，这从萧志美(Anna Sui) 特立独行的性格中可以看出来，也从萧志美 (Anna Sui) 的设计作品中表现出来。

萧志美 (Anna Sui) 说：“我父母亲非常西化，家里没有中国式家具。我不是在中华文化环境氛围中成长，而是通过后天的接触和学习。我爱看中国电影，在那里我可以汲取更多的营养来丰富我的设计。”

70年代，安娜·苏到纽约的帕森斯设计学院深造。毕业后，苏决心要心随人愿地将其全部精力投入自己的设计中去后，在私人的寓所里购置了一台缝纫机，从此开始独闯天下。

80年代，苏古怪的、充满了古老情致的风格并不被华而不实与品牌崇拜的潮流所接纳。

90年代初期，她设计的洋娃娃式的套装正好与萌芽期的吉拉吉运动(grunge movement)相合拍。

1991年，她终于举办了第一个时装发布会。

1992年，在纽约SoHo地区的113条格林街道开了自己的时装用品商店。商店反映出清楚的口味：组合跳蚤市场家具和异想天开的玩具娃娃摆在紫色墙和红夹层的房间里。

1993年，她的小时装店顿时门庭若市，吸引了许多模特与年轻的时尚一族。从那时起，苏继续采用她的专利——那种不辨纪元与流派的折衷主义。

1996年，秋冬时装发布会上，她的一款设计灵感来自于大导演肯·罗赛尔(Ken Russell)1920年的一部片子，天鹅绒、斜纹软呢的搭配，点缀亮金属片，羽毛帽子和珠串手袋。

1997年，安娜展示了她服装以外的其他产品：在威尼斯、意大利、巴林生产的鞋、天鹅绒，丝绸，专利皮革，蛇和蜥蜴皮，及小山羊皮包。

这一年，苏启动了她的芳香美容生产线。签署了批准德国的公司经营Wella的协议。Wella与日本化妆品制造者阿尔比恩一起分享安娜的“美丽”生意，并举行了颜色化妆品和皮肤护理许可证协议签定。在协议下，WellaSui香水制造商和销售将其产品介绍给日本。

1999年，秋冬时装发布会上，回顾了1965年乡村民谣的风潮。模特们后背背着吉它，身穿印有黑白交织的格子或链环图案的衣服、阿富汗编结衫和Marimekko风格的套装。

2000年，如同彩妆系列的华丽而神秘；Anna Sui的秋冬也维持着这种她向来追求的基调。从毛料、多重纱质、丝质到毛皮，无一不是被赋予花花草草、珠串锦织乃至类民俗风的各式华巧，类叠出层次丰富的美感；荷叶边飘逸的轻纱衬衫搭上流苏及膝裙和宽腰带、高统靴、彩色裤袜，毛边短皮衣称和雪纺上衣和粗织民俗风7分裙与拼贴样式的皮靴、藏青丝巾；Anna Sui诉说的是一种女性的奔放与善变。

身为第三代华裔移民的安娜苏 (Anna Sui) 1955年生于美国底特律，父亲是建筑结构工程师，母亲是专职家庭主妇。学生时代，安娜苏 (Anna Sui) 常从杂志里将一些图片剪下来收藏，并将未来的梦想设定在时装设计上。

上世纪70年代，安娜苏 (Anna Sui) 到纽约帕森斯设计学院学服装设计，但她只上了一年，第二年就辍学了。她的理由是学校的课程非常无聊，而且浪费时间。出校门以后，安娜苏 (Anna Sui) 到一家女装公司做助理。虽然这家公司一年半以后关闭了，但安娜苏 (Anna Sui) 却因此熟悉了布料市场，她知道到哪里可以找到最好的材料，以及什么是最好的价钱。

之后5年里，安娜苏 (Anna Sui) “跳槽”了多家公司，学习了各种各样的服装设计和布料知识。1980年，她制作了4款服装，并展示在服装店里。不久，她从著名的梅西和布朗明黛尔百货公司获得了订单，“安娜苏 (Anna Sui) ”这个品牌开始建立声誉。

到上世纪80年代，时装设计界遇到了重大变革，那就是无论在正式宴会还是在其他场合，人们不再从头到脚穿同 一个设计师设计的服饰。不久，时装界又开始流行复古风。安娜苏 (Anna Sui) 意识到她的机会来了：“我马上感觉到，这是我最拿手的设计，我相信我会走运的。”

1991年安娜苏 (Anna Sui) 首次公开发布时装秀，并在纽约开设了第一家精品店。1996年，安娜苏 (Anna Sui) 在东京设立亚洲第一家精品店，并在日本掀起紫色旋风。精明的日本人从安娜苏 (Anna Sui) 的风格中看到了商机，伊势丹集团最终与安娜苏 (Anna Sui) 达成协议，授权艾伦比亚公司研制安娜苏 (Anna Sui) 品牌化妆品。1998年，安娜苏 (Anna Sui) 化妆品正式在日本诞生。

安娜苏 (Anna Sui) 的产品具有极强的迷惑力，无论服装、配件还是彩妆，都能让人感觉到一种抢眼的、近乎妖艳的色彩震撼。时尚界因此叫她“纽约的魔法师”。她最擅长从纷乱的艺 术形态里寻找灵感，作品尽显摇滚乐派的古怪与颓废。在崇尚简约主义的今天，安娜苏 (Anna Sui) 逆潮流而上，设计中充满浓浓的复古色彩和绚丽奢华的气息。不过安娜苏 (Anna Sui) 服装华丽却不失实用性，它可以让时尚的都市女性发挥自己的无限创意，随心组合，以展现独特的个性魅力。

安娜苏 (Anna Sui) 的时装洋溢着浓浓的复古气息和绚丽奢华的独特气质，大胆而略带叛逆，刺绣、花边、烫钻、绣珠、毛皮等一切华丽的装饰主义都集于她的设计之中，形成了她独特的巫女般迷幻魔力的风格。

从彩妆开始，安娜苏 (Anna Sui) 又在近年陆续推出了香水、保养品等产品，产品线越来越完整。除了紫黑色，安娜苏 (Anna Sui) 产品的色彩也越来越多样化，如蜜果系列保养品、金色包装的底妆系列、美白系列商品等。不过安娜苏 (Anna Sui) 对紫色的偏爱仍随处可见，她在彩妆与服装上大量运用紫、红、黑色，整个专柜也是浓郁的深紫色，一切宛如沉浸在紫色的浪漫之中。

安娜苏 (Anna Sui) 的产品包装也通常以她最喜爱的蔷薇花为主题，神秘的紫色搭配全黑花纹，并含有天然花香。安娜苏 (Anna Sui) 本人认为，这些充满趣味和迷人色调的彩妆系列，不管是化妆品还是容器都很可爱。她说：“我相信把它们一一收集排列，也会成为一种时尚。”

有许多人都把这个设计师的名字翻译成安娜·苏，其实，她的中文名字和英文名字关系并不大，她是姓萧的。这个百分之百的华人（母亲是上海人，父亲是广东人），现在是美国时装界炙手可热的人物之一。虽然她是第三代的美国华裔，但是毕竟是中国人，我们也有理由为她骄傲。

生活背景

和许多大师级的人物一样，她在童年时期就显露出了非凡的设计天分，她最喜欢做的事情之一是为自己的娃娃和邻居孩子的娃娃设计服装，为它们打扮。她的设计天分可能来自于母亲的艺术基因的遗传，她的母亲曾在巴黎读过艺术专业。在最初的阶段，ANNA SUI有一本剪贴簿，里面贴着自己的“大作”，她还称之为“天才档案”。

这个小女孩后来进入美国著名的帕森设计学院就读，在那里找到了自己志同道合的伙伴，这就是史蒂夫(Steven Meisel)，两人的合作对ANNA SUI的发展是非常关键的因素。

留着童花头、圆圆脸、黑发、笑容可掬的ANNA SUI外表是颇有东方感的，但是美国的生活背景却使她骨子里面已经非常国际化，这从她特立独行的性格中可以看出来，也从她的设计作品中表现出来。

设计生涯

她的设计生涯的真正起始点应该说是在设计学院学习的时候，谈到当时的感受时，她说：

“我在做一些我孩提时代想穿的那种衣服。生长在底特律，得到的东西是有限的，我总在试图重新捕捉小时候从杂志上看到一些肖像时的那种兴奋感，这种感觉激发了我无穷的创造力。”

在正式推出自己的系列之前，她作为一个自由的设计师，也作为一个配合摄影师的风格造型师，为时尚媒体提供自己的新颖创意，这段时间虽然还是默默无名的，但是积累了大量的工作经验，也形成了自己独特的风格。

ANNA SUI推出自己的第一个系列，只有6件作品，但是立刻就有订单跟进。她的风格非常务实，在真正举办自己的发布会之前，她对市场已经了如指掌，也有相当程度的商业敏感度，所以，她的风格虽然非常前卫，但是商业运作的部分却是一点也不马虎的。

第一次个人时装发布会是在1991年推出的，有浓烈的嬉皮风格。1992年，她就开设了自己的工作室，只不过2年以后，她就获得了纽约设计师协会颁发的佩里·艾力斯奖。

现在，ANNA SUI已经拥有服装、服饰配件、化妆品、香水、家居用品等系列产品，并在世界的许多地方有专卖店。她非常注重对亚洲市场的开拓，事实证明，在亚洲她的影响力也非常深刻。

品牌风格

安娜·苏的魅力在于她的妖艳无人能及。第一眼看到安娜·苏，你会被那抢眼、近乎妖艳的色彩震撼，更会迷醉于她独特的，蕴涵巫女般迷幻魔力的GLAMROCK风格之中。其服装华丽又不失实用性，让时尚的都会女子发挥她们未经启发的无限创意，容许她们随心所欲自由组合，展现她们的独特魅力，张扬个性。

安娜·苏最擅长于从大杂烩般的艺术形态中寻找灵感：斯堪的那维亚的装饰品、布鲁姆伯瑞部落装和高中预科生的校服都成为她灵感的源泉。她所有的设计均有明显的共性：摇滚乐派的古怪与颓废气质。这使她成为模特与音乐家的最爱。

与时装界名人如时装摄影师斯蒂文·梅瑟(Stephen Meisel)，超级模特纳奥米·坎贝尔(Naomi Campbell)、史麦生·帕姆金品牌旗下的詹姆士·艾哈(James Iha)一样，对曼哈顿俱乐部情有独衷的安娜·苏时刻赶超流行风潮。她用摇滚乐海报装点她的小店，贴满了店内以天鹅绒织锦作墙布的墙壁。闪闪发荧光指甲、珠光宝气的服装和超细高跟女鞋组成了完整的配饰。

品牌识别

安娜·苏的设计大胆，而且略带一种毫不在意世俗的眼光，这和她叛逆的性格不谋而合，在简约自然主义领导时尚潮流的今日，安娜·苏却逆流而上，她的设计中洋溢着浓浓的复古气息，和绚丽奢华的独特气质：刺绣、花边、烫钻、绣珠、毛皮等一切华丽的装饰主义都集于她的设计之中。

她选择以代表强烈欲望的紫色来包装其化妆品系列，以黯紫色为主色的包装，周围布满了红艳的蔷薇，像极了70年代妩媚的面粉盒；复古俏丽的化妆品系列让城中女子爱不释手。

品牌故事

拥有中国与美国血统、身为第三代华裔移民的安娜·苏1955年生于底特律，还在小小年纪时，她已经将梦想设定在时装设计上。

Anna Sui相关产品：彩妆 化妆品 手袋 香水 女装

走进Anna Sui的世界，你能够体验到一种时尚界前所未有的创造之旅。她将古典与现代流行融合在一起，创作出摇滚与古典繁复统一的风格。无论Anna的灵感源自维多利亚时期的牛仔、波普艺术大师沃霍尔还是芬兰的纺织印刷品，她对文化的深刻理解都能清晰地折射出来。她说：

“我一旦对什么东西感兴趣，就想知道有关它的一切。我需要知道它背后的东西。我太享受这个过程了!”

Anna对新点子和挑战的不懈追求和探索使她始终能够处于时代的前沿。她是一位真正的时尚先锋，设计师和编辑们都追随着她的脚步。充沛的精力和天才的创造使她的时装发布会始终都能够成为纽约时装周的亮点。

Anna Sui的经历是一个典型的美国式的成功故事。她说：“你必须追随自己的梦想，即使它们看上去不切实际。这个来自底特律郊区的小姑娘怎么可能在纽约打出一片天下？一切全靠这个梦想。”

如今，Anna Sui在5个国家共开设有32家精品店。她的设计在30多个国家的300多家商店里销售。Anna对时装设计的始终充满热情。在四岁时，她就立志当一名时装设计师，并已经开始为自己做衣服了。她采用一种非常严谨的方法将手艺的学习与独特的想法结合起来，例如，发誓同样的衣服一年内绝不穿两次。她说：

“我完全着迷了。我不知道我的父母如何受得了我。”

高中毕业前，她被位于纽约的Parsons设计学校录取了。在那里学习两年后，Anna和朋友Steven Meisel联手为几家运动服装公司做设计工作，然后，她于1980年推出了第一批自己设计的作品。

Anna Sui的业务在整个20世纪80年代继续拓展。1991年，她举行了首场时装发布会。第二年，她在Soho的格林(Greene)大街上开设了第一家旗舰店。该精品店融合了维多利亚时期的黑色家具、紫色墙壁、娃娃头以及摇滚乐海报，形象地反映了Anna Sui的装饰风格，这已经成为ANNA SUI所有精品店的模式。20世纪90年代末是Anna Sui高速成长的时期。她将业务拓展到东南亚地区，并取得了巨大的成功。在那里，她迅速地拥有了一大批拥趸。她还发展了化妆品、香水、鞋子及配饰合作者。她对细节的关注体现在她的每一件产品里，所有产品都与她的世界密切相关。她那代表性的彩装包装盒和香水瓶甚至已成为收藏者的最爱。

Anna Sui以痴迷于她所热衷的事物而闻名。她对摇滚乐的痴迷使她设计的服装十分适合摇滚巨星，她发布会的现场音乐是每个时装季最令人期待的事情之一。她是一个购物狂，这使她成为每个城市最佳购物地方面的权威。她热衷于室内装饰，她位于纽约市的公寓真可以说是一场视觉盛宴。她追随着自己的灵感，继续不断地创造着。她与她的梦想同在。

但颜色与质感不是Anna Sui安娜苏彩妆的一切，它最令人为之疯狂的，是那精致奢华、优雅独特的黑色雕花容器。盒盖上精雕细琢、永不凋谢的蔷薇花图腾，已成为玩家的收藏品。

Anna Sui产品识别：
大部份都是三码批号 例如：K61。其中第一个字母 K 代表产地。
第二个数字 6 代表月，月份的表示为:1 2 3 4 5 6 7 8 9 A B C，共12个月。
第三个数字 1 代表年
所以K61是2001年6月制造的
至于5码, 依序代表 厂 货 月 年 批。也就是说只需看最后三位。
适用于：EL集团旗下所有产品：包括EL、CLINIQUE(倩碧)、MAC、BOBBIBOWN、LA MER、ORIGINS(品木宣言)等。
注意：Anna sui(安娜苏)虽然不属于EL集团，但标识方法是一样的。

Anna sui香水：

Anna Sui Dolly Girl 娃娃头瓶子是Anna Sui著名的人体模型的复制品，香氛传达出夏日水果的愉悦，包括佛手柑、西瓜、苹果、肉桂等让人垂涎欲滴的滋味，衬着绿叶的味道，彷佛微风吹过夏日树梢的清凉。充满青春挑逗与浪漫的香水核心是木兰、紫罗兰与玫瑰、白铃兰、茉莉和马缨丹花的精华。“洋娃娃”以温暖性感的旋律结尾，琥珀结合麝香与树莓、维提味香草与柚木，围绕挑逗着感官。

Anna Sui Dolly Girl Bonjour Lamour 无可置疑的，ANNA SUI Dolly Girl洋娃娃恋爱了，因为这全新的诱人香调绝对令人无法抗拒！香甜灿烂的果香、清新跃动的花香调随著肌肤的？暖更添热情。就好像Dolly Girl洋娃娃拜访了她最喜爱的厨师，与他一起精心挑选清新柑橘及丰盈多汁的水果，以巴黎最浪漫的鲜花作装饰，调制出最完美的佳肴。

Anna Sui Dolly Girl Ooh La Love Anna Sui推出新款限量时尚香氛Dolly Girl- Ooh La Love 我爱洋娃娃！ 延续著洋娃娃女香复古的中国风，我爱洋娃娃更显得神秘而典雅！

美国时装设计师Anna Sui鬼魅娃娃的缔造者————————

她是曾经令Karl Lagerfeld 大感好奇的美国时装设计师，但在中国，可能有很多人是因为彩妆和香水而认识了她的名字。Anna Sui，摇滚乐爱好者，家具收集癖，自从1991 年做了自己的第一场发布会之后，她就不断地将自己所喜爱的新元素融入设计当中。而她的彩妆和香水也同样折射出她那别出心裁、自成一体、包罗万象的世界，并在过去10 年中为她获得了空前的成功。

Anna Sui 精力充沛，爱好广泛。她是一个摇滚乐爱好者，即便在普通日子里她也喜欢盛装，同时她还是一个著名的收藏癖。在她的公寓里堆满了她搜集的家具和各种什物，有时候为了自己的新兴趣，她甚至会装修一所新公寓——她刚入住不久的一所房子，就是以1940 年代美国室内设计师DorothyDraper 的风格为蓝本，用黑色、白色和金色营造出好莱坞老电影的奢华氛围。

在Anna Sui 的内心深处住着一位仍在学校里写学业报告、充满好奇心的小女孩。每一季她都会找到新的兴奋点，做出大量研究，并且将其融入到自己的设计当中。她9 月份刚刚发布的09 春夏系列受到了美国1950-1960 年代的著名室内设计师Alexander Girard的影响，呈现出丰富多彩的墨西哥风情，有几条裙子的灵感来自于Girard 当年的工作伙伴Marilyn Neuhart 所制作的民族风格布娃娃——这些娃娃也是她的藏品。

“我可能很喜欢某样东西，但并不真正了解它，假如我把它融入新的系列当中，就必须要深入研究，这样就能学到更多。我很喜欢这样。”Anna 说。她惯于在搜集材料的过程中获得各式各样的新发现。在为上述的新系列寻找配色方案时，她发现了西班牙画家戈雅的几幅很有意思的画作。“我很喜欢他的画风，你在我的设计中可以找到这些画的影子。”正如很多设计师所做的那样，她试图以积极乐观的新季色彩为沉浸于经济不景气的愁云惨雾中的人们带去一抹笑容。

摇滚风格，洛可可，童话色彩，盛放的玫瑰，好姑娘和坏姑娘……比起不少同行来，Anna Sui 那别出心裁、自成一体的个人风格显得更容易理解，尽管它同时又仿佛包罗万象，很难用一两个词语概括出来。而完美地归纳了她的世界的与其说是一两句话，不如说是彩妆和香水这一大获成功的事业。在中国，大多数人更是先知道Anna Sui 的那有如古董的黑色散粉盒，其后才了解到她是个时装设计师。

1997 年，在时装界获得瞩目的Anna Sui 与德国Wella AG 公司（现在是宝洁高档化妆品部）签订了一份香水协议。在一份三方协议中，宝洁与拥有Anna Sui 彩妆和护肤品授权的日本化妆品制造商Albion 分享了AnnaSui 的美容产品业务。根据该协议，宝洁公司将生产并销售Anna Sui 品牌的香水，而Albion 则负责将Anna Sui 化妆品在日本的生产和销售。P&G 将把Anna Sui 品牌的香水出售给Albion，让Albion 在日本境内销售，而Albion将把Anna Sui 化妆品出售给P&G，让P&G 负责在日本以外的国家和地区销售这些产品。1999 年，Anna Sui 同名香水和彩妆系列诞生——浪漫的蝴蝶，魅惑的蔷薇花，娇俏可爱的洋娃娃，这些甚至比产品本身更诱人的浪漫包装令品牌获得了极高的辨识度。AnnaSui 把化妆品变成了时髦女孩生活中不可缺少的装饰品，让普通的梳妆台因一款洋娃娃香水或一个蜜粉盒而成为通往魔幻花园的入口。

事实上，早在1992 年Anna Sui 在纽约Soho 区格林大街（Greene Street）开设自己的第一家精品店时，她就采用了与后来包装彩妆和香水产品相同的方法。她找到许多自己所喜爱的洛可可风格家具，并把它们全部涂黑。“我们自己油漆家具。我弟弟赶来帮我安置音响和挂海报。”她说。她当时的做法与通常那些Soho 设计师用昂贵面料、定高价的方式有点不同，这恰巧有助于她很快地瞄准客户群。16 年以来，她所做的就是把自己的心灵世界事无巨细地展现给世人，而她的彩妆和香水与她的时装和精品店一脉相承。“我的产品包装大都受到我的公寓和店铺的影响。”她坦言。她将自己喜欢的洛可可家具风格注入香水瓶和包装，并且用她最爱的玫瑰花和蔷薇花来装饰。她起居室里的墙纸变成了护肤品的包装——银色背景上的牡丹花图案。而香水Sui Dreams有个古董式样的银色瓶盖，其灵感是来自于Anna 本人的浴室。

这些同样出自Anna Sui 的奇想世界，而价格比起时装来却便宜得多的产品，面世10 年来为她赚得??言。每年两季成衣秀、大量雇员以及在销售方面的投入几乎全部来自化妆品的销售。这种状况可以说是当今时装界的常规，几乎所有时装屋都在靠化妆品、香水和配饰赚钱——Coco Chanel 当年在No. 5 香水上的成功为每个设计师都上了一课。而Anna Sui 是所有采用这一手法的品牌当中最成功者之一。由于进入的时间较早，身为华裔设计师的她更是在亚洲市场获得了巨大的知名度。而在如今金融危机的背景之下，用相对价廉的化妆品来保证收入，更是各大品牌维持生机的好办法，就连时装王国Giorgio Armani 也正在将更多注意力投入到彩妆和香水上来。

“我觉得有一点很重要，那就是每件Anna Sui 的化妆品都能够折射出我的世界。”Anna Sui 说，“当然，我的主要注意力还是在时装上，但是有的人可能喜欢我的设计却买不起，或者他们想买却没有场合穿，我想你可以从唇膏上获得与服装同样的兴奋感，因为它们都来自于同一个世界。我觉得我的工作就是让每样东西都像我的时装一样激动人心。”

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）1932年生于芬兰，于 1954 年至 1957 年求学赫尔辛基的 Institute of Industrial Arts，并在 1962 年成立个人工作室，从事室内设计与工业设计。

阿尼奥官方网站：http://www.eeroaarnio.com/

他的许多作品享誉全球的国际知名度，并获得许多工业设计奖项。例如，他在 1963 年设计了著名的 Ball Chair，这是张以玻璃纤维制成的球形椅子；很快地这张椅子被大量地制造生产。而玻璃纤维，成为 Aarnio 设计时最喜欢使用的素材。其它代表作品还包括有糖果椅（Pastil Chair）、蕃茄椅（Tomoto Chair）和极富未来感的泡泡椅（Bubble Chair），是波普风格爱好者不可不知的设计大师之一。

60 年代初，芬兰最大的家具企业 Asko 公司请 Aarnio 设计一种塑料椅以求改变公司多年以木材为主的传统面貌。1962 年夏天， Aarnio 用新闻纸和浆糊作原材料，在藤编家具启发下，设计出一种适于塑料制作的面貌全新的坐具造型， 1963 年至 1965 年间， Aarnio 用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球体”的看似航天舱的坐椅，并在 1966 年科隆家具博览会上一夜成名。从圆形的球状体中挖出一部分或使它变平，可以形成一个独立的单元座椅，甚至形成一个围合空间。这是 Aarnio 的基本创意手法。 Aarnio 完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使他的“球椅”成为一种时代的象征。

艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）是芬兰著名设计师，当代最著名的设计师之一。他丰富多彩的事业为人们提了种类繁多、高质高量的作品。因为创造了许多享誉世界的设计作品，艾洛·阿尼奥成为自20世纪60年代以来奠定芬兰在国际设计领域领导地位的重要建筑师和设计家之一。他的设计大都有浓厚的浪漫主义色彩和强烈的个人风格，宛如来自灵幻的童话世界。

来自藤条篮子的灵感

艾洛·阿尼奥的第一件重要的家具设计问世很早。1954年夏天，艾洛·阿尼奥拜访了他的未婚妻毕乐柯的家乡，并在那里开始学习编织篮子。这种编织技术在亚洲国家非常普遍，但在芬兰，篮子主要是由盲人来编织的。当艾洛·阿尼奥完成一个篮子的时候，他并没有按照正常的位置摆放它，而是把篮子颠倒过来，从而他发现颠倒摆放的篮子不失为一个很好的座椅。藤条凳在美国市场上的名字是“蘑菇”，之后的1967年，香港开始生产玻璃钢系列座椅，因在形状、尺度、功能上都类似藤条凳，所以，它被命名为同样的名字。

阿尼奥自20世纪60年代开始用塑料进行实验，他作出了一个重要的决定，告别了由支腿、靠背和节点构成的传统家具设计形式。与自然纹理木材相反，他用鲜明的、化学染色的人造材料使人们得到了很大的乐趣。阿尼奥的令人兴奋的塑料创意设计，特别是球椅（1963）、香皂椅（1968）和泡沫椅（1968），不论是以前还是现在，这些作品都被广为拍摄和宣传使用，并被赋予了时代精神的特征。 Aarnio用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球体”的看似航天舱的坐椅，并在1966年科隆家具博览会上一夜成名。他从圆形的球状体中挖出一部分使它变平，可以形成一个独立的单元座椅，甚至形成一个围合空间，这是Aarnio的基本创意手法。Aarnio完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使他的“球椅”成为一种时代的象征。

球椅取得的成功促使阿尼奥的一整套塑料家具系列的诞生。随后又出现了VSOP椅、泡沫椅，尤其是一年后的香皂椅。香皂椅，在美国又称为Pastil或Gyro椅，从某种程度上说，它是小型化的球椅。在产品的基本构成方面，香皂椅比以阿尼奥自己所设计的Ball椅为代表的极少主义的座椅还要简洁，也比斯堪的纳维亚的同行们设计的作品简单得多。这种无腿的座椅全部用玻璃钢加固的聚脂纤维制作，只在两个部分进行锻压，它具有现代艺术的特色，还幽默地表现出糖果或泡泡糖的形状。此外他还用上了糖果常用的明快色彩，包括柠檬黄与淡黄绿。香皂椅是阿尼奥设计理念上的又一杰作，同时也是他对现代家具的第二项重要革新，是他早期家具设计中的另一种全新模式。

事实上，阿尼奥很早就显示了他赋予传统材料新设计理念的能力与兴趣。同时，他还偏爱奇异的圆形。在意大利，阿尼奥设计的由钢材、夹板和皮革制成的扶手椅获得了大型国际家具设计竞赛的大奖。

反映产品本身的“愿望”

艾洛·阿尼奥承认，他所设计的产品不仅仅表现在功能方面的实用，同时也反映了产品本身的“愿望”。就如球形本身就符合了大自然的造物意愿一样。用尽量小的消耗取得最大的功效，大自然总比人类做的要好得多。阿尼奥认为材料和技术的革新都会开创新的设计道路。

艾洛·阿尼奥对塑料的热衷一直延续到了20世纪70年代，那时他首创了西红柿椅。同样，以圆形为主要设计元素的西红柿椅有点像球椅和香皂椅结合的产物。而后，他又设计出了Upo022和Upo023，这两者均是以塑料为原材料的折叠椅。但是，这一时期最具创新精神的当数Pony座椅。继球椅和香皂椅后，Pony座椅是阿尼奥为现代家具设计所奉献的又一设计创新。

Pony座椅是一件成熟的产品，是由柔韧性聚酯冷凝泡沫包在金属骨架外面构成的，椅子的表面材料是流行的丝绒。这个设计使得产品就如材料一样舒适、有趣。艾洛·阿尼奥认为，只要它对人体功效没有危害，对工作环境有益，一个座位甚至可能会是一匹又小又柔软、你可以骑在上面或侧坐在上面的小马。Pony椅有一个由模具做的泡沫身体、脚和耳朵，它们都由管架连接，所有的部分都用弹性布料装上软垫。它们的颜色有白色、黑色、橙色、绿色、棕色和红色。Pony椅是阿尼奥带给家具业的又一惊世之作。通过该椅的问世，阿尼奥声称家具设计可以有各种各样的灵感，包括来自动物的。设计师往往会在模型制作过程中产生更多的想法。就拿Pony椅来说，你可以正儿八经地骑着它，也可以把它当做凳子一样坐在上面，还可以把它当做椅子，因为它的两只耳朵这时成为一个很特别的靠背。当然更不用说孩子们可以把它当做玩具来玩耍。

在艾洛·阿尼奥看来，设计与自然之间没有任何差别，设计师可以从我们周围的世界里获得各种各样的灵感。Pony椅就是他这种设计哲学的一个很好的例证。

使艾洛·阿尼奥颇为高兴的是，20世纪90年代人们开始怀念和提倡一种开始于50年代后期，一直发展延伸到70年代的创新设计，尤其是那些与所谓的“太空时代”联系在一起的设计。阿尼奥的设计并没有仅限于椅子，他还设计了许多更加有趣的玻璃钢产品模型，例如：Copacabana桌子系列、螺丝钉桌子系列与方程式椅。阿尼奥设计了近十年的摇椅出现在2001年赫尔辛基的家具博览会上。

艾洛·阿尼奥的创作是一种不知疲倦的发自内心的本能，他深信艺术与设计之间没有任何不同。因为他认为，不论是艺术还是设计都意味着更新与再调整的不断发展。

Aarnio: “A chair is a chair, is a chair, is a chair … but a seat does not necessarily have to be a chair. It can be anything as it is ergonomically correct. A seat could even be a small and soft Pony on which you can ‘ride’ or sit sideways.”

20世纪60年代的芬兰，在产生功能主义设计大师库卡波罗的同时，还出现了一位把“以艺术为本”作为家具设计出发点的浪漫主义设计大师艾洛阿尼奥(Eero Aarnio，1932一)，这两位设计原则恰恰相反的设计大师同时出现于一个以有机的功能主义为传统的国家，后者时常被称作北欧学派的“叛逆”人物。阿尼奥的高度艺术化、及时体现时代气息的家具作品，虽不能列入家具设计的最经典之作，却也是20世纪现代家具设计史中不可或缺的珍品。人表现出对不寻常艺术语言的追求，这种情况在60年代表现得尤为明显。

阿尼奥比库卡波罗早一年毕业于同一所大学，但晚至1962年才开办自己的设计事务所。除家具设计外，，他对摄影和平面设计也有很深的造诣。阿尼奥最初的家具设计取材于传统题材，尤其是源自中国的藤编家具，但很快，他的设计由于对最新材料的使用而发生突变。60年代初，芬兰最大的家具企业阿斯科公司请阿尼奥设计一种塑料椅以求改变公司多年以木材为主的传统面貌。1962年夏天，阿尼奥用新闻纸和浆糊作原料，在藤编家具启发下，设计出一种适于塑料制作的面貌全新的坐具造型，1965年制造了一系列用脱色藤料手工制作的蘑菇状椅子和凳子。

1963—1965年，阿尼奥用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球椅”的看似航天舱的坐椅，并在1966年科隆家具博览会上一夜成名。这种用玻璃纤维塑料制成的球状壳体在前部开口，内部铺软垫，在外观上给人以强烈印象的同时，令使用者有一种太空旅行的不寻常感受。阿尼奥在此完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使他的“球椅”成为那个时代的一种象征。在以后的几年他以同样的合成材料和设计构思又创造出一系列的艺术家具，其命名本身就能令人想像出这些设计的视觉效果。如“香锭椅”、“泡沫椅”和“蕃茄椅”。后者是一种红色塑料制成的看似三个蕃茄的休闲椅，表明阿尼奥在70年代初向“波普”设计的转化。

1968年，阿尼奥在科隆博览会上展出他的第二件最著名的作品“香锭椅”，再次引起轰动。阿尼奥对色彩的大胆运用和对有机造型的持久偏爱，创造出将传统椅子设计中的座、架、腿等要素融为一体的新型坐具，最典型地反映出六七十年代自由浪漫的生活气息。阿尼奥的这批家具在室内外均可布置使用，而“香锭椅”更能表现出它对完全非正统的坐姿的倡导。从某些特定意义上讲，这件极不寻常的椅子能给坐者提供特殊的舒适体验，如一位评论家所言：“你坐在上面可以不用站起来而任意调整姿势，而这种家具永远不会损坏你的地毯。”7阿尼奥设计的意义早已超出日常使用的范畴，它们时常被选中用作戏剧或影片中的道具，80年代的阿尼奥事实上成为第一批为电影设计家具的设计师之一。

北欧设计大师阿尼奥作品欣赏：

阿尼奥在1968年设计了Pastil椅，这个椅子典型地反应了美国六、七十年代自由浪漫的气息。因此他获得了美国工业设计奖。《纽约时代》评价球椅和Pastil椅时说：“这是支撑人体的最舒适的一种形态。”Conran设计辞典说：”它看上去是一篇具有时代特点的文章,从Barbarella拿来的道具”。

当你不再受到思维禁锢时，童话便诞生了，同样，设计也是打破常规的思维游戏，著名芬兰设计师艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）那些童话般的杰作与他这句常被人引用的话无疑都证明了这点，他说：“设计不就出现在当椅子不再是椅子的时候，又或者桌子成为照明的时候吗？”

阿尼奥在1971年设计了西红柿椅。西红柿椅显示了他如何利用圆形。人们的第一印象是这个椅子很复杂，但是再看是会发现它是由三个直径相同的圆巧妙地组合起来的，其中两个是扶手，一个拉伸出来成为舒适的靠背。甚至将一个四分之一圆颠倒过来使之成为座席。当人们从不同角度观看西红柿椅时，会发现它更象一个雕塑品。因为Pastil椅和西红柿椅阿尼奥赢得了国际声誉。这些椅子在室内和室外都可使用，它们在水中还能浮起来！

阿尼奥在1968年还设计了泡泡椅，它是由压可力和镀铬钢制成的。艾洛.阿尼奥解释泡泡椅悬挂在天花板上的原因是因为没有一种合适的底座能配上这个椅子。这是阿尼奥再一次设计出象球椅一样风格的椅子，这种椅子将座椅子的人陷进去，即使是房间中有很多人，也能营造一种隔离的感觉。“乒乓” 是Asko公司起的名字。美国的进口商称它为泡泡椅。

当家具成为童话

作为当代最著名的芬兰设计师之一，艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）的设计为20世纪60年代以来芬兰在国际设计领域的领导地位奠定了重要的基础。带着浓厚的浪漫主义色彩和强烈的个人风格，这位充满想象力的家具设计师用梦幻构筑起了那个时代最轰动的设计：一个用于休息的宇宙舱（球椅），一只空中漂浮的肥皂泡泡（泡泡椅），一堆带着糖果色彩可以摇晃的豆荚（番茄椅），等等。这些作品至今依然宛如来自灵幻的童话世界，令人惊喜。

“就像在月球上散步，这是大脑里的一次旅行，”阿尼奥谈及设计时这样说。与北欧家具习惯使用传统带自然纹理的木材材料不同，阿尼奥在设计生涯之初便使用塑料进行试验，使那些鲜明的、化学染色的人造材料给人们带去很大的乐趣。更为大胆的想法则是，他告别了由支腿、靠背和节点的构成的传统家具设计形式，开始了以仿生为基础实验，他的所有作品都能令人联想起一件自然界常见的动植物，或者生活中用到的普通生活品。

60 年代初，芬兰最大的家具企业 Asko 公司请阿尼奥设计一种塑料椅，以求改变公司多年以木材为主的传统家具面貌。 1962 年夏天，阿尼奥用新闻纸和浆糊作原材料，在藤编家具启发下，设计出一种适于塑料制作的全新的坐具造型，后来阿尼奥用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球椅”的看似航天舱的坐椅，并在 1966 年科隆家具博览会上一夜成名。

从圆形的球状体中挖出一部分或使它变平，可以形成一个独立的单元座椅，甚至形成一个围合空间，这是阿尼奥的基本创意手法。这项设计不仅具有耀眼的外观，使用起来也很舒服，它能令入座其中的人长时间的保持放松，因此被称为“房间中的房间”。它提供了一个港湾，一个平静而私密的休息氛围，而阿尼奥也完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使“球椅”成为一种时代的象征。后来，爱立信公司还推出了在球椅“舱”体内安装电话的新版本，球椅更加风靡世界。它在《唐米》（Tommy）、《迷惑》（Dazed and Confused）、《月亮零二》（Moon Zero Two）等电影中出现，还被用在《囚禁者》（The Prisoner）等电视节目以及无数的广告拍摄与宣传之中。

Eero Aarnio Screw Table

螺杆桌是在1991年设计的。将一个巨大的螺丝钉作为桌子这种想法对于象阿尼奥这样一个多才多艺的人来说很自然，因为艾洛.阿尼奥的工作包括工业设计、家具和建筑设计。螺丝钉在每间房间中都使用，并且大多数是隐藏的，为什么不把它们作为可以看见的物体呢？将它们放置在起居室和阳台的一角，或者是将它们做得高一些后在自助餐厅、咖啡厅和酒吧中使用。不论在何处玻璃纤维和金属光泽都会使见到它们的人眼睛为之一亮。

当设计改变行为

1960年代把人类放入宇宙，给女人穿上迷你裙。波普艺术与崇尚思考自由的青春文化奏响了这个时代的主旋律，也影响着时尚的方向，改变了人们的生活方式。以阿尼奥为代表的这个时代的家具设计师则采用现代材料——泡沫、塑料、玻璃纤维与充气黑胶，把社会现实演化为大胆的造型，这些家具边缘圆润、着地柔和、色彩波普，不仅改变着人们生活的习惯，也开始影响人们观察事物的方式。

1968年的泡泡椅就是这么一件令人心动的家具。由于一根结实的绳索悬挂，它的姿态十分性感，清晰的透明丙烯酸球体令坐在这个半空摇篮中的人全部暴露在外，当时阿尼奥说他只想让泡泡椅比球椅的内部空间有更多的自然光，从而更便于阅读，如今，他则认为这个1968的设计是他设计中最聪明的一个。泡泡椅主体部分用不太昂贵的模子铸成，一薄片清澈的丙烯酸材料被用高温进行软化，然后平铺在中间有洞的特殊桌面上，当用一根钢索拉紧并支撑起薄片后，空气流入洞口，丙烯酸像被吹鼓起来。“像吹泡泡一样，”阿尼奥说。

虽然是被“吹”出来的，然而这个“泡泡”十分耐用，几十年后依然站在潮流浪尖。《花花公子》2000年12月的封面故事就把这个透明物作为节日的点缀，座在其中的是Carmen Electra，Bang & Olufsen最近的宣传册也使用泡泡椅作为21世纪家用电器的模拟场景。

当波普变得永恒

尽管阿尼奥最早的成名作“球椅”一开始被作为限量生产的产品，但阿尼奥一开始所走的塑料路线却一直被其延续下来，就像更早的芬兰设计师Tapiovaara也始终坚持只用木头作为其设计的基本材料。

阿尼奥希望使用现代、大众而廉价的艺术材料来创造有机的设计。他有机的造型不仅代表着斯堪第那维亚式的那种对合成材料的优雅运用，以及对一种信仰的坚信，即他的设计可以很美丽，且尤为持久。这种“创造永恒”的理念在风靡六十年代的波普美学中可谓独树一帜。

“设计意味着持久的创新，不断的联合与成长。”这是阿尼奥常最著名的一句话。事实上，也是在这种情感下，阿尼奥开始在70年代使用聚氨酯泡沫，创造了像“小马椅”（Pony）一类的作品。这些作品更为贴近卡通形象，或者说，他的家具已经越来越更像玩具。合成材料的魅力在充满童真与生动的设计手法中，尤为卓著地显现出来。在最近《纽约时报》对阿尼奥的评价中，也重新肯定了其塑料产品对现代艺术的功绩，报纸上写道：“今天的一代人是在塑料中成长的，他们的第一个夜晚就在医院的塑料床上度过。”

Formula椅是对艾洛·阿尼奥好几年来已形成的思想观念的挑战。他将早期玻璃纤维设计中雕塑的元素与为了使座椅更舒服的人类工程学的解决办法结合起来，作为他办公室椅设计的最重要的方面。艾洛.阿尼奥认为Formula椅是他曾经设计过的最好的椅子之一。在辛苦的工作一天后，拿着一杯清凉的饮料，它是用来休息的最完美的椅子。当Mika H·kkinen赢得他第一个世界一级方程式赛车冠军的时候，艾洛.阿尼奥也设计出了Formula Chair，这之间可能存在某种神秘的联系？至少艾洛·阿尼奥是一个一级方程式赛车迷。

艾洛·阿尼奥——芬兰家具设计师——国际著名设计大师

北欧设计大师艾洛阿尼奥蘑菇椅

在20世纪60年代至70年代期间，塑料在芬兰家具设计师的设计作品中广泛使用，这因为塑料可以使设计师们创造出任何一种形状，以及使用任何一种他们想要的颜色。这引起了家具在功能和娱乐两方面的巨变，并且产生了让人着迷的结果，一种背叛“功能主义”而以“艺术为本”作为家具设计出发点的浪漫主义。艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio ，1932-，）是在工业设计中使用塑料的先驱者之一，他高度艺术化的塑料家具作品，及时地体现了时代的气息，是20世纪现代家具设计史上不可或缺的珍品。

艾洛·阿尼奥出生在芬兰首都赫尔辛基，1957年毕业于工艺美术学院。在以后的50年，他一直和芬兰设计师Ilmari Tapiovaara合作，1960年他加入了阿斯科（Asko）公司。1962年阿尼奥成立了自己的设计室，自己作为一名工业设计师和室 内设计师，另外他对平面设计和摄影也有很深的造诣。

阿尼奥致力于在家具设计中溶入新的思想，1963年他设计了Ball椅（也称globe椅，图2），通过使用一个最简单的几何形体-球体-去掉球体的一部分，然后再将它固定在一点上而成。这样艾洛.阿尼奥设计出了不同寻常的作品，一个完全非传统形状的椅子：一个房间中的小屋，带有一种舒适的、安静的氛围。球椅避开了外面的吵闹，给人一个私密的空间，人们可以在里面休息或打电话。椅子可以绕着固定在底座上的轴旋转，这样里面的人就能观看到不同的外界景象，因此感到与外界不完全隔离。这是一件伟大的作品，它标志着在家具设计的历史上，20世纪最著名的椅子的诞生。多年后它被制造出来，使用的材料（玻璃纤维）和椅子的形状对那个时代的家具工业来讲完全是新奇的。玻璃纤维制成的球体被固定在一个金属制成的可旋转的底座上，球体里面用泡沫塑料装饰着。最初的颜色有白色、红色、黑色和橘黄色。球型椅经常在一些科幻电影（图3）中使用，使用者会有一种太空旅行般的不同寻常的感受。你也可以在一些杂志中找到。在以后的几年玻璃纤维才使用在船的龙骨上，它是阿尼奥最喜欢的材料之一。玻璃纤维牢固和可塑性强的特点使得阿尼奥在设计时不受限制，同时造型符合人类工程学，设计出让人着迷的新型形体。

泡泡椅(Bubble Chair)

蕃茄椅（Tomoto Chair）

Aarnio“球椅”

艾洛阿尼奥小狗椅

Aarnio专为义大利家具制造商Magis所量身订作，椅子为中空塑胶材质，圆滑造型既可爱感又安全，从此就不用再担心小孩们恣意玩耍而受伤。

著名的芬兰设计大师艾洛.阿尼奥（Eero Aarni）1973年设计的这一件小马椅，不但是小朋友的最爱，它也会让您童心大起、放松压力。事实上EERO AARNIO的原意是为成年人设计一张能让他们找回童趣的家具。椅子的每个细节都展现出设计师超现代的设计风格

小马椅看起来像是一个大玩具，但它不是一个玩具，设计师Eero Aarnio的设计灵感来自小马，这椅子的尺寸为成人而设计.小马椅为设计师Eero Aarnio扮演新奇而有趣角色，可以通过你的想象让小马驮你到未知的境界！

pony chair小马椅

香皂形漂浮椅

这是阿尼奥在1967年设计的香锭椅pastil chair，这件作品将传统椅子设计中的座、架和腿等要素融为一体，形成美观的有机造型，是20世纪六七十年代浪漫主义生活气息的最典型体现，它不仅可以放在室内，而且可以飘浮在水中，甚至可以在雪地上滑动。在Eero Aarnio完成pastil chair设计的第二年，他获得了美国工业设计大奖。纽约时报关于他的作品专门报道：“这是有史以来承托人体最为舒适的形状”。这张椅子已经超越了现代家具的界限，的确是未来之作。它圆润得像鹅卵石，也像一颗甜美的糖果。简洁的造型，靓丽的色彩，轻便的重量，极易清洁打理。

tipi chair可爱的小鸡椅子

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

充满哥特风格的Kulik Larissa诡异插画：

Kulik Larissa，俄罗斯插画师，其作品风格独特，不失华丽，透着诡异的气息但又有着一些童真，她喜欢将一些时尚想法与童话融合在一起，构成一个个充满想象的影像世界。

Amazing fantasy and gothic photo manipulations by Larissa Kulik from Ostrov, Russia.

[VI]