瑞典设计师 David Cathro的这个壁挂式衣架，真是一举两得，既可挂衣服，又可以放钥匙、信用卡、手套等小物件。

夜愿（Nightwish）是一支成立于1996年来自芬兰的前卫金属乐队，曲风多变，混合了哥特金属，剧院金属，美声金属等风格。乐队大多数歌曲的词由键盘手托马斯·霍洛帕尼所撰写，前任女主唱塔雅·图仑尼Tarja Turunen的声音使得夜愿扬名国际。在2005年10月塔雅·图伦尼被开除后，他们找到了Anette Ozlon接任，并且也增加了贝斯手马可·希耶塔拉的声部。夜愿的音乐风格除了剧院金属和新金属，还有其他音乐元素。托马斯曾经形容他们的音乐为“用女声表现的旋律金属”。

夜愿Nightwish官方网站：http://www.nightwish.com/
Tarja Turunen官方网站 http://www.tarjaturunen.com/

Nightwis乐队成员：

Vocals：Anette
Keyboards：Tuomas
Drums：Julius
Bass & Vocals：Marco
Guitars：Emppu

前任队员：

Vocals：Tarja Turunen（1996-2005）
Bass：Sami Vänskä（1998-2001）

Nightwish专辑：

Dark Passion Play（2007）
Once（2004）
Over the Hills And Far Away、Century Child（2002）
Wishbox、Wishmaster（2000）、Oceanborn（1998）
Angels Fall First（1997）

Nightwish乐队简介：

成立于1996年的芬兰交响力量金属团Nightwish是芬兰的一宝，北欧的淳厚的古典积淀和重金属的浓烈氛围，造就了Nightwish的天籁之音。乐队风格：Heavy metal（重金属）Symphonic metal（交响金属） Power metal（力量金属）

1996年七月的一个夜晚，Tuomas与他的朋友们在树林里坐在篝火旁聚会的时候，Nightwish这个想法第一次出现在他们的脑海里，他们当时就创作了三首歌曲并于当年12月录制了出来。最初乐队的成员只有三人Tuomas,Tarja和Emppu.后来大家觉的这些歌需要有鼓声，因此Jukka也加入了进来。Emppu将原来的箱琴换成了电琴，Nightwish又创作了些新歌，他们在97年4月花了一星期的时间录制了7首作品.97年乐队与Spinefarm签订了两张专辑的合约。这样他们又创作了4首作品.其中Carpenter这首歌登上了芬兰单曲榜的第8位。97年11月乐队首张专辑Angels FallFirst正式发行，听众反映良好，但乐队很快就停止了活动。Emppu和Jukka要服兵役而Tarja要完成学业.大家与公司协商后延长了合同并将专辑数量变为三张。98年5月公司为Nightwish发布了Carpenter等歌的Video.而同年夏天，贝司手SamiVanska加入到乐队中。8月Nightwish备齐人马开始了新的工作.先录制了单曲的video，到12月7日，乐队至今最成功的专辑Oceanborn发布了。它登上了专辑榜第五名，其中单曲sacrament ofwilderness成功的坐上了单曲榜的头把交椅.Nightwish开始全国巡演，等到99年春天，Oceanborn在海外成功发行。乐队在欧洲特别是德国极受欢迎，所有作品全部热卖，他们开始参加大型音乐节并进行欧洲巡演了.

2000年Nightwish开始制作自己的第三张专辑，可乐队在欧洲电视网芬兰歌曲大赛中的参赛歌曲Sleep Walker牵扯了大家的精力不得不暂停工作，最终Sleep Walker得到了第二名，而公众评判则是第一名。同年乐队的最新大碟Wishmaster终于发布.一经售卖立刻登上了芬兰排行榜首位，并停留了三个星期。而且被德国Rock Hard评为了2000年6月的最佳大碟（超过了Bon Jovi和iron Maiden的新专辑）并成为金唱片.

《Angels Fall First》是乐队的首张大碟，并取得了不俗的成绩。很快这几个芬兰人又带来了新作《Oceanborn》。tarja的女声还是那么特别，把古典元素细致的融入金属乐，与Therion不同的是，Tarja 的音质更富冒险。她更多的按单音节清晰发音，一个完整使用元音歌剧花腔女高音似乎更适合这种交响力量金属。个人也更乐意听到她这 种歌剧层次化的嗓音，特别是在类似”Swanheart”和”Walking in the air”这样的歌曲中。

当然，如果你听过本世纪2大歌剧女高音Maria Class和Kirsten flagstad会领略到更精深的唱腔，但在金属一派，能与Tarja匹敌的还真不多。

Nightwish live video-End of An Era

夜愿Nightwish告别演唱会中英文高清

专辑的词多出自Tuomas，他同时还负责演奏合成器，在第一张专辑中演唱了三首曲目。在《Oceanborn》和《Wishmaster》中请到男声客串。直到第四张专辑《Century Child》时Marco加入乐队后才固定由Marco负责男声演唱。Nightwish在他们的歌曲中涉及到了幻象和神话，为细心的听者编织出一个梦一般的仙境。

键盘手托马斯·霍洛帕尼是乐团中主要的词曲创作人，他曾表示他最大的灵感是来自于电影配乐[1] ，较有名的例子有收录在《世纪之子》的《Beauty of the Beast》、收录在《恍如隔世》的《Ghost Love Score》以及收录在《Dark Passion Play》的《The Poet and the Pendulum》。另外，收录在《Dark Passion Play》的《Bye Bye Beautiful》以及收录在《恍如隔世》的《Wish I Had an Angel》则带有工业金属元素。而收录在《Dark Passion Play》的《The Islander》与《Last of the Wilds》、收录在《恍如隔世》的《Creek Mary’s Blood》、以及《折翼天使》专辑则有民谣金属的特色。霍洛帕尼也说电影配乐是他闲暇时所听的音乐。他喜欢《凡赫辛》和《赤色风暴》的配乐，以及汉斯·季默的所有作品。

乐团的歌词受到奇幻小说的影响，特别是龙枪系列小说与J·R·R·托尔金的魔戒。像是《Wishmaster》与《Wanderlust》就受到这些小说的影响。在这些歌里，你可以看到“卡若理山脉”、“夏拉非”、“克莱恩”、“爱尔贝蕾斯”（瓦尔达别称）与《灰港岸》。《7 Days to the Wolves》的音乐则是受到史蒂芬·金的黑塔小说系列的启发。

另一方面，夜愿也是许多乐团的灵感来源。黯黑史诗主唱 Simone Simons 表示夜愿是她歌唱的动机。[4] 亚特兰之梦的前任主唱 Nicole Bogner 也承认夜愿是他们首张专辑的灵感来源。万世沉沦的 Sander Gommans 说夜愿“将会一直给他们创作的灵感”。力量金属乐团极光奏鸣曲主唱 Tony Kakko 也曾表达夜愿对他有极大影响。

夜愿（Nightwish）音乐风格：

夜愿的音乐结合了力量金属与交响金属。他们音乐被描述为“夸大、交响式、如电影般的，由键盘与弦乐创造出哥德氛围”。而他们音乐的被认为“加了一点流行感”，是复杂以及多层次的。他们的音乐是史诗般的、戏剧性的与歌剧式的。评论家 Chad Bowar 表示他们的音乐“总是非常旋律性，以及易记的合唱与大量的叠句”。

夜愿也被部分评论家归类于哥特金属乐团。贝斯手马可·希耶塔拉说乐团的风格是“旋律交响哥德金属”。他们在《世纪之子》与《恍如隔世》两张专辑中，逐渐从“歌剧力量金属风格”转变为更“商业化”的哥德曲风。乐团音乐中最为突出的是塔雅·图伦尼“极易辨认的歌剧女音 ”，一位“有着强力歌声、充满魅力的主唱”。但评论者发现她在《恍如隔世》这张专辑中减少了歌剧唱腔。在塔雅·图伦尼离开乐团后，他们失去了在早期专辑中所拥有的“特别的歌剧式女主唱”。

虽然乐团的音乐主要围绕在塔雅的歌声上，但他们也在第一张作品《折翼天使》中找了一些男声客串演唱。这张专辑也包含了“民谣音乐与氛围”，然而在下张专辑《欲海重生》中便不再使用。2007年的专辑《Dark Passion Play》中的《The Islander》与《Last of the Wilds》则再度踏进民谣金属的领域中。

Nightwish原主唱：Tarja Turunen（已经于2005年离开乐队）

生日：1977.8.17
出生地：kitee，Finland

音乐背景：

小学时学过唱歌，弹钢琴和演奏长笛，高中时开始学习古典唱法，大学时学过教堂音乐，现在专注于古典歌唱。被誉为“芬兰之声”“金属一姐、”“现场女王”、“歌剧皇后”。Tarja是芬兰在世界上最受欢迎的歌手，也是当今世界上最有地位的古典歌唱家之一。曾受芬兰总统的邀请参加在总统官邸举行的独立日晚会，并多次参加国庆演出。在2007年的芬兰国庆礼，芬兰国歌由Tarja领唱。在全球最有公信力的Billboard音乐杂志公布的“全球最具特点声音”排行中 与玛丽亚凯莉等众多流行歌手名列榜中，Tarja排在了非常靠前的第四位。　　Tarja与Nightwish共同完成了5张专辑并发行了一些的精选集、单曲single等。Nightwish优秀的词曲加上Tarja专业的歌剧唱腔，使他们的音乐独树一帜。Tarja时期的Nightwish，光芒一举盖过众多女声金属乐队。

至于Tarja离队原因，真相只有他们乐队成员了解。Tuomas的信中写了一个贪婪、自私的Tarja，很多人看到信后将矛头直接指向Tarja，同时也有细心的人发现Tuomas的信中有很多漏洞：Tuomas说Tarja从来不参与演唱会和专辑录制的排练，也就是说NW的每一张专辑就是Tarja不排练直接录，每一场演唱会是不排练直接演，这显然不太现实；Tuomas在信中大肆渲染Tarja多么爱财，举例说说Tarja为了看一场电影而推掉演唱会，这更不符合逻辑。不管Tuomas的信有多少冲动成分，Tarja的回信很平和，没有指责谁。的确，不必指责谁，这个带给我们优秀音乐的团体，每位夜愿迷都会对Tarja的离去感到遗憾和怀念。

Nightwish主唱：Anette Olzon

生日：1971.1.21
出生地：Sweden
兴趣：运动，服装，看书，在野外散步
缺点：没有

音乐背景：

我出生于一个音乐家庭，从小就开始唱歌。我的妈妈强迫我学习了八年的双簧管，我童年时不停地跟随我母亲和她的乐队巡回演出，有时候我甚至在他们地舞台上唱歌。13岁之后，我开始在几个业余歌手演唱会中比赛，我17岁那年加入了我的第一个真正意义上的乐队，那是一个翻唱组合，所有地成员都比我年长。在唱了几首Cover歌（同前）之后，我加入了一个叫做Alyson Avenue地乐队，第一次作为一个在工作室中演唱地歌手，之后从2000年开始，作为乐队的女主唱，我们发售了2张专辑。21岁那年，我在Helsingborg为一个叫Gränsland的乐队做主唱，之后我去了Gothenburg的Balettakademien，除此之外我在几年内加入过很多其他乐队，在唱诗班演唱，为不同的计划演唱，有时甚至偶尔作为一个婚宴的演唱者。最近我和Michael Bormann的新专辑Conspiracy进行了一次二重唱，在我的演唱生涯中我唱过几乎所有种类的音乐！

Nightwish最好听的歌推荐：

Nightwish – Nemo
Nightwish – come cover me
Nightwish – 10th man down
Nightwish – stargazers
Nightwish – sleeping sun
Nightwish – she is my sin
Nightwish – over the hills and far away
Nightwish – bless the child
Nightwish – deep silent complete
Nightwish – ocean soul
Nightwish – Sacrament Of Wilderness
Nightwish – Ghost love score
Nightwish – Moon Dance
Nightwish – End of all hope
Nightwish – Wanderlust

Nightwish换主唱前总共发行了6张录音室专辑：

《Angels Fall First》（1997）

残阳如血，一棵孤独的大树站立在山坡上，似乎在等着觅食的鸟儿归巢。这就是Nightwish的上一张唱片Angels Fall First的封套。凭借新”改良”过的作品，97年7月，Nightwish同Spinefarm公司签定了两张专辑的合同。9月，乐队在Spinefarm旗下录制了4首新歌。加上以前的一些作品，首张专辑Angels Fall First于1997 年10月在芬兰发行；1998年3月，在全欧洲发行。专辑中弥漫着浓厚的歌特气息。来自其中的单曲The Carpenter在芬兰排行榜上位列第8，对于一支新乐队来说，这是一个很好的开端。

《Oceanborn》(1998)

12月7日，乐队至今最成功的专辑《Oceanborn》发布了。它登上了专辑榜第五名，其中单曲《Sacrament of Wilderness》成功的坐上了单曲榜的头把交椅。Nightwish开始全国巡演，等到99年春天，《Oceanborn》在海外成功发行。乐队在欧洲特别是德国极受欢迎，所有作品全部热卖，他们开始参加大型音乐节并进行欧洲巡演了。

专辑在密不透风的紧凑氛围下，穿插了两三首柔和的短曲，舒服得令人暂时忘记了重金属的压抑。这时，长笛，钢琴等便表露无遗，让人觉得像走进了鸟语花香地世外桃源一般。我最喜欢的是他们翻唱的名曲“Walking In The Air”，赋予歌曲以金属的霸气同时，不失歌曲原来的婉转。既有“飞流直下”的气势，也有“绕梁三日”的魅力。值得一提的还有几首男女对唱的曲目，感觉上形式有些像Lacrimosa，同样是低沉的男声配上非常悦耳的女声，或者说更像Rammstein与Stoa同台演出，因为这些曲子既带有Rammstein钢铁般的铿锵，也蕴含了Stoa的歌剧与新古典色彩。

出版于1998年的专辑《Oceanborn》可以说是延续了第一张作品的全部优点。Tarja那仿歌剧唱腔更加激进，而且吉它和键盘中更加入了许多北欧黑金属的演奏手法，整张专辑十分猛烈，所有快板作品在扫射般的Metal riff与喷火的键盘音符推动下叫人热血沸腾。不多的男女双主唱作品如《Deval&the deep dark ocean》等作品中都有一种有别于其它所谓女声Gothic metal组合的独特气质。键盘这次没有过多的音色变化，全是激进的快板旋律.只在《Swanheart》和《Walking in the air》这专辑里仅有的两首抒情慢歌中变幻出一份柔情。尤其令人称道的是，Nightwish乐队的歌词很多写得不错，这在众多摇滚乐队当中是很难得的。

总的说来，Nightwish这张经典之作带来的是一场重金属的极速之旅，偶尔的一两首慢歌，也只不过是紧张刺激之余适当的调剂罢了。无怪乎很多人同意Nightwish的Oceanborn是1998年最佳的重金属专辑之一。

《Wishmaster》(2000)

这张《Wishmaster》是他们的第三张专辑，发行于2000年，也是风格发生重大变化并引起广大拥趸争议的一张专辑。女声主唱Tarja用一种很纯粹的古典唱腔和乐队激昂暴烈的鼓点、吉他交织在一起，带来了非同一般的冲击力。唱片的封面也是很有特点：血色黄昏中，一队天鹅从湖面上起飞。岸边，一个小男孩满怀期望的张开了双臂……专辑中第二首The Kinslayer（弑亲者）的整体节奏比较快，前奏也相当有特色。而主音则是在For whom the gun tolls的置疑声中开始了她的演唱。一开始并不觉得有什么，直到键盘手Tumoas的声音也加入了进来后，整个歌曲产生了质的变化。一问一答的形式下，尽现了Nightwish的音乐魅力。尤其那句”Not a hero unless you die. Our species eat the wounded ones”更是一语道尽了世态的炎凉。

《Century Child》(2002)

2002年Nightwish在乐迷的高度期盼下发表了第四张录音室专辑，此时bass的位置已由前Sinergy的bass手Marco Hietala入替，Marco在专辑中也担任了几首曲目的高音男主唱，与Tarja有对唱表现。

此张专辑再次加重了劲道，风格上可说综合了前两张专辑，一方面回到的直爽狂飙，同时又保有细致饱满的编曲，吉他音色变得稍微粗重些，在”Slaying The Dreamer”一曲中甚至还加了一些thrash chord，堪称是Nightwish至今最heavy的一首曲子。除了唱诗班之外，此次终于也加入了交响乐团合奏，使乐曲的交响味更加浓烈，在重低音的部份也更为浑厚，而朗朗上口的优美旋律，让人从头到尾都忍不住随之唱和！芬兰乐团真不愧为“melody maker”啊！

在演唱上，Tarja在这张专辑中，除了声乐腔之外，也有较多一般腔的表现，同时由于新加入的Marco也能演唱，因此再次如般添入了男腔表现。Marco的音质一如标准的speed高音，加入男音自然让乐曲多了些变化性，至于乐迷是否欣赏Marco的演唱可能就因人而异了。

而继成功地改编了美美的”Walking In The Air”之后，此次则选择改编了著名的歌剧曲目“歌剧魅影（The Phantom of The Opera）”成为金属乐版本，风味果然是非常的Nightwish，Tarja在曲中后段大秀了她惊人的高音。另外，Nightwish作品的曲长向来多在三、四分钟左右，简洁有力、不拖泥带水的编曲形式，对于速金乐迷来说或许正是恰到好处，不过对于我们这种前金乐迷来说，总有一种曲子正到高潮处就突然结束的小小未满足感，此次末尾精彩的10分多钟长篇之作”Beauty Of The Beast”，总算是满足了喜好长篇大作乐迷的渴望！

《Once》(2004)

让乐迷等待2年的“Once”，果然不负众望，激昂的芬兰气势灌入” Dark Chest Of Wonders”，标准Nightwish式进行，马上让人被气势磅礴的交响乐及流畅旋律的重金属包围，而”Wish I Had An Angel”瞬间引爆刚正激昂的古典氛围，戏份吃重的豪迈男主音以及女主唱Tarja收放自如的嗓音一起解放被禁断的爱欲，探索自我深处记忆透过几只指引性的琴键敲击，娓娓道出深藏在记忆最里处被遗忘的名字－”Nemo”，而如同半人半鸟海女妖邪艳蛊惑般的吉他solo则在”The Siren”里寻获这致命的音符！前卫金属式的长篇幅史诗作品，不论是叙述原住民哀怨地述说对大地、入侵者爱恨情仇的”Creek Mary’s Blood”，还是融合民族元素交响乐式的”Ghost Love Score”交织出淡淡哀仇，编曲及气氛的营造都皆属上乘，以芬兰语表现的” Kuolema Tekee Taiteilijan”，为一曲优美的抒情小品，不禁又令人想起”Walking In The Air”的轻柔。Nightwish新专辑“Once”发行不久就攻下欧陆多国的排行榜，光是单曲“Nemo”就在祖国芬兰就已达到白金唱片的销售了，专辑则是摘下欧洲告示榜的榜首，而在德国、瑞士、芬兰销售皆超过20万张的惊人数目，Nightwish的魅力，可见一斑！

《Dark Passion Play》（2007）

《Dark Passion Play》是来自芬兰的歌特金属乐队 Nightwish 夜愿 的第六张专辑，同时也是新的主唱 Anette Olzon 加入后的第一张专辑，并且第一次在演唱者名单上少了 Tarja Turunen 的名字，因为她于2005年10月离开了 Nightwish 夜愿。Nuclear Blast 和 Roadrunner Records 预计2007年9月26日发行的本专辑推迟到了28日，此辑也是乐队三年来的第一张专辑，由此在乐队的历史上留下了一段较长的空白期。据说制作《Dark Passion Play》总共花费了超过500,000欧元，这种制作成本是 Nightwish夜愿之前的专辑《Once》的两倍，也是芬兰历史上最昂贵的专辑。其中大部分花在了在Abbey大道的录音室里与伦敦Session管弦乐团的合作上，另外270,000欧元用于专辑MV的拍摄。

Nightwish最新专辑：

Imaginarium（2012）

ImaginaImagina是nightwish的第七张录音室专辑，新专辑正在录制中，进行混音工作，预计在2012年1月发行。与新专辑相关的同名音乐幻想电影将于2012年上映。新专辑的主题是爱与美丽，与Dark Passion Play 的阴郁黑暗构成对比。新专辑中会有一些民族乐器的表现，比如日本太鼓和土耳其唢呐。

Imaginarium专辑曲目列表：

01. Taikatalvi
02. Storytime
03. Ghost River
04. Slow,Love,Slow
05. I Want My Tears Back
06. Scaretale
07. Arabesque
08. Turn Loose The Mermaids
09. Rest Calm
10． The Crow,The Owl And The Dove
11． Last Ride Of The Day
12． Song Of Myself
13． Imaginaerum

Imaginarium在线试听：

Nightwish最新单曲Storytime MV

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）1932年生于芬兰，于 1954 年至 1957 年求学赫尔辛基的 Institute of Industrial Arts，并在 1962 年成立个人工作室，从事室内设计与工业设计。

阿尼奥官方网站：http://www.eeroaarnio.com/

他的许多作品享誉全球的国际知名度，并获得许多工业设计奖项。例如，他在 1963 年设计了著名的 Ball Chair，这是张以玻璃纤维制成的球形椅子；很快地这张椅子被大量地制造生产。而玻璃纤维，成为 Aarnio 设计时最喜欢使用的素材。其它代表作品还包括有糖果椅（Pastil Chair）、蕃茄椅（Tomoto Chair）和极富未来感的泡泡椅（Bubble Chair），是波普风格爱好者不可不知的设计大师之一。

60 年代初，芬兰最大的家具企业 Asko 公司请 Aarnio 设计一种塑料椅以求改变公司多年以木材为主的传统面貌。1962 年夏天， Aarnio 用新闻纸和浆糊作原材料，在藤编家具启发下，设计出一种适于塑料制作的面貌全新的坐具造型， 1963 年至 1965 年间， Aarnio 用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球体”的看似航天舱的坐椅，并在 1966 年科隆家具博览会上一夜成名。从圆形的球状体中挖出一部分或使它变平，可以形成一个独立的单元座椅，甚至形成一个围合空间。这是 Aarnio 的基本创意手法。 Aarnio 完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使他的“球椅”成为一种时代的象征。

艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）是芬兰著名设计师，当代最著名的设计师之一。他丰富多彩的事业为人们提了种类繁多、高质高量的作品。因为创造了许多享誉世界的设计作品，艾洛·阿尼奥成为自20世纪60年代以来奠定芬兰在国际设计领域领导地位的重要建筑师和设计家之一。他的设计大都有浓厚的浪漫主义色彩和强烈的个人风格，宛如来自灵幻的童话世界。

来自藤条篮子的灵感

艾洛·阿尼奥的第一件重要的家具设计问世很早。1954年夏天，艾洛·阿尼奥拜访了他的未婚妻毕乐柯的家乡，并在那里开始学习编织篮子。这种编织技术在亚洲国家非常普遍，但在芬兰，篮子主要是由盲人来编织的。当艾洛·阿尼奥完成一个篮子的时候，他并没有按照正常的位置摆放它，而是把篮子颠倒过来，从而他发现颠倒摆放的篮子不失为一个很好的座椅。藤条凳在美国市场上的名字是“蘑菇”，之后的1967年，香港开始生产玻璃钢系列座椅，因在形状、尺度、功能上都类似藤条凳，所以，它被命名为同样的名字。

阿尼奥自20世纪60年代开始用塑料进行实验，他作出了一个重要的决定，告别了由支腿、靠背和节点构成的传统家具设计形式。与自然纹理木材相反，他用鲜明的、化学染色的人造材料使人们得到了很大的乐趣。阿尼奥的令人兴奋的塑料创意设计，特别是球椅（1963）、香皂椅（1968）和泡沫椅（1968），不论是以前还是现在，这些作品都被广为拍摄和宣传使用，并被赋予了时代精神的特征。 Aarnio用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球体”的看似航天舱的坐椅，并在1966年科隆家具博览会上一夜成名。他从圆形的球状体中挖出一部分使它变平，可以形成一个独立的单元座椅，甚至形成一个围合空间，这是Aarnio的基本创意手法。Aarnio完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使他的“球椅”成为一种时代的象征。

球椅取得的成功促使阿尼奥的一整套塑料家具系列的诞生。随后又出现了VSOP椅、泡沫椅，尤其是一年后的香皂椅。香皂椅，在美国又称为Pastil或Gyro椅，从某种程度上说，它是小型化的球椅。在产品的基本构成方面，香皂椅比以阿尼奥自己所设计的Ball椅为代表的极少主义的座椅还要简洁，也比斯堪的纳维亚的同行们设计的作品简单得多。这种无腿的座椅全部用玻璃钢加固的聚脂纤维制作，只在两个部分进行锻压，它具有现代艺术的特色，还幽默地表现出糖果或泡泡糖的形状。此外他还用上了糖果常用的明快色彩，包括柠檬黄与淡黄绿。香皂椅是阿尼奥设计理念上的又一杰作，同时也是他对现代家具的第二项重要革新，是他早期家具设计中的另一种全新模式。

事实上，阿尼奥很早就显示了他赋予传统材料新设计理念的能力与兴趣。同时，他还偏爱奇异的圆形。在意大利，阿尼奥设计的由钢材、夹板和皮革制成的扶手椅获得了大型国际家具设计竞赛的大奖。

反映产品本身的“愿望”

艾洛·阿尼奥承认，他所设计的产品不仅仅表现在功能方面的实用，同时也反映了产品本身的“愿望”。就如球形本身就符合了大自然的造物意愿一样。用尽量小的消耗取得最大的功效，大自然总比人类做的要好得多。阿尼奥认为材料和技术的革新都会开创新的设计道路。

艾洛·阿尼奥对塑料的热衷一直延续到了20世纪70年代，那时他首创了西红柿椅。同样，以圆形为主要设计元素的西红柿椅有点像球椅和香皂椅结合的产物。而后，他又设计出了Upo022和Upo023，这两者均是以塑料为原材料的折叠椅。但是，这一时期最具创新精神的当数Pony座椅。继球椅和香皂椅后，Pony座椅是阿尼奥为现代家具设计所奉献的又一设计创新。

Pony座椅是一件成熟的产品，是由柔韧性聚酯冷凝泡沫包在金属骨架外面构成的，椅子的表面材料是流行的丝绒。这个设计使得产品就如材料一样舒适、有趣。艾洛·阿尼奥认为，只要它对人体功效没有危害，对工作环境有益，一个座位甚至可能会是一匹又小又柔软、你可以骑在上面或侧坐在上面的小马。Pony椅有一个由模具做的泡沫身体、脚和耳朵，它们都由管架连接，所有的部分都用弹性布料装上软垫。它们的颜色有白色、黑色、橙色、绿色、棕色和红色。Pony椅是阿尼奥带给家具业的又一惊世之作。通过该椅的问世，阿尼奥声称家具设计可以有各种各样的灵感，包括来自动物的。设计师往往会在模型制作过程中产生更多的想法。就拿Pony椅来说，你可以正儿八经地骑着它，也可以把它当做凳子一样坐在上面，还可以把它当做椅子，因为它的两只耳朵这时成为一个很特别的靠背。当然更不用说孩子们可以把它当做玩具来玩耍。

在艾洛·阿尼奥看来，设计与自然之间没有任何差别，设计师可以从我们周围的世界里获得各种各样的灵感。Pony椅就是他这种设计哲学的一个很好的例证。

使艾洛·阿尼奥颇为高兴的是，20世纪90年代人们开始怀念和提倡一种开始于50年代后期，一直发展延伸到70年代的创新设计，尤其是那些与所谓的“太空时代”联系在一起的设计。阿尼奥的设计并没有仅限于椅子，他还设计了许多更加有趣的玻璃钢产品模型，例如：Copacabana桌子系列、螺丝钉桌子系列与方程式椅。阿尼奥设计了近十年的摇椅出现在2001年赫尔辛基的家具博览会上。

艾洛·阿尼奥的创作是一种不知疲倦的发自内心的本能，他深信艺术与设计之间没有任何不同。因为他认为，不论是艺术还是设计都意味着更新与再调整的不断发展。

Aarnio: “A chair is a chair, is a chair, is a chair … but a seat does not necessarily have to be a chair. It can be anything as it is ergonomically correct. A seat could even be a small and soft Pony on which you can ‘ride’ or sit sideways.”

20世纪60年代的芬兰，在产生功能主义设计大师库卡波罗的同时，还出现了一位把“以艺术为本”作为家具设计出发点的浪漫主义设计大师艾洛阿尼奥(Eero Aarnio，1932一)，这两位设计原则恰恰相反的设计大师同时出现于一个以有机的功能主义为传统的国家，后者时常被称作北欧学派的“叛逆”人物。阿尼奥的高度艺术化、及时体现时代气息的家具作品，虽不能列入家具设计的最经典之作，却也是20世纪现代家具设计史中不可或缺的珍品。人表现出对不寻常艺术语言的追求，这种情况在60年代表现得尤为明显。

阿尼奥比库卡波罗早一年毕业于同一所大学，但晚至1962年才开办自己的设计事务所。除家具设计外，，他对摄影和平面设计也有很深的造诣。阿尼奥最初的家具设计取材于传统题材，尤其是源自中国的藤编家具，但很快，他的设计由于对最新材料的使用而发生突变。60年代初，芬兰最大的家具企业阿斯科公司请阿尼奥设计一种塑料椅以求改变公司多年以木材为主的传统面貌。1962年夏天，阿尼奥用新闻纸和浆糊作原料，在藤编家具启发下，设计出一种适于塑料制作的面貌全新的坐具造型，1965年制造了一系列用脱色藤料手工制作的蘑菇状椅子和凳子。

1963—1965年，阿尼奥用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球椅”的看似航天舱的坐椅，并在1966年科隆家具博览会上一夜成名。这种用玻璃纤维塑料制成的球状壳体在前部开口，内部铺软垫，在外观上给人以强烈印象的同时，令使用者有一种太空旅行的不寻常感受。阿尼奥在此完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使他的“球椅”成为那个时代的一种象征。在以后的几年他以同样的合成材料和设计构思又创造出一系列的艺术家具，其命名本身就能令人想像出这些设计的视觉效果。如“香锭椅”、“泡沫椅”和“蕃茄椅”。后者是一种红色塑料制成的看似三个蕃茄的休闲椅，表明阿尼奥在70年代初向“波普”设计的转化。

1968年，阿尼奥在科隆博览会上展出他的第二件最著名的作品“香锭椅”，再次引起轰动。阿尼奥对色彩的大胆运用和对有机造型的持久偏爱，创造出将传统椅子设计中的座、架、腿等要素融为一体的新型坐具，最典型地反映出六七十年代自由浪漫的生活气息。阿尼奥的这批家具在室内外均可布置使用，而“香锭椅”更能表现出它对完全非正统的坐姿的倡导。从某些特定意义上讲，这件极不寻常的椅子能给坐者提供特殊的舒适体验，如一位评论家所言：“你坐在上面可以不用站起来而任意调整姿势，而这种家具永远不会损坏你的地毯。”7阿尼奥设计的意义早已超出日常使用的范畴，它们时常被选中用作戏剧或影片中的道具，80年代的阿尼奥事实上成为第一批为电影设计家具的设计师之一。

北欧设计大师阿尼奥作品欣赏：

阿尼奥在1968年设计了Pastil椅，这个椅子典型地反应了美国六、七十年代自由浪漫的气息。因此他获得了美国工业设计奖。《纽约时代》评价球椅和Pastil椅时说：“这是支撑人体的最舒适的一种形态。”Conran设计辞典说：”它看上去是一篇具有时代特点的文章,从Barbarella拿来的道具”。

当你不再受到思维禁锢时，童话便诞生了，同样，设计也是打破常规的思维游戏，著名芬兰设计师艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）那些童话般的杰作与他这句常被人引用的话无疑都证明了这点，他说：“设计不就出现在当椅子不再是椅子的时候，又或者桌子成为照明的时候吗？”

阿尼奥在1971年设计了西红柿椅。西红柿椅显示了他如何利用圆形。人们的第一印象是这个椅子很复杂，但是再看是会发现它是由三个直径相同的圆巧妙地组合起来的，其中两个是扶手，一个拉伸出来成为舒适的靠背。甚至将一个四分之一圆颠倒过来使之成为座席。当人们从不同角度观看西红柿椅时，会发现它更象一个雕塑品。因为Pastil椅和西红柿椅阿尼奥赢得了国际声誉。这些椅子在室内和室外都可使用，它们在水中还能浮起来！

阿尼奥在1968年还设计了泡泡椅，它是由压可力和镀铬钢制成的。艾洛.阿尼奥解释泡泡椅悬挂在天花板上的原因是因为没有一种合适的底座能配上这个椅子。这是阿尼奥再一次设计出象球椅一样风格的椅子，这种椅子将座椅子的人陷进去，即使是房间中有很多人，也能营造一种隔离的感觉。“乒乓” 是Asko公司起的名字。美国的进口商称它为泡泡椅。

当家具成为童话

作为当代最著名的芬兰设计师之一，艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）的设计为20世纪60年代以来芬兰在国际设计领域的领导地位奠定了重要的基础。带着浓厚的浪漫主义色彩和强烈的个人风格，这位充满想象力的家具设计师用梦幻构筑起了那个时代最轰动的设计：一个用于休息的宇宙舱（球椅），一只空中漂浮的肥皂泡泡（泡泡椅），一堆带着糖果色彩可以摇晃的豆荚（番茄椅），等等。这些作品至今依然宛如来自灵幻的童话世界，令人惊喜。

“就像在月球上散步，这是大脑里的一次旅行，”阿尼奥谈及设计时这样说。与北欧家具习惯使用传统带自然纹理的木材材料不同，阿尼奥在设计生涯之初便使用塑料进行试验，使那些鲜明的、化学染色的人造材料给人们带去很大的乐趣。更为大胆的想法则是，他告别了由支腿、靠背和节点的构成的传统家具设计形式，开始了以仿生为基础实验，他的所有作品都能令人联想起一件自然界常见的动植物，或者生活中用到的普通生活品。

60 年代初，芬兰最大的家具企业 Asko 公司请阿尼奥设计一种塑料椅，以求改变公司多年以木材为主的传统家具面貌。 1962 年夏天，阿尼奥用新闻纸和浆糊作原材料，在藤编家具启发下，设计出一种适于塑料制作的全新的坐具造型，后来阿尼奥用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球椅”的看似航天舱的坐椅，并在 1966 年科隆家具博览会上一夜成名。

从圆形的球状体中挖出一部分或使它变平，可以形成一个独立的单元座椅，甚至形成一个围合空间，这是阿尼奥的基本创意手法。这项设计不仅具有耀眼的外观，使用起来也很舒服，它能令入座其中的人长时间的保持放松，因此被称为“房间中的房间”。它提供了一个港湾，一个平静而私密的休息氛围，而阿尼奥也完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使“球椅”成为一种时代的象征。后来，爱立信公司还推出了在球椅“舱”体内安装电话的新版本，球椅更加风靡世界。它在《唐米》（Tommy）、《迷惑》（Dazed and Confused）、《月亮零二》（Moon Zero Two）等电影中出现，还被用在《囚禁者》（The Prisoner）等电视节目以及无数的广告拍摄与宣传之中。

Eero Aarnio Screw Table

螺杆桌是在1991年设计的。将一个巨大的螺丝钉作为桌子这种想法对于象阿尼奥这样一个多才多艺的人来说很自然，因为艾洛.阿尼奥的工作包括工业设计、家具和建筑设计。螺丝钉在每间房间中都使用，并且大多数是隐藏的，为什么不把它们作为可以看见的物体呢？将它们放置在起居室和阳台的一角，或者是将它们做得高一些后在自助餐厅、咖啡厅和酒吧中使用。不论在何处玻璃纤维和金属光泽都会使见到它们的人眼睛为之一亮。

当设计改变行为

1960年代把人类放入宇宙，给女人穿上迷你裙。波普艺术与崇尚思考自由的青春文化奏响了这个时代的主旋律，也影响着时尚的方向，改变了人们的生活方式。以阿尼奥为代表的这个时代的家具设计师则采用现代材料——泡沫、塑料、玻璃纤维与充气黑胶，把社会现实演化为大胆的造型，这些家具边缘圆润、着地柔和、色彩波普，不仅改变着人们生活的习惯，也开始影响人们观察事物的方式。

1968年的泡泡椅就是这么一件令人心动的家具。由于一根结实的绳索悬挂，它的姿态十分性感，清晰的透明丙烯酸球体令坐在这个半空摇篮中的人全部暴露在外，当时阿尼奥说他只想让泡泡椅比球椅的内部空间有更多的自然光，从而更便于阅读，如今，他则认为这个1968的设计是他设计中最聪明的一个。泡泡椅主体部分用不太昂贵的模子铸成，一薄片清澈的丙烯酸材料被用高温进行软化，然后平铺在中间有洞的特殊桌面上，当用一根钢索拉紧并支撑起薄片后，空气流入洞口，丙烯酸像被吹鼓起来。“像吹泡泡一样，”阿尼奥说。

虽然是被“吹”出来的，然而这个“泡泡”十分耐用，几十年后依然站在潮流浪尖。《花花公子》2000年12月的封面故事就把这个透明物作为节日的点缀，座在其中的是Carmen Electra，Bang & Olufsen最近的宣传册也使用泡泡椅作为21世纪家用电器的模拟场景。

当波普变得永恒

尽管阿尼奥最早的成名作“球椅”一开始被作为限量生产的产品，但阿尼奥一开始所走的塑料路线却一直被其延续下来，就像更早的芬兰设计师Tapiovaara也始终坚持只用木头作为其设计的基本材料。

阿尼奥希望使用现代、大众而廉价的艺术材料来创造有机的设计。他有机的造型不仅代表着斯堪第那维亚式的那种对合成材料的优雅运用，以及对一种信仰的坚信，即他的设计可以很美丽，且尤为持久。这种“创造永恒”的理念在风靡六十年代的波普美学中可谓独树一帜。

“设计意味着持久的创新，不断的联合与成长。”这是阿尼奥常最著名的一句话。事实上，也是在这种情感下，阿尼奥开始在70年代使用聚氨酯泡沫，创造了像“小马椅”（Pony）一类的作品。这些作品更为贴近卡通形象，或者说，他的家具已经越来越更像玩具。合成材料的魅力在充满童真与生动的设计手法中，尤为卓著地显现出来。在最近《纽约时报》对阿尼奥的评价中，也重新肯定了其塑料产品对现代艺术的功绩，报纸上写道：“今天的一代人是在塑料中成长的，他们的第一个夜晚就在医院的塑料床上度过。”

Formula椅是对艾洛·阿尼奥好几年来已形成的思想观念的挑战。他将早期玻璃纤维设计中雕塑的元素与为了使座椅更舒服的人类工程学的解决办法结合起来，作为他办公室椅设计的最重要的方面。艾洛.阿尼奥认为Formula椅是他曾经设计过的最好的椅子之一。在辛苦的工作一天后，拿着一杯清凉的饮料，它是用来休息的最完美的椅子。当Mika H·kkinen赢得他第一个世界一级方程式赛车冠军的时候，艾洛.阿尼奥也设计出了Formula Chair，这之间可能存在某种神秘的联系？至少艾洛·阿尼奥是一个一级方程式赛车迷。

艾洛·阿尼奥——芬兰家具设计师——国际著名设计大师

北欧设计大师艾洛阿尼奥蘑菇椅

在20世纪60年代至70年代期间，塑料在芬兰家具设计师的设计作品中广泛使用，这因为塑料可以使设计师们创造出任何一种形状，以及使用任何一种他们想要的颜色。这引起了家具在功能和娱乐两方面的巨变，并且产生了让人着迷的结果，一种背叛“功能主义”而以“艺术为本”作为家具设计出发点的浪漫主义。艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio ，1932-，）是在工业设计中使用塑料的先驱者之一，他高度艺术化的塑料家具作品，及时地体现了时代的气息，是20世纪现代家具设计史上不可或缺的珍品。

艾洛·阿尼奥出生在芬兰首都赫尔辛基，1957年毕业于工艺美术学院。在以后的50年，他一直和芬兰设计师Ilmari Tapiovaara合作，1960年他加入了阿斯科（Asko）公司。1962年阿尼奥成立了自己的设计室，自己作为一名工业设计师和室 内设计师，另外他对平面设计和摄影也有很深的造诣。

阿尼奥致力于在家具设计中溶入新的思想，1963年他设计了Ball椅（也称globe椅，图2），通过使用一个最简单的几何形体-球体-去掉球体的一部分，然后再将它固定在一点上而成。这样艾洛.阿尼奥设计出了不同寻常的作品，一个完全非传统形状的椅子：一个房间中的小屋，带有一种舒适的、安静的氛围。球椅避开了外面的吵闹，给人一个私密的空间，人们可以在里面休息或打电话。椅子可以绕着固定在底座上的轴旋转，这样里面的人就能观看到不同的外界景象，因此感到与外界不完全隔离。这是一件伟大的作品，它标志着在家具设计的历史上，20世纪最著名的椅子的诞生。多年后它被制造出来，使用的材料（玻璃纤维）和椅子的形状对那个时代的家具工业来讲完全是新奇的。玻璃纤维制成的球体被固定在一个金属制成的可旋转的底座上，球体里面用泡沫塑料装饰着。最初的颜色有白色、红色、黑色和橘黄色。球型椅经常在一些科幻电影（图3）中使用，使用者会有一种太空旅行般的不同寻常的感受。你也可以在一些杂志中找到。在以后的几年玻璃纤维才使用在船的龙骨上，它是阿尼奥最喜欢的材料之一。玻璃纤维牢固和可塑性强的特点使得阿尼奥在设计时不受限制，同时造型符合人类工程学，设计出让人着迷的新型形体。

泡泡椅(Bubble Chair)

蕃茄椅（Tomoto Chair）

Aarnio“球椅”

艾洛阿尼奥小狗椅

Aarnio专为义大利家具制造商Magis所量身订作，椅子为中空塑胶材质，圆滑造型既可爱感又安全，从此就不用再担心小孩们恣意玩耍而受伤。

著名的芬兰设计大师艾洛.阿尼奥（Eero Aarni）1973年设计的这一件小马椅，不但是小朋友的最爱，它也会让您童心大起、放松压力。事实上EERO AARNIO的原意是为成年人设计一张能让他们找回童趣的家具。椅子的每个细节都展现出设计师超现代的设计风格

小马椅看起来像是一个大玩具，但它不是一个玩具，设计师Eero Aarnio的设计灵感来自小马，这椅子的尺寸为成人而设计.小马椅为设计师Eero Aarnio扮演新奇而有趣角色，可以通过你的想象让小马驮你到未知的境界！

pony chair小马椅

香皂形漂浮椅

这是阿尼奥在1967年设计的香锭椅pastil chair，这件作品将传统椅子设计中的座、架和腿等要素融为一体，形成美观的有机造型，是20世纪六七十年代浪漫主义生活气息的最典型体现，它不仅可以放在室内，而且可以飘浮在水中，甚至可以在雪地上滑动。在Eero Aarnio完成pastil chair设计的第二年，他获得了美国工业设计大奖。纽约时报关于他的作品专门报道：“这是有史以来承托人体最为舒适的形状”。这张椅子已经超越了现代家具的界限，的确是未来之作。它圆润得像鹅卵石，也像一颗甜美的糖果。简洁的造型，靓丽的色彩，轻便的重量，极易清洁打理。

tipi chair可爱的小鸡椅子

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林德弗斯1962年出生于芬兰，是一位跨足设计师与艺术家的一位活跃人物，他曾经参与非常多国际的雕刻专案，例如為Swatch在亚特兰大奥运(1996)所做的Winged Victory、驻华盛顿D.C.的芬兰大使馆雕像”Freedom of Speech”等。除了Ego杯之外，Stefan Lindfors也参与的芬兰时尚品牌Marimekko的布料图腾设计。

1988年毕业于赫尔辛基艺术与设计大学；设计师、雕塑家并涉足音乐、电影短片、服装与针织品、平面设计等领域；
 
合作客户包括Ingo Maurer GmbH、Alessi、 Ikea、 Swatch、 Warner Music、Nokia、 Sony Playstation 等品牌

 
代表作品：Scaragoo 台灯，入选当年米兰设计周（1988）；
言论的自由（The freedomof speech），芬兰驻美国大使馆公共雕塑（1995）；
飞翔的胜利钟塔（WingedVictory）， 亚特兰大奥运会swatch 展馆户外雕塑（1996）；
心之葬礼，“Funeralof Hearts” 音乐录影带（ 由BMG 出品，2003）；
“HIM Trips 1-10”音乐录影带（华纳兄弟出品，2007）。
10年秋天，斯蒂芬的新作品在北京的北欧艺术节上亮相，它们是和老朋友Ingo Maurer 合作的一组灯具，两者的友谊已经持续了22 年。目前，斯蒂芬和中国的交集并不是很多，但是如他所说，中国对于他并不是陌生的。

官方网站: http://www.stefanlindfors.com/

EGO 咖啡杯

芬兰Iittala EGO 咖啡杯碟

ego breakfast cup & saucer
Design Stefan Lindfors, 1998
Made in Finland by Iittala

A question of balance. Ego’s highly original design brings a modern perspective to international coffee culture – a cup suitable for all varieties of coffee. Designer Stefan Lindfors believes that while the soul of an object drives its design, you still have to take functionality, manufacture and aesthetics into account.

Thus the cups are stackable, and the saucers need no separate rim for the cup, so they can be used as plates. The distinctive handle helps keep the cup steady both in the hand and on its saucer.

Born on Ahvenanmaa, Finland, Stefan Lindfors is active both as a designer and sculptor and he has many international commissions behind him. His work includes Winged Victory (1996), a sculpture for Swatch’s pavilion during the Olympics in Atlanta, as well as Freedom of Speech, a sculpture exhibition at the Finnish Embassy in Washington D.C. His collaboration with Marimekko has also contributed to several new patterns and products.

Ego杯盘组以一碟一杯为一组，原装进口极具价值感的精美包装盒让人爱不释手，无论送礼或自用收藏都非常适宜，热爱北欧设计餐具的人可千万别错过啰～共有三种尺寸，其中大杯有400cc特大容量，除了装一般咖啡、茶之外，还可以装汤、牛奶麦片等，随自己高兴发挥创意。中杯为Cappuccino杯，为一般熟悉的咖啡杯尺寸，小杯为Espresso杯。

斯蒂芬花了九年的时间才从大学毕业。期间，因为无法抑制对“讲故事”的兴趣，他多次跑去当地的剧院和演员聊天。随后，他决定退学，并去斯德哥尔摩的剧院找了一份做舞台布景的工作。“哥德堡有一个荒废的城堡，我就自己住在里面，我不知道我为什么敢住在那里。我天天开着一辆卡车穿过城市。我那时是22 岁，像个该死的木匠一样天天开着车行驶在一个只有单行道的小镇上。”
 
1985 年，对他来说是重要的一年，那时他在柏林为一部“哈姆雷特”做布景。剧院放假时，他住在一个演员朋友家的阁楼。这时候已是他退学后独自在外的第三年。“那是冬天，我们每天跑五公里，大部分时间都呆在家里。当时我还渴望浴室里有地热。这是我第一次经历这些感觉——我生活在一个安全、有保障的社会，这是我之前从未想到过的。”他在那儿度过了六个月。就是这期间，他找到了灵感，设计了他人生中第一把椅子——像航船上绷紧的帆布，他命名他为“XY”。
 
1988 年，斯蒂芬回到大学上完了最后一年的课程。从17岁到26 岁，退学五年后，他终于毕业了。斯蒂芬虽然主修室内设计和工业设计，但是他几乎学遍了赫尔辛基艺术与设计大学里除电影之外的所有艺术相关的课程。于是，他的毕业设计就是一部电影短片。
 
赫尔辛基艺术与设计大学得以在五年之后重新接纳斯蒂芬，部分原因是因为斯蒂芬的作品即将在当年的意大利米兰设计展出。斯蒂芬是在学校外，而不是在教室里，设计出了他的第一件代表作——Scaragoo 台灯。那时是1988 年，斯蒂芬26 岁。Scaragoo 台灯像极了某种俯身觅食的长腿昆虫，光滑的身体上分节的纹路有清晰可见。德国顶级灯具品牌IngoMaurer 通过图片看到了他的设计，决定生产出来，并把它带到1988 年米兰设计周。自始至终，斯蒂芬的雕塑，室内设计和装置作品都忠于一个主题：昆虫。他用钢条焊接出外壳或框架，然后用人造聚酯树脂将其覆盖。透明的树脂看上去薄如蝉翼，仿佛昆虫的翅膀或干净的腹部，而钢条排列出的形状，让人仿佛是在放大镜下看昆虫翅膀或腹部肌肤的纹理。
“人类的生命是直线形的。某种程度上说，我们是如此渺小和微不足道，同等意义上昆虫则比我们强大。因为它们经历了时代、自然环境的漫长变迁，却还在周而复始地轮回，比我们所能承受的要多的多。 我想表达的是生命除了直线走向终止之外的一种人生的节奏。”这也是斯蒂芬的设计哲学。无论是为芬兰驻美国大使馆设计的屋外装置“言论的自由（The freedom of speech）”，还是为纽约Gershwin 酒店设计所做的内部设计“火与舌（Tougues and flames）”，还有为芬兰顶级时装品牌marimekko 设计的包包和针织品，都无一例外地在昆虫哲学上寻找共鸣。
 
雕塑、室内建筑、家具设计、平面设计、针织品和服装设计，还有音乐、电影短片……斯蒂芬所设计的领域将近一打，但他说只有做导演是他主动争取的。1988 年，设计系的他出人意料地拍摄了一部电影短片MOTH（芬兰传说里的一种昆虫）为毕业作。2003，他受邀为BMG 旗下的乐队HIM导演了 “心之葬礼 （funeral of hearts）”的MV，之后的2007 年由华纳兄弟出品的一系列HIM宣传片“Trips 1-10”同样由斯蒂芬完成。他的视角非常独特，在Trips 1-10 第9 段长47 秒的镜头中，他用近10 秒的慢镜头来特写主唱在话筒前带着鸭舌帽低头点烟的动作，非常迷人。从上世纪八十年代至今，他已经为一些品牌、组织、政府机构、包括自己作品的宣传广告等，导演了近200 部独立的音乐或短片。
“每个艺术家都有自己的创作主题，来和周围的人和环境沟通。个人来讲，我做最大的努力让我的设计保持艺术感、抒情性并充满想象力，我会因此感到高兴。我希望我的作品让观者发现更多东西。”斯蒂芬说。
 
斯蒂芬心里一直缺乏某种归属感。他是说瑞典语的芬兰人，直到高中在美国做交换生时才开始严肃学习芬兰语。他能流利的说瑞典语、芬兰语、英语和不错的法语，却都非好学所致。他的作品中也看不出典型“芬兰”风格，身边也总是有人质疑其芬兰设计师的身份。他旅居美国多年，在芬兰家里午夜梦中惊醒时突然意识到的是，原来洛杉矶让他感觉更舒服。“我可以世界各地旅行，从不会有思乡病，因为我觉得我对任何地方都没有陌生感”他说。也许，海才是他的归属，他对大海的好感显而易见。“海很简单，跳进里面，你就可以游向你想去的任何地方。而在湖里游泳感到的是一种平静，这就是不一样的地方。”有六年的时间，他每周游泳六天。他也很爱蛇和蜥蜴。他的左上臂纹着蜥蜴，蛇更是他从小到大的朋友，他记得小时候他喂它们喝牛奶时它们“啜饮的样子和声音。”他许多作品里的主角都是蛇。那些雕塑上透明的纹路和毛毯上的几何图案是蛇的皮肤在放大镜下的样子。当问及他还有没有尚未实现的“野心”时，他说没有。如果非要说，那就是他渴望蛇，还有女人。

一直以来，斯蒂芬和前妻保持着很好的联系，他定义两人当时的分开是“让事物停止在它最好的样子”。 他和现任妻子的爱情故事也很简单，就是彼此坠入爱河。虽然他不否认自己在十四五岁时就发现自己“博爱”的性取向，但是他更愿意借用德国导演雷尼尔·沃默·法斯宾德（Rainer Verner Fassbinder）的一句话来表明态度，“忘了异性恋、同性恋和双性恋吧，无论决定何种性取向都原本是件自然而然的事”。

林德弗斯工业设计作品欣赏：

曾為Iittala設計出著名Ego咖啡杯的芬蘭設計創意鬼才Stefan Lindfors，最近剛發表了一個與眾不同的「設計水瓶」，不僅完全創新水瓶的概念，瓶身塑膠材質也輕盈並適合環保回收，此外，每賣出一個水瓶，產品公司就會捐出歐元十分給芬蘭的波羅地海行動組織，為拯救污染嚴重的波羅地海，盡一份心。

創新的PLUP「水瓶」。

官方网站：http://www.plup.com

這「水瓶」的名字，叫做「PLUP」。根據Stefan Lindfors本人的說法，因為「plup聽起來，就像將石頭丟到水中時，會聽到的聲音。」

Stefan Lindfors本人，在記者會現場示範PLUP的使用方式。Source: 赫爾辛基日報, http://www.hs.fi (photographer: Laura Oja)

創新設計思考，讓自然環境更美好

我剛在報上看到新聞時，僅管內容都看得懂，卻仍然盯著照片狐疑了半天：這是「水瓶」嗎？是以後我進了超市就可以買回家的「水瓶」嗎？明明就像個遇上了海星的救生圈啊！過了幾秒才又因覺察到自己思考上的窒礙而恍然：誰說「水瓶」一定要像「水瓶」，誰說裝水的東西一定是我習以為常的「瓶」或「罐」或「杯」呢？如何創新形式材質與功能，讓自然環境更能永續，也許正是新一代的工業設計，應當思考的課題。

而日常生活中，又有多少小物品，我們對它們的存在與功能形式，太視之為理所當然，以至於失去了敏感的想像能力呢？一旦有機會跳出框架，也許就會從中看見新的詮釋，甚至學著運用設計的思維，讓每一日的生活，有更多新的可能。

讓芬蘭設計的環保理念，走向世界

專為這產品而成立的Plup公司亦表示，若是將來水瓶出口到芬蘭以外的其它地區與國家，PLUP將會捐出部分利潤給當地的環保行動，並依照不同國家的環境問題需求，來尋找捐款的目標。僅管水瓶在芬蘭都還未上市，光是看到這「用日常設計，讓世界更美好」的理念，就讓我忍不住想把它推廣到更多國度，因為這設計背後的理想，與設計本身同樣吸引人。我已經開始想了：如果有一天，Plup水瓶也來到台灣，不知道哪一個面向的環境問題，哪一個環保行動，會最引起人們關注呢？

話再說回來，雖說瓶身可以環保回收，Plup鼓勵人們不用回收，繼續使用，為它注滿更多的水，或是創造出更多的新用途。

比方，它可以搖身變成皮帶上的酷飾品：

變成小朋友們的玩具：

變成一只別緻的花瓶：

同樣一件物品，應用的範圍，唯一的上限，是你的想像力邊界。

而它創新的形式與功能，也讓我重新聯想到芬蘭設計裡那份關心自然、珍惜資源、一物多用的理想精神。

說真的，這麼可愛的設計水瓶，等我買回來喝完後，不但不會想回收，還會想要多買幾個，為海洋盡一份小心力，也運用它發揮個人創意。

寫到這裡，我想起自己兩年前在採訪運用舊布料製作新衣服與新用品的芬蘭設計品牌Globe Hope設計師Anna Huoviala時，她就曾告訴我：僅管環保設計品本身蘊含理想，然而許多顧客購買的動機，仍是產品本身「別緻」、「好看」、「好用」，正因為要讓每個人都因環保理念而買用品，太理想化，於是設計品如何運用本身的美感與功能性說話，就同樣重要，無論擁有者在當下是否意會到背後的環保理念，設計品的存在本身，或許會在未來的某一天，讓小小的思維改變成為可能。

“照明作品”是Stefan Lindfors的最新项目，一组引人入胜的启发性三维作品，作品超越了艺术与设计、照明与雕塑的界限。这位多才多艺的家具设计师、艺术家、建筑师及电影制作人，其工作涉及项目包括艾烈希（Alessi）、Iittala、玛丽麦高（Marimekko）、诺基亚、维特拉（Vitra），职业开始之初就涉及照明方面（发起于1988年，当时Ingo Maurer制作了Lindfors‘s Scaragoo照明灯）。然而，“照明作品”是Lindfor的第一个结合照明源于一体的雕塑作品。由焊钢和纤维玻璃组合成的半透明的雕塑内部，Lindfors安装了一系列的LED构成内部机体器官链。

该作品集的灵感是来自一位49岁的设计师，2009年的时候一位著名的摄影师Nan Goldin购买了Lindfors的雕塑，想在上面安装LED。Lindfors受到这一建议的启发，最终形成了“照明作品”这一项目。他使用灯光照明让每个雕塑表现其自己的特性。所有的这九个各具特色的作品于7月8日在位于麦迪逊大街60号的Material ConneXion的纽约总部展出。

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“标准化并不意味着所有的房屋都一模一样，而主要是作为一种生产灵活体系的手段，以适应各种家庭对不同房屋的需求，适应不同地形、不同朝向、不同景色等等。”

阿尔瓦·阿尔托（Alvar Aalto，1898～1976，全名为Hugo Alvar Herik Aalto）

阿尔瓦·阿尔托(AlvarAalto)是现代建筑的重要奠基人之一，也是现代城市规划、工业产品设计的代表人物。 他在国际上的声誉与四位大师一样高，而他在建筑与环境的关系、建筑形式与人的心理感受的关系这些方面都取得了其他人所没有的突破，是现代建筑史上举足轻重的大师。

芬兰现代建筑师，人情化建筑理论的倡导者。1898年2月3日生于库奥尔塔内（kuortane），1921年毕业于赫尔辛基工业专科学校建筑学专业。1923年起,先后在芬兰的于韦斯屈莱市和土尔库市开设建筑事务所。1928年参加国际现代建筑协会。1929年，按照新兴的功能主义建筑思想同他人合作设计了为纪念土尔库建城700周年而举办的展览会的建筑。他抛弃传统风格的一切装饰，使现代主义建筑首次出现在芬兰，推动了芬兰现代建筑的发展。

大约在1924年，他为学校设计了几家咖啡馆和学生中心，并为学生设计成套的寝室家具，主要运用“新古典主义”的设计风格。同年，他与设计师阿诺·玛赛奥(AinoMarsio)结婚，共同进行长达5年的木材弯曲实验，而这项研究导致了阿尔瓦·阿尔托20世纪30年代 革命性设计的产生。

阿尔托于1928年参加国际现代建筑协会。1929年，按照新兴的功能主义建筑思想同他人合作设计了为纪念土尔库建 城700周年而举办的展览会的建筑。他抛弃传统风格的一切装饰，使现代主义建筑首次出现在芬兰，推动了芬兰现代建筑的发展。第二次世界大战后的头10年， 阿尔托主要从事祖国的恢复和建设工作，为拉普兰省省会制订区域规划（1950一1957）。

1931~1932年，阿尔托设计了芬兰帕伊米奥结核病疗养院，他的最初设计的现代化家具也在那里亮相，这是阿尔托的家具设计走向世界的更大突破。1935年阿尔托夫妇与朋友一起创建了Artek公司，专为阿尔托设计的家具、灯饰及纺织品做海外推广。

1936年，阿尔瓦·阿尔托为他负责室内装修设计的赫尔辛基甘蓝叶餐厅（Ravintola Savoy）设计了一款花瓶作为装饰品之一，即后来以他的名字命名的经典玻璃制品，不仅在1937年巴黎国际博览会上展现了芬兰现代设计的水平，还成为世界众多博物馆的珍藏品，并在1988年获得国际桌上用品奖。其设计趣味来自随意而有机的波浪曲线轮廓，完全打破了传统的对称玻璃器皿的设计标准。人们猜测 波浪曲线轮廓象征着芬兰星罗棋布的湖泊。这是天才的设计大师阿尔托除了建筑之外，为玻璃器皿制造业留下的经典杰作。从年龄上看阿尔托花瓶已经是”古董”， 但从设计上看，他至今仍然很超前，很现代。

阿尔托从1921年开始涉足建筑设计直至1976年，设计生涯历经55年。这期间，他设计了近100座独立的一家一户式的住房，其中一半以上的设计方案被采用。

一开始，阿尔托在房屋设计上就力求实现一种理想，即平等地为每一个人提供更好的居住环境，他认为这是他作为一名建筑设计师的责任，表现了他内心深处对社会变革的诉求。阿尔托曾经说过：“建筑不能拯救世界，但它可以为人们做出一个好的榜样。”

1957年阿尔托在明确地表达他的哲学观时，指出：“建造天堂是建筑设计的一个潜在动机，这一理念会不断地从每个角落里涌现出来。它是我们设计建筑的唯一目的。如果我们不能始终坚持这一理念，我们的建筑将是简陋且无价值的，但我们的生活会富裕起来，然而，这种富裕的生活又有什么意义呢？每件建筑作品都是一个标志，他们向世人展示出我们愿意为世界上的所有普通人建造天堂的志向。”

尽管独立的一家一户式的房屋设计只是阿尔托众多精彩设计成果的一部分，但人们可以从中清晰地看出从上个世纪20年代到70年代间，阿尔托建筑设计的基本脉络和演变，同时，人们也可以从中领略到他的个人风格。这些私人的房屋都是与周围的环境紧密地联系在一起的。这表现了他一贯的设计方向，即：外部空间是内部空间的延续。

自然再现的理念在阿尔托的设计中反复出现。在生态这一概念出现之前，阿尔托就早已在他的建筑设计中体现出了生态建筑 的理念。1940年，他曾写到：“建筑师所创造的世界应该是一个和谐的，和尝试用线把生活的过去和将来编织在一起的世界。而用来编织的最基本的经纬就是人 纷繁的情感之线与包括人在内的自然之线。”

第二次世界大战后的头10年，阿尔托主要从事祖国的恢复和建设工作，为拉普兰省省会制订区域规划 (1950～1957)。阿尔托于1940年任美国麻省理工学院客座教授，1947年获美国普林斯顿大学名誉美术博士学位，1955年当选芬兰科学院院 士。1957年获英国皇家建筑师学会金质奖章,1963年获美国建筑师学会金质奖章。1976年5月11日逝于赫尔辛基。

阿尔托主要的创作思想是探索民族化和人情化的现代建筑道路。他认为工业化和标准化必须为人的生活服务，适应人的精神要求。他说：“标准化并不意味着所有的房屋都一模一样，而主要是作为一种生产灵活体系的手段，以适应各种家庭对不同房屋的需求，适应不同地形、不同朝向、不同景色等等。”他所设计的建筑平面灵活，使用方便，结构构件巧妙地化为精致的装饰，建筑造型娴雅，空间处理自由活泼且有动势，使人感到空间不仅是简单地流通，而且在不断延伸、增长和变化。阿尔托热爱自然，他设计的建筑总是尽量利用自然地形，融合优美景色，风格纯朴。芬兰地处北欧,盛产木材,铜产量居欧洲首位。阿尔托设计的建筑的外部饰面和室内装饰反映木材特征；铜则用于点缀，表现精致的细部。建筑物的造型沉着稳重，结构常采用较厚的砖墙，门窗设置得宜。他的作品不浮夸，不豪华，也不追随欧美时尚，创造出独特的民族风格，有鲜明的个性。

阿尔托的创作范围广泛，从区域规划、城市规划到市政中心设计，从民用建筑到工业建筑,从室内装修到家具和灯具以及日用工艺品的设计,无所不包。根据阿尔托建筑思想发展和作品的特点，他的创作历程大致可以分为三个阶段。

第一白色时期：1923～1944年，作品外形简洁，多呈白色,有时在阳台栏板上涂有强烈色彩;建筑外部有时利用当 地特产的木材饰面，内部采用自由形式。代表作为维堡图书馆(Viipuri Library1927～1935)和帕伊米奥结核病疗养院(Sanatorium Paimio1929～1933)。

红色时期：1945～1953年，创作已臻于成熟。这时期他喜用自然材料与精致的人工构件相对比。建筑外部常用红砖砌筑，造型富于变化。他还善于利用地形和原有的植物。室内设计强调光影效果，讲求抽象视感。代表作为芬兰珊纳特赛罗市政中心(1950～1952)和美国 麻省理工学院的学生宿舍──贝克大楼(1946～1949)。

第二白色时期：1953～1976年，这时期建筑再次回到白色的纯洁境界。作品空间变化丰富，发展了连续空间的概念，外形构图重视物质功能因素，也重视艺术效果。代表作为芬兰珊纳约基市政府中心（1950～1952年建）、伊马特拉市教堂、卡雷住宅、奥尔夫斯贝格文化中心（1958～1962年建）、欧塔尼米技术学院礼堂、赫尔辛基芬兰地亚会议厅（1962～1975年建，A.阿尔托设计）伊马特拉附近的伏克塞涅斯卡教堂（1956～1958）、联邦德国沃耳夫斯堡的沃尔斯瓦根文化中心(1958～1962)和不来梅市的高层公寓大楼(1958～1962)等。

阿尔瓦·阿尔托(Alvar Aalto)作品集 

帕伊米奥结核病疗养院(Sanatorium Paimio 1929～1933)

帕伊米奥结核病疗养院是1929年参加设计竞赛的中标作品，1933年建成。疗养院细致地考虑了疗养人员的 需要，每个病室都有良好的光线、通风、视野和安静的休养气氛。建筑造型与功能和结构紧密结合，表现出具有理性逻辑的设计思想。形象简洁、清新，给人以开 朗、明快、乐观的启示。

造成这种突破的主要原因，是斯堪的那维亚国家的自然条件。这里冬季漫长，日照短暂，令人感觉压抑。北欧盛产的木材和 红砖给人以温馨的感觉。大尺寸的顶部圆筒形照明孔，一方面是能够引入日光的天窗，另一方面是黑夜时的人造光源。把日光与人造光源归于同一顶部来源，在心理上造成太阳未落的感觉。这种设计，迄今还在斯堪的那维亚国家广泛应用。

维堡图书馆(Viipuri Library1927～1935)

芬兰珊纳特赛罗市政中心(Saynatsalo Town Hall 1950～1952)

从50年代起，阿尔托的设计项目接踵而来，但他主要的业务活动仍集中在芬兰。阿尔托战后最著名的作品是珊那特赛 罗镇中心建筑组群的设计。这个建筑群全部采用简单的几何形式，但在材料的使用上具有斯堪的那维亚特点：使用红砖、木材、黄铜等等，既具有现代主义的形式， 又有传统文化的特色，是把现代功能和传统审美结合得非常好的例子，在斯堪的那维亚地区受到广泛的注意和模仿。阿尔托的首先是为芬兰人民的，具有史诗般的特 征。芬兰相对美国来说是小国，但却能够在美国推动的国际主义风格运动中保持本民族精神，发展本民族的现代建筑，走出自己的道路，阿尔托是功不可没的。

美国麻省理工学院贝克大楼
（Baker Dormitory1946～1949年建，A.阿尔托设计）

赫尔辛基科技大学(Helsinki Univ.of Technology)

1971 赫尔辛基 芬兰大厦（Finlandia Hall Helsinki）

德国活尔斯瓦根文化中心,1958-1962年建A.阿尔托设计

赫尔辛基芬兰地亚会议厅，1962-1975年建,A.阿尔托设计

卡雷住宅

奥尔夫斯贝格文化中心

欧塔尼米技术学院礼堂

阿尔瓦·阿尔托最初的计划是在不使用任何工具 的情况下进行随意的勾勒，因此，在保证功能性关系和细节问题的前提下，无论在不规则的形状上还是在结构上，他所设计的作品都表现出其创造性和随意性。他使 用不同的材料，并采用综合的结构，同时还充分了解现场的场地特征，然后对每项建筑项目进行完美的设计。阿尔托采用大量重叠的手法开辟了更大的空间，并将窗 户的衔接、外界的景物通过一种光滑的曲线形式连接起来，以达到动感十足的目的。阿尔托经常在他的设计中采用这种设计方式，他认为这种设计可以达到人神共性 的目的，而且可以留出更大的空间。当然，他也非常关注人性的特征。

阿尔瓦阿尔托设计的楼梯

阿尔托使用诸如木材、砖块、石头、铜以及大理石等天然资源，同时也利用自然光线进行自然的衔接，风格实在而且连贯。鉴于他对土地的轮廓、光线的角度和方向的 敏感性，因此他需要自然环境和与自然环境相通的社会环境之间直接的联系，并能充分利用当地的自然景观。他们通过对自然环境的考察、自然资源的使用以及对景 观和植被环境的利用等，在建筑设计上获得了巨大的成功。大自然、阳光、树木以及空气等都在自然与人类和谐与平衡之间起了相当重要的作用。

阿尔瓦阿尔托设计的楼梯

和勒·柯布西耶的观点相反，阿尔托认为自然不是机器，不应该为建筑的模式服务，这种观点与 弗兰克·劳埃德·赖特的不谋而合。同时他还强调：“建筑不应该脱离自然和人类本身，而是应该遵从于人类的发展，这样会使自然与人类更加接近。”

阿尔瓦阿尔托设计的楼梯

阿 尔托大量不朽的建筑不但在纹理上相当丰富，而且在传统原料上来说也是相当广泛，主要体现在流动的空间、自然光线、空间的分配以及其他大量的细节等方面。他 的装饰也影响到了国际水平，正如他曾经说过：“没有什么可以再生，同时也没有什么可以完全消失，任何东西都会以一种新的形式呈现出来。”他认为，众多的建 筑对于建筑学的一系列问题而言是一种单独的解决方式，而这一系列问题又是建筑学方面的驱动力量，因此，这种观点后来得到国际上的认可和接受。

阿尔瓦阿尔托设计的楼梯

阿尔托于1898年2月3日生于芬兰的库奥尔塔内小镇(Kuortane),1921年毕业于赫尔辛基工业专科学校建筑学专业。是芬兰现代建筑师,人情化 建筑理论的倡导者，同时也是一位设计大师及艺术家。1923年起,先后在芬兰的于韦斯屈莱市和土尔库市开设建筑事务所。他十分钟情使用带有大自然气息的木 材作材料，他的家具有相当高的艺术自我表现力，使家具蕴涵着温馨、亲切、优雅、人文的情调，既有品味，又能保持大众化的目的，是真正现代设计的杰作。阿尔 托的家具进入了每一个芬兰家庭。

阿尔瓦·阿尔托（1898－1976）作品：

在设计商店里走走，经常可以看到一种形状曲折而不规则的花瓶，有高有低，有完全透明的，也有黑色和白色玻璃质的。曲折的花瓶像从空中俯瞰的湖泊形状，如果你去过斯堪的纳维亚，飞机快要降落时，从舷窗看出去，森林中一个个闪亮的湖泊，就像瓶口的样子。这个系列叫做“阿尔托花瓶”（Aalto Vase），也称做“萨沃伊花瓶”（Savoy Vase）。花瓶是世界设计的经典作品，设计师就是芬兰建筑大师，也是世界现代建筑的奠基人之一——阿尔瓦·阿尔托和他的妻子艾诺·马西奥·阿尔托 （Aino Marsio Aalto）。

阿尔托花瓶之所以能够几十年以来都是最著名的经典，大概是因为设计构思实在太独特 了。以往的花瓶，总是结构对称、均匀，即便一些设计会有突变的处理，但是整体看来还是个瓶子。阿尔托的设计则完全突破了瓶子的概念，形式几乎没有规则，因 而显得生机勃勃、低调而张扬。我在很多设计事务所看到会议室桌上摆一个阿尔托瓶子，瓶子盛清水，里面放几朵鲜花，非常好看。这个花瓶，好似密斯·凡·德罗 的“巴塞罗那椅子”，或者马歇·布鲁尔的“包豪斯椅子”一样，是少有的几件第二次世界大战前设计的最经典的现代作品，因此，它的象征性比实用性更加强烈。

1936年，芬兰阿什斯特朗（Ahlstrom）属下的玻璃器皿公司里塔拉 （Karhula-littala）举办了一次玻璃容器设计大赛，阿尔托做了一个很特殊的设计。他其实不是受湖泊形状的影响而设计了这个花瓶，而是受到芬 兰北部极地圈里的叫做萨米爱斯基摩妇女用木棍撑起麋鹿的皮做皮衣的方法启发。我在芬兰的时候看过这种土著的皮衣，叫做“Eskimkvinnans skinnbyxa”，英语翻译应该是“Eskimo woman’s leather breech”。阿尔托看见她们做皮衣的方式，因此联想到用类似方法做玻璃瓶。他把好几根木棍插到地里，在地里掏出一个小坑，然后把滚热的玻璃溶液吹到木 棍撑开的孔里，熔化的玻璃瞬时就把木棍也烧成灰烬，这样玻璃被吹得积压到孔的周边，得到的就是一个非规则的形状。玻璃冷却之后，从地里取出玻璃瓶，形状异 常好看。阿尔托的设计得到大奖，里塔拉公司也从那时起开始生产这种玻璃瓶。当时生产这种玻璃瓶用的是阿尔托的木模方法，做一个就毁坏一个木模，因此造价很 贵，这也是为什么阿尔托瓶子好长时间没有普及，仅仅是设计圈、文化圈和富人圈中的摆设品的缘故。

为了标榜自己的档次，芬兰首都赫尔辛基的萨沃伊餐厅（Savoy Restaurant in Helsinki）收购了阿尔托瓶子的专利，因此改名为“萨沃伊花瓶”，从此成为这个餐厅的招牌。因为瓶子的形状可以延伸设计，所以之后又演变出碟子、托盘。

阿尔托花瓶几乎用了色谱中所有的色彩制作，你到赫尔辛基的设计商店、北欧的设计博物馆的小卖部里看看，什么色彩都有。这是玻璃瓶设计中最经久不衰的一种，直到现在依然非常流行。

1936年，阿尔瓦·阿尔托为他负责室内装修设计的赫尔辛基甘蓝叶餐厅（Ravintola Savoy）设计了一款花瓶作为装饰品之一，即后来以他的名字命名的经典玻璃制品，不仅在1937年巴黎国际博览会上展现了芬兰现代设计的水平，还成为世 界众多博物馆的珍藏品，并在1988年获得国际桌上用品奖。其设计趣味来自随意而有机的波浪曲线轮廓，完全打破了传统的对称玻璃器皿的设计标准。人们猜测 波浪曲线轮廓象征着芬兰星罗棋布的湖泊。这位天才的设计大师阿尔托除了建筑之外，为玻璃器皿制造业留下的经典杰作。从年龄上看阿尔托花瓶已经是“古董”， 但从设计上看，他至今仍然很超前，很现代。

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“Most people spend their lives living in dreary, beige conformity, mortally afraid of using colors. The main purpose of my work is to provoke people into using their imagination and make their surroundings more exciting.” -Verner Panton

维纳尔•潘顿[Verner Panton1926一一1998]，丹麦人，后定居于瑞士巴塞尔。1947-1951在丹麦皇家艺术学院学习，曾在雅各布森(Arne Jacobsen)的事务所工作过，后定居瑞士巴塞尔。他打破北欧传统工艺的束缚，运用鲜艳的色彩和崭新的素材，开发出充满想象力的家俱和灯饰。从50年代末起，他就开始了对玻璃纤维增强塑料和化纤等新材料的试验研究。60年代，他与美国米勒公司合作进行整体成型玻璃纤维增强塑料椅的研制工作，于1968年定型。这种椅可一次模压成型，具有强烈的雕塑感，色彩也十分艳丽，至今仍享有盛誉，被世界许多博物馆收藏同时，他还是一位色彩大师，他发展的所谓平行色彩理论，为他创造性地利用新材料中丰富的色彩打下了基础。

他的设计灵感来源于他丰富和与众不同的想像力. 潘顿椅外观时尚大方，有种流畅大气的曲线美，其舒适典雅，符合人体的身材，潘顿椅色彩也十分艳丽，具有强烈的雕塑感，至今享有盛誉，被世界许多博物馆收藏。潘顿椅的成功成为现代家具史上革命性的突破。从20世纪50年代起, 潘顿开始对玻璃纤维增强塑料和化纤等新材料进行研究. 并于1959-1960年间, 研制出了著名的潘顿椅, 这是世界上第一把一次模压成型的玻璃纤维增强塑料(玻璃钢)椅.

70年代革命性设计的怀旧之风兴起。以Verner Panton的”Sitting Stairs”为设计模板的桌面雕塑”Lighting Stairs”粉墨登场。 “Lighting Stairs ——阶梯烛台”——对于充满传奇色彩的丹麦籍建筑大师和设计师Verner Panton那充满革命性的艺术设计品来说，这无疑是一个恰当名字。这款全新的烛台以Verner Panton于1973年设计的著名的”Sitting Stairs”为榜样。”Sitting Stairs”有着清晰的几何形状和清晰的色彩；凭借着它，Verner Panton离自己的理想又近了一步。抛弃将空间分为地板、墙面和天花板的传统三分法——这曾是他的愿望。 Marianne Panton是这位于1998年逝世的伟大设计师的遗孀，如今她放开了”Sitting Stairs”的设计使用权。现在，丹麦籍的居住氛围和照明专家Herstal把将桌面雕塑和烛台合二为一的作品重新推向市场，作为这款设计的授权迷你版。色彩鲜明，几何形状完美统一，并且可以自由摆动的，像彩虹一样的”Lighting Stairs”是一件空间艺术品。它是对70年代的回顾，也是对当时常常让人产生幻觉的设计风格的一种怀念。 关于Verner Panton其人： Verner Panton（1926年2月13日出生于加姆托夫特，1998年9月5日辞世于哥本哈根）1974年至1951年就读于奥登斯技术学院和哥本哈根丹麦皇家艺术学院。1955年他开办了自己的设计室。他为托奈特（Thonet）公司设计了”自由摇摆 S椅”。1959/60年以Panton名字命名的”Panton椅”问世，这是二十世纪最重要的椅子之一。 Panton的内部空间设计理念充满了革命性。他喜欢用色彩和材料作试验。 Panton曾经赢得过无数设计奖项，其中包括国际设计大奖、罗森泰设计精品奖、以及德国联邦”优良设计”奖。

In the mid-1950′s, Verner panton converted a Volkswagen bus into a mobile studio and travelled across Europe. In 1958 he returned to Denmark full of unconventional ideas… one of which evolved into the iconic Heart Cone Chair.

Defying gravity, the cone was both futuristic and shocking… so much so that when it was exhibited in a shop window in New York City police had to order its removal due to the traffic chaos its presence created. A comfortable club chair for everyday use, Vitra has faithfully re-issued this classic in close collaboration with the Panton estate. The Heart Cone Chair takes its name from its heart-shaped silhouette.

由知名设计师VernerPanton和PernilleVea共同设计的作品，这款Menu非常受到欢迎的隔热咖啡杯，每每一推出新的造型款式，即销售一空，优美的设计，也让它获得国际设计奖的肯定。

在VernerPanton的巧思点缀下，将原来经典的隔热咖啡杯，披上了更华丽、现代风格的时尚外衣，不论是黄金图腾，或是白金亮泽，都让这款热门的生活精品，更加地具有价值，作为圣诞礼品、生日、婚礼等等之用，更加代表您深挚的祝福情意。

隔热咖啡杯壁面为双层设计，不仅可以保持饮品温度，再您拿取时，更不会感到冰冷或烫手。

设计师 Verner Panton

Amoebe Highback是1970年发行，灵活的曲线为它的一大特色。 他的原始模型，被博物馆和私人收集，获得了许多奖。

 
在歐洲佔有重要地位的設計大師Verner Panton以60年代經典圓點，普普歡樂顏色為餐具的設計帶來愉快的氣氛。此款圖騰是非常具有大師個人特色的代表經典之一。

潘顿椅

人类史上首件一体成形的塑料家具“潘顿椅”，早在1959年就已设计完稿，但为了克服悬臂设计的支撑性，一直停留在构思阶段，直到1968年，设计师潘顿找到了强化聚酯这个材质，才得以量产。

这个线条优美的椅子，证明了聚合材料的能耐，它能创造各式各样流线型、且具未来性的作品。潘顿椅在发明后，历经几次改良，1990年Vitra采用新研发的聚酯材质，加强表面抗刮损能力，1999年改以聚丙烯(polypropylene)重新生产，不怕日晒龟裂，且可回收再利用。

100年前，发明塑料的比利时化学家贝克兰(LeoBakeland)在他的日志写道：“我相信这个东西，会是个重大发明！”当时的他恐怕没想到这个发明，竟然彻底改变了人类百年来的生活。

当时贝克兰是以甲醛和酚类的反应副产品，再经“电木炉”加热后，产生硬且轻巧的物质，这就是“塑料”，也被称为“电木”。1952年，德国化学家齐格勒(KarlZiegler)和意大利化学家纳塔(GiulioNatta)发明了聚丙烯，并在1963年荣获诺贝尔化学奖。

这个诺贝尔化学奖，让工艺设计师得以用聚丙烯制成各种物件，1968年，人类第一张一体成形、以强化聚酯制成的塑料椅问世，这张人类史上最知名的椅子──潘顿椅(PantonChair)，开启了塑料家具的历史。

维纳尔•潘顿作品：Verner Panton art work：

面对潘顿的独白-于国华

设计大师维诺·潘顿回顾展第一天，我在傍晚时分离开位于台中市的“台湾建筑设计艺术中心”展场，脑中仍然充满那些绚丽的颜色、惊世骇俗的曲线。读到台湾东海大学建筑系主任刘舜仁在文章中引述潘顿的一段话：“一个不太成功的实验比一个美丽却陈腐的设计更令人喜爱。”竟感动莫名。

潘顿1926年生于丹麦，1963年定居瑞士巴塞尔直到去世。他是位不寻常的建筑师，真正让他扬名的不是建筑，而是他设计的家具，特别是他在1960年首创全球第一把以单一材质、一体成形的塑料“潘顿椅”。他活跃在上世纪六七十年代，许多作品如今看来依旧前卫。

潘顿回顾展的策展人瑞梅尔说，潘顿的创作力，来自让生活更轻松有趣的动机。潘顿曾说：“我无法忍受进入一个客厅，里头摆着沙发、咖啡桌和两张扶手椅，然后我整晚就要困在这地方。”他致力于各种实验，为空间创造意想不到的家具、装潢，甚至布料。

不肯屈就的感官是创意的源头，而开放的感官则是品位的起点。对日常生活缺乏幻想，不会诞生改变生活的便利创意或趣味设计；对城市没有冒险的期待，不会有建筑师创造别具风格的环境。品位让人不满足于庸俗，但品位绝不等于奢华，反而缺乏品位认知、让生命虚耗在平庸里，才是对时间分配的过度奢华。

桌上摆着朋友李俊明的新书《生命就应该浪费在美好的设计上》，这书名，何等精准动人！他笔下描绘的瑞士，不以小国寡民为卑，用尽心思营造最独特的环境空间和生活器物。是这样的环境滋养了潘顿，如今潘顿也成为瑞士巴塞尔的资产。

在瑞士这样的国度，即使毫无目标地闲晃，感官依旧丰富愉悦。很难想在台湾的都市里闲逛一天，除了吸饱污烟瘴气，能有多少愉悦经验。台湾人对环境丑陋的视而不见、对生活细节的毫不在乎，让生命失去原本应有的重量。

习惯生活在代工基地的台湾人，普遍以勤俭打拼为美、逸乐闲散为耻，但这种追求效率的生活态度，并不能转化为发展文化创意产业的本钱。在生活考究的地区，品位不必刻意强求，生活中处处是享受；而在台湾，品位却成为表彰身分地位的奢侈品。

生活的品味能力决定了文化创意产业的实力。不理解品味生活的重要，就不会考究日常生活的细节；对环境恶质的继续容忍，只会让政府更惰于建设高水平的城市。如果台湾继续不在乎品位，最后是台湾再也不可能有品位。

没有品位的环境，永远不会诞生潘顿。生活在这样的环境，对生命是一种浪费，但我们竟毫不自觉。

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