“我喜欢在建筑过程中看不见的美，而这种美又常常在技术制造过程中失落了。”——弗兰克·盖里

弗兰克·盖里 Frank Owen Gehry ，解构主义建筑师。1929年2月28日生于加拿大多伦多的一个犹太人家庭，17岁后移民美国加利福尼亚，并在南加利福尼亚州大学获得建筑学硕士学位，毕业后在哈佛大学从事城市规划。他现在归化于美国籍，并且生活在洛杉矶，是纽约哥伦比亚大学中有名的建筑教授。弗兰克·盖里以设计具有奇特不规则曲线造型雕塑般外观的建筑而著称。盖里的设计风格源自于晚期现代主义（late modernism），其中最著名的建筑，是位于西班牙毕尔巴鄂，有着钛金属屋顶的毕尔巴鄂古根汉美术馆（Museo Guggenheim Bilbao）。

他于1989年获得普利策（Pritzk-er）建筑奖，1992年获得Wolf建筑艺术奖，并被提名为1992年建筑界最高荣誉奖的领奖人。1994年，他成为LillianGish Award 的终生贡献艺术奖项的第一位得奖人。

弗兰克·盖里作品——

毕尔巴鄂古根海姆博物馆

地点：西班牙

1991年，西班牙北部城市毕尔巴鄂市政府与古根海姆基金会共同做出了一项对城市未来发展影响极为深远的决定：邀请美国建筑大师弗兰克·盖里为该市即将兴建的古根海姆博物馆进行建筑设计。

1997年，一座石破天惊的建筑杰作在西班牙中等城市毕尔巴鄂横空出世，它以奇美的造型、特异的结构和崭新的材料立刻博得举世瞩目，被报界惊呼为“一个奇迹”，称它是“世界上最有意义、最美丽的博物馆。”它就是古根海姆艺术博物馆。

设计：弗兰克·盖里（F.O. Gehry）毕尔巴鄂古根海姆博物馆在1997年正式落成启用，它是工业城毕尔巴鄂（Bilbao）整个都市更新计划中的一环。当初斥资一亿美金动工兴建，整个结构体是由加州建筑师盖里（F Frank O. Gehry），借助一套v空气动力学使用的电脑软件逐步设计而成。博物馆在建材方面使用玻璃、钢和石灰岩，部分表面还包覆钛金属，与该市长久以来的造船业传统遥相呼应。博物馆全部面积占地两万四千平方公尺，陈列的空间则有一万一千平方公尺，分成十九个展示厅，其中一间还是全世界最大的艺廊之一，面积为130公尺乘以30公尺见方。这项文化名胜已经吸引许多人前来毕尔巴鄂参观，每年参观人数从26万人增加到100万人。博物馆活化了当地的经济（巴斯克省的工业产品净值因此成长了五倍这多），也为该市盈率带来新生。

古根海姆艺术博物馆选址于旧城区边缘、内维隆河南岸的艺术区域，该博物馆是最醒目的第一层滨水景观。整个建筑由一群外覆钛合金板的不规则双曲面体组合而成。纽约古根海姆博物馆是世界著名的私立现代艺术博物馆，是世界上最早在博物馆业引入和运用“文化产业”概念并在事业上获得巨大成功的博物馆。在纽约拥有两处展览场馆并在意大利威尼斯拥有分馆。作为世界上最著名的西方现代美术博物馆之一，该馆的收藏基本上是印象派以后各名家的作品，尤其是抽象艺术品的收藏更是居于世界各博物馆之首。

项目名称：毕尔巴鄂古根海姆美术馆
建筑师：弗兰克·盖里
项目地点：西班牙毕尔巴鄂
项目时间：1997年

毕尔巴鄂古根海姆美术馆（Guggenheim Museum Bilbao）是一个专门展出现当代艺术作品的美术馆，位于西班牙的毕尔巴鄂。它在1997年由古根海姆基金会创建，是位于全世界数间古根海姆美术馆之一。它的主建筑由法兰克·盖瑞设计（ Frank Gehry），是被认为是世界上最壮观的解构主义建筑。

毕尔巴鄂古根海姆美术馆由地方投资兴建，纽约古根海姆博物馆经营并提供展品，被认为是面向21世纪的博物馆。该馆建筑面积2.4万平方米，位于勒维翁河南岸。博物馆造型由曲面块体组合而成，内部采用钢结构，外表用闪闪发光的钛金属饰面，钛板总面积2.787万平方米。造型的独特是建筑师盖里近几年个人风格的继续；也是古根海姆负责人的愿望，他们希望这幢建筑具有强烈的吸引力，成为城市的标志。虽然该建筑外观自由奔放，但是室内功能仍然井井有条、复杂而不杂乱。

1996年普利兹克建筑奖得主、哈佛大学教授、西班牙著名建筑师拉斐尔莫尼欧对毕尔巴鄂古根海姆美术馆的设计由衷叹服道：“没有任何人类建筑的杰作能像这座建筑一般如同火焰在燃烧。”这个作品中盈溢的那种暗合于西班牙文化的、既激扬又沉静的诗意，不仅倾倒了全世界的万千民众，也折服了无数对盖瑞满怀偏见的建筑师。

如果将弗兰克·盖里的建筑作品剖开，我们可以清晰的看到，在热情奔放，充满动感的艺术形式背后，还隐藏着一条逻辑，严谨的现代功能主义的线索。毕尔巴鄂古根海姆博物馆就是一个生动的例子，在复合曲面包裹的后面，多个尺度不一，矩形方盒子的组合实现了对传统美术馆内部“白立方”空间特征的基本诉求。

个性且艺术化的形式与现代功能主义的逻辑，就似弗兰克盖里建筑生命中DNA相互缠绕的两条曲线，清晰的勾勒出他建筑人生的轨迹。建筑评论家们往往沉迷于弗兰克盖里建筑放荡不羁的雕塑形式和他个人艺术家的个性与风格，而往往忽视他作为真诚的现代主义的信徒，所本能地体现出他还是一个现代功能主义的建筑师，这种本能就像DNA一样，深深地根植于他的建筑生命之中，源于他所成长与受教育的时代。

毋庸置疑，弗兰克·盖里不是艺术家，因为，时至今日，还没有哪一位艺术家能有机会，有能力去驾驭尺度如此之大的城市雕塑，但他也不是评论家眼中的纯粹的建筑师，因为他从来都主观地认为：“除了艺术，建筑什么都不是。”我们很难用今天建筑学的体系去定义他的建筑，因为他没有自己的理论，从不著书也很少教书。但在我看来，弗兰克·盖里是我们这个时代最伟大的建筑师，是作为一个艺术家的建筑师，因为他为这个时代留下了会说话的建筑，充满了情感，艺术情趣的建筑神话。

美国建筑师弗兰克·盖里是以玩味奇特建筑形态而享誉世界的建筑大师，其创作的众多作品由于形态特征突出、时代气息浓郁、艺术风格独特而举世闻名。丰富的建筑形态语言是弗兰克·盖里与世人交流的有效工具。他用极具独创性的建筑形态来向世人展示其非凡的艺术创造力和空间想像力。他的一系列作品在不断突破传统审美法则的同时，也体现了弗兰克·盖里为追求自由、彰显个性在建筑创作上孜孜以求的探索精神。他的作品不仅为人们勾勒出一幅幅当代西方的人文精神画卷，也呈现出建筑美学领域的又一块处女地，使人们看到了建筑美学可发展的无限空间。同时，也正是这些作品使弗兰克·盖里成为当今国际上极具争议的几位先锋派建筑师之一。

于1962年建立他自己的公司——Frank O.Gehry and Associates, Inc.之前，他随着洛杉矶的Victor Gruen（1953-1954）与Pereira & Luckman（1957-1958），及巴黎的Andre Re-mondet等建筑师见习。他曾在南加州大学（1972-1973）与加州大学洛杉矶分校（1988-1989）担任助理教授及哈佛大学（1983）、莱斯大学（Rice, 1976）及加州大学（1977-1979）客座评论师。1982、1985、1987、1988及1989年，他拥有耶鲁大学建筑系之Charlotte Davenport教授的职位。1984年，担任哈佛大学Eliot Noyes讲座。1986年10月，由沃克（Walker）艺术中心主办一场有关他的作品的重要回顾展，此展览由明尼阿波里斯巡回至亚特兰大、休士敦、多伦多及洛杉矶，闭幕于纽约的美洲艺术惠特尼（Whitney）博物馆。1974年，他被遴选为美国建筑师协会（AIA）的学院会员。他于1987年成为美国艺术与文学学会之一员，1991年成为美国艺术与科学学会的一员。1989年，他获得普利兹克（Pritzk-er）建筑奖，同年被提名为在罗马的美国建筑学会理事。1992年，他获得Wolf建筑艺术奖，并被提名为1992年建筑界最高荣誉奖的领奖人，此荣誉奖由日本艺术协会颁发。1994年，他成为Lillian Gish Award 的终生贡献艺术奖项的第一位得奖人。同年，他被国家设计学院授予院士头衔。他获得加州艺术技术学院、Nova Scotia技术大学、罗德岛设计学校、加州艺术学院、及Parsons设计学校Otis艺术学院的荣誉博士学位。他同时也是美国艺术与文学学会Arnold W.Brunner建筑纪念奖的得奖人。

德国维特拉设计博物馆（Vitra Design Museum） – 弗兰克·盖里（Frank Gehry）

建筑概况：
建筑设计：Gehry Partners
地点：德国莱茵河畔瑞尔Vitra园区（Weil am Rhein, Germany）
别称：维特拉家具博物馆
主持建筑师： Frank Gehry
建筑风格： 解构主义建筑
建成时间：1989年

维特拉设计博物馆由弗兰克·盖里在1987年主持并完成设计工作，于1989年10月竣工，拥有740平方米的展览面积。该馆主要用于收藏并展示19世纪以来的约2000余件不同时期和不同风格的椅子以及其他家具等设计作品。值得一提的是，在2004年维特拉家具公司从原先商业客户的办公类家具开始向个体客户的居家市场拓展，这一市场的拓展带来了大量经典的、再版的、甚至一些后现代风格的设计作品，而为这些作品展陈所需的室内空间在维特拉厂区却处于匮乏的状态，于是公司在厂区北部原先的一块预留建设场地为新的“居家系列”家具设计建造一个新的博物馆——维特拉家具博物馆（VitraHaus），该馆则由赫尔佐格与德梅隆（Herzog & de Meuron）设计。

盖里设计的这座博物馆从远处看去就象是置于自然风景中的一个经过艺术家精心制作的雕塑，人们从各个角度均可欣赏到它那优雅的姿态。博物馆作为艺术和文化活动的中心，必须具有良好的艺术形象，其外部形象与内部空间应给人带来视觉上的震憾，同时它还应有能力确切表达它的内涵，即具有丰富的象征意义。正是基于这一点，盖里以其独特的设计手法，用几何形体和自然光线塑造了一个新颖独持、充满动感、复杂多变、相互穿插而又相互扭曲的“建筑雕塑”，它再次打破了人们对传统建筑中内外空间的印象。维特拉家具博物馆被塑造成了带有鲜明盖里风格的建筑 , 成了维特拉厂区内醒目的标志。

外露的建筑构件 VS 不同特质的动态室内空间

盖里在设计中着力去表现建筑的营建和制造活动的过程，并使外部复杂的形体对应于其内部不同的使用功能。“形式服从功能”在维持拉家具博物馆得到了充分甚至夸张的体现，博物馆外观形状各异的体块，其内部正是展室、坡道、楼梯、入口以及天窗等，盖里将这些建筑构件作为极其重要的造型要素，完全暴露并加以表现,让人感知。

弗兰克盖里建筑风格：

弗兰克·盖里受到南加利福尼亚州大学文化的激励，但缺乏理想化的形式，盖里广泛吸取着来自艺术界的抽象片断和城市环境等方面的零星补充。盖里的作品相当独特，也很具个性，他的大部分作品中很少掺杂社会化和意识形态的东西。他通常使用多角平面、倾斜的结构、倒转的形式以及多种物质形式并将视觉效应运用到图样中去。盖里使用断裂的几何图形以打破传统习俗，对他而言，断裂意味着探索一种不明确的社会秩序。

在许多实例中，盖里将形式脱离于功能，所建立的不是一种整体的建筑结构，而是一种成功的想法和抽象的城市机构。在许多方面，他把建筑工作当成雕刻一样对待，这种三位结构图通过集中处理就拥有多种形式。艺术经常是盖里的灵感发源地，他对艺术的兴趣可以从他的建筑作品中了解到。同时，艺术使他初次使用开放的建筑结构，并让人觉得是一种无形的改变，而非刻意。盖里设计的建筑通常是超现实的、抽象的，偶尔还会使人深感迷惑，因此它所传递的信息常常使人误解。虽然如此，盖里设计的建筑还是呈现出其独特、高贵和神秘的气息。

盖里仿佛与美国都市格格不入，他采用多种物质材料、运用各种建筑形式，并将幽默、神秘以及梦想等融入他的建筑体系中。他曾说：“我喜欢这种在建筑过程中看不见的美，而这种美又常常在技术制造过程中失落了。”盖里在早期的工作中就大胆运用开阔的空间、各种原材料以及不拘泥的形式来进行建造。盖里的建筑也包含了普通的过程，有继续进行的生命、进化中的生命和成长中的生命等。

盖里的作品相当独特，极具个性，他的大部分作品中很少掺杂社会化和意识形态的东西。他通常使用多角平面、倾斜的结构、倒转的形式以及多种物质形式并将视觉效应运用到图样中去。

盖里的设计范围相当广泛，包括购物中心、住宅、公园、博物馆、银行、饭店、胶合板家具以及曲状的椅子等，而且胶合板的椅子在市场上相当火爆，因此评论家们批判其打着艺术的招牌胡乱行事，但盖里并没因此而停止自己的创作，他使用的材料从公众接受的木材到始料不及的金属铁丝网。尽管他的作品与其他作品有很大程度的不同，但在某些类别上又有或多或少的联系，但是在与传统的城市功能、形式、空间以及总体外形等方面的比较上，盖里的作品又有相当优越感，他创造了一种独特的风格，在建筑形式上也开启了一个新的篇章。

盖里在建筑和艺术间找到了共鸣，明显与模糊、自然与人工、新与旧、晦暗与透明、堵塞与空旷等方面，这就是盖里与其他建筑作品最为明晰的对照，因此盖里被誉为“建筑界的毕加索”。

深受洛杉矶城市文化特质及当地激进艺术家的影响，盖里早期的建筑锐意探讨铁丝网、波形板、加工粗糙的金属板等廉价材料在建筑上的运用，并采取拼贴、混杂、并置、错位、模糊边界、去中心化、非等级化、无向度性等各种手段，挑战人们既定的建筑价值观和被捆缚的想像力。其作品在建筑界不断引发轩然大波，爱之者誉之为天才，恨之者毁之为垃圾，盖里则一如既往，创造力汹涌澎湃，势不可挡。终于，越来越多的人容忍了盖里，理解了盖里，并日益认识到盖里的创作对于这个世界的价值。

项目名称：沃特·迪斯尼音乐厅 Walt Disney Concert Hall
建筑师：弗兰克·盖里
项目地点：美国纽约
项目时间：1992年12月—2003年10月

洛杉矶迪斯尼音乐厅是一座巨大的解构主义建筑，奇特的不锈钢风帆状造型，以其动人心魄的独特外表成为美国第二大城市洛杉矶的新地标。这座超现代的大型音乐厅主厅可容纳2265席，还有266个座位的罗伊迪士尼剧院以及百余座位的小剧场。它成为一个音乐爱好者和旅游者共同膜拜的艺术殿堂。

经历16年波折、耗资2.74亿美元修建的沃尔特·迪斯尼音乐厅2003年在洛杉矶市中心正式落成时，其独特的外表引来的关注早已超过了音乐厅本身。厅内设计上，就是认为欣赏音乐是一种全面体验，并不仅局限于音响效果。因此在设计时充分考虑了演奏大厅内的视觉效果、温度以及座椅的感觉等因素。大厅设计上，盖里运用丰富的波浪线条设计天花板以营造出一个华丽的环形音乐殿堂。为使在不同位置的听众都能得到同样的充分的音乐享受，音乐厅采纳了日本著名声学工程师永田穗的设计；厅内没有阳台式包厢，全部采用阶梯式环形座位，坐在任何位置都没有遮挡视线感觉。音乐厅的另一设计亮点是，在舞台背后设计了一个12米高的巨型落地窗供自然采光，白天的音乐会则如同在露天举行，窗外的行人过客也可驻足欣赏音乐厅内的演奏，室内室外融为一体，此一设计绝无仅有。

这个音乐厅是由米老鼠之父沃特·迪斯尼的遗孀莉莉安提议建造的，她宣布捐出5000万美金建造一座以沃特迪斯尼命名的音乐厅，她要求设计师使音乐厅能达到最佳音响效果。

由普利兹克建筑奖得主法兰克·盖瑞做出的设计方案得到莉莉安得青睐，1992年12月，开工的锣声敲响了，然而，工程进展得并不顺利，直至1996年，才完成地下停车场施工，而这时，就已经花掉了一亿一千万美金。工程费用的大量超支和工程进度的一再拖延，引起了不少争议。幸而洛杉矶市当局卖掉了部分政府债券，并展开募捐活动，拖到1999年，才重新开始地面建筑工程。截至2003年10月音乐厅完工时，已经花掉2亿7千4百万美金。

尽管建筑物已经竣工，花钱还没有结束。组成音乐厅的经抛光的巨大凹凸不锈钢板，如同太阳灶一般向周边反射阳光，甚至使得周边公寓的空调费用剧增，街上的行人途经音乐厅时，也得时刻注意不要被反射镜把阳光聚焦到自己身上，甚至还发生过对过街边的塑料交通显示牌被烤化，垃圾桶被烤着的事儿，诸多抱怨使音乐厅只好再花钱，通过电脑分析、计算，将部分巨大的不锈钢曲面喷砂打毛，以减少其反射率。

不管怎么说，这个标新立异的不锈钢帆板建筑确实是个十分耐看的建筑，那一片片造型各异的帆板，既在各自彰显自己的个性，却又互相呼应，互相映衬，组成了一幅幅光与曲线的魅力图景。从各个不同角度看，帆板会组成各不相同的造型，送给你惊喜。

这座玻璃博物馆名为“路易斯·威登创新基金会”博物馆（Louis Vuitton Foundation for Creation），坐落于巴黎Bois deBoulogne的动物园花园（Jardin d’Acclimatation）。Frank Gehry将梦想与现实、科技及艺术创意兼容并蓄，令博物馆成为市内最触目的新地标。FrankGehry对于这个地理位置很有感触：“我首次实地考察时，忽然想起了普鲁斯特（Marcel Proust），一时感触不禁热泪盈眶。因为公园坐落布隆绿林（Bois de Boulogne）之内，硬生生地竖立一座庞然大物殊不恰当，所以我认为玻璃展馆是唯一可行的意念，以营造通透而庄严的流动感。”

盖里早前设计的西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆（the Bilbao Guggenheim Museum），是他奇美特异的巅峰之作。而这一次，他更是别出心裁地打造了一片流动的“玻璃云”。盖里提及这项设计时曾说：“这个计划本身就是一个梦想，所以概念就是创造梦想……我希望人们有恍若云端的感觉。”这座外形犹若帆船的美术馆拥有3800平方米的展览面积，通透开扬的巨大玻璃外墙和户外庭院式设计与自然环境及公园内的绿意和谐共融，同时玻璃建筑结构又与巴黎大皇宫和植物公园的温室建筑呼应。用盖里自己的话来说，“这是一堆云团般的玻璃——魔幻的、瞬间即逝的和透明的。”他说，“我希望创造出来的是你无论何时靠近，都能看到不同时间和光影下不同的特质。我想传达出‘透明’一词所具有的含义。”不少人称赞这座博物馆能给巴黎早已璀璨的博物馆群（如卢浮宫和蓬皮杜中心）增添新的一笔。

跳舞的房子——弗兰克盖里

1992年，建筑师弗兰克·盖里的一座惊世骇俗的跳舞的房子在布拉格诞生，Genry给房子取的名字是来自于20世纪三四十年代在美国红极一时的踢踏舞电影明星搭档“Frend and Ginger”，他试图重新打破布拉格的宁静。二战期间，美军曾经误以为这里是德国的德累斯顿，炸毁了原地址上的古建筑，从此一石激起千层浪，风波不断。

多年之后，盖里别出心裁的设计又在这个地方出现了，那被人们认为是美国人抛下的另外一颗炸弹。一座建筑舞动了全城，对捷克人心灵的产生的冲击可是远远大于视觉上的。当尘埃落定之后，时间成为衡量一切的最好标准。抹去了偏见，人们开始发现这座建筑愈发可爱，它俏皮扭曲的姿态给布拉格带来了新鲜的活力。

在建筑师Genry来到历史悠久的布拉格之前，正座城市笼罩在巴洛克和哥特式建筑之中，古香古色异常的静谧。这一座建筑舞动全城。但当尘埃落定，抛开世俗与偏见，这座建筑愈发可爱，像足它的名字“Frend and Ginger”，如果你细细品味，会发现跳舞的房子左边有一幢玻璃楼，那就是舞后Ginger。而右边的白楼当然是他的舞伴Frend。楼顶的半球形玻璃餐厅俨然是他的礼帽。在四层楼处有一个显眼的阳台，宛若是Frend搂着Ginger的那只手，取名“布拉格的珍珠”。这座赫赫有名的法式餐厅就位于房子顶楼。从餐厅顶楼可以远眺皇宫和大教堂，夜幕低垂时，皇宫的灯光和河上流动的灯影暧昧相约，道不尽恋恋风情。

跳舞的房子本名尼德兰登国家保险大楼，是布拉格新城区的标志性前卫建筑，它由著名建筑师布拉多·米卢尼奇和弗兰克·盖里联手设计，自1996年建成以来，其扭曲“舞动”的造型早已成了伏尔塔瓦河畔一道亮丽的风景。这座大楼的设计方案在一开始饱受质疑，批评者认为其不规则的造型与周遭巴洛克式的建筑群格格不入，幸亏得到了在该区域居住过数十年的时任总统哈维尔的鼎力支持，方案才得以顺利进行。时至今日，跳舞楼已经成为继布拉格的中世纪建筑之后最吸引摄影爱好者的热点。建筑内有画廊、酒店、餐厅及景观酒吧等设施，你可以在此一边享用美食，一边饱览布拉格城堡和贝特琳山丘的美丽风景。

解构主义建筑是“开放建筑”，其设计方法及形式原则无定律，建筑师们依据自己的设计思想和方法而行，结构主义建筑强调变化，推理与随机的统一，对现有规划约定进行颠倒和反转，它除了解除对象的隶属关系之外，还要建立新的体制，所以它不是虚无的破坏，也不是片面的重组过程，而是具有解体与建筑的双重定义。而盖里的作品特点就是：漫不经心的随心所欲，不顾及功能追求任意形式的美感。令人们的视觉支离破碎感，外观轻质，活泼透明，各组成部分材质，形体，强调差异，极为复杂又有较高的欣赏水平。总结为五个词：散乱，残缺，突变，动势，奇艳。或许，从某种程度上说，盖里是个形式主义者。在他的建筑里，形式的表现方面被大大强调而从不追随功能。

盖里的作品新奇刺激，洋溢着桀骜不驯的创造精神。我们以平常的建筑审美经验去阅读盖里的作品时往往会觉得它们怪异而神秘：空间被出人意料地打乱，似乎毫无逻辑；建筑与人之间的关系不再是和谐统一，而是充满了挑衅与挑逗。在建筑材料的运用上，盖里故意不按常理出牌，强行打乱人们附加于材料的意识形态，迫使人们重新去认识材料本身。或许那些怪异的形式隐含地所映了当时的某种时代主题，如复杂、扭曲、不规则和鼓吹欲望。因此，不管其他人是批评他对传统不够尊重，还是惊艳和称赞他那匪夷所思的创造力，最后都给我们呈现了这样一个事实，那就是盖里的建筑展示了一个建筑师所能达到的极致。

当我们知道成名之后的弗兰克·盖里被誉为“建筑界的毕加索”时，其实并没有什么特别的感觉，因为新闻界的恶习之一就是总喜欢轻率地把一个刚出名的人跟非常有名的人跨行绑在一起。但是，当我们得知弗兰克·盖里曾为意大利画家乔治·莫兰迪的作品而疯狂——尤其是后者画的那些瓶子让他喜欢得不得了的时候，却会有种“原来如此”的感觉。因为那位以画瓶子著称的绘画大师莫兰迪的作品里所弥漫的那种宁静而孤独的日常生活气息，跟弗兰克·盖里早年生活的环境气息几乎是处在同一个波段上的。更为重要的就是从莫兰迪对色块和线条的使用特点和结构方式上，可以发现盖里建筑创意方面的精神亲缘特质。当然用他的建筑话语来形容就会是另外的感觉了，他会这样去表述：“莫兰迪画的瓶子，基本上就是许多无隔间的单间建筑，他用画创造出很多的‘瓶子群落’，我真的很喜欢。”

如果说莫兰迪的影响还比较直观正面的话，那么极简主义艺术家卡尔·安德烈则曾从另一面深深地刺激了他的艺术观。在他以为自己喜欢并看懂了那件名为《137块砖》的装置作品的时候，卡尔·安德烈却毫不客气地告诉他：“你根本没懂。”安德烈在本子上画出了一块块耐火砖，然后解释说：“关键在于，拿起一块耐火砖，再放在正确位置上的触觉质量。”直到此时，盖里才明白了安德烈作品所呈现的“绘画性”究竟是怎么回事，而此前自己对于艺术又是多么的无知。这个非常特别的人生插曲对于理解盖里的建筑艺术是异常重要的。尽管盖里在建筑方面曾受柯布西耶、赖特的很多影响，但在他的创作实践进入成熟期之后我们几乎很难看到这种影响的痕迹。他所追逐的，始终都是变化中的空间与人的复杂而微妙的关系，他很早就喜欢观察研究人与人之间的空地、建筑间的留白、人与建筑之间的空白地带，对于他来说，“整片建筑群落就是一场空间游戏。”

弗兰克·盖里的建筑风格是如此的特别，在这个世界上几乎看不到同类，而他的名气又是如此的巨大，我们不能不说这两者之间确实存在着“强烈的张力”。人们真的会像习惯性地欣赏那些经典建筑那样欣赏他的作品吗？当毕尔巴鄂古根海姆美术馆落成并产生轰动效应之后，当有人问到当地媒体还会不会有盖里的其他作品出现时，人家的回答是简单明了的：“我们已经有一个弗兰克·盖里了。”盖里知道这是怎么回事儿，这是因为人们“有一套错误的判断系统”。从这个意义上说，芭芭拉·伊森伯格的这本《建筑家弗兰克·盖里》既是对话式传记，还可以当成建筑社会学著作来读。它会告诉你，一个名声大到无以复加的建筑大师在面对社会误解的时候同样是无法幸免的，对于他来说，除了需要明白妥协的意义之外，更重要的是不必在意别人说什么，并且始终能保持旺盛的创作活力。

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

不自然博物馆

隶属负波普学会（OFF POP ACADEMY）超自然科学部。

以搜罗这颗怪诞星球的奇异人类风物为核心任务。

不自然博物馆微博：http://weibo.com/offnature

达尔文的脑门盖上了圆钢帽，上面插着小雷达。他将一个实验瓶举至齐眉，以科学家的严肃态度端详着，表情凝重。实验瓶中是一个众所周知的物种……确切地说，是骑着玩具车的米老鼠。

如果你看到上面这张漫画，那么，“Ｏｉ～欢迎来到不自然博物馆”。

作为吸引了１５万粉丝的微信公众号，“负波普”以一套名为“不自然博物馆”的连载漫画，一期一个的荒谬小故事，说明书般展示一个个“收集”于实验瓶中的人类样本，读者激赏并称之为“脑洞异常性感”。

“负波普”品牌的创造者，在网络空间自称“Ｄｒ．Ｚ”，这位漫画作者，笔下奇异怪诞、戏谑好玩，而“线下”的本人表情平静，谈吐严肃，称自己就像“野生环境中躲在阴暗处观察生物的科学家”一样，和作品保持一种距离。

在被后摇滚风格音乐渲染的超现实氛围中，“Ｄｒ．Ｚ”陈卓鑫在深圳华侨城创意园的“不自然博物馆”实体馆里接受了“我报道”的独家专访。

“不自然”的想像力

初中同学多年后重聚，一个男同学回忆起曾经对一个女同学的恶作剧，女生于是告诉大家那件事后来引发的所有不幸遭遇，以及因此被完全改变的悲惨人生。但大家听完哈哈一笑，旋即转到下一个话题。

“生活看起来充满汹涌的暗流，但最后大家哈哈一笑，好像轻描淡写般又压抑回现实的常态。”Ｄｒ．Ｚ向记者形容“不自然博物馆”中《同学会》这个故事的“不自然”属性。

“ 不自然 的状态，打个比方说，鳄鱼流眼泪是一种自然的生理现象，而人类则觉得它是出于慈悲、后悔或懊恼，于是给出不同的解释，人类其实是 不自然 的。”他说，“ 不自然博物馆 试图在 不自然 的世界，找到荒谬的点，用玻璃瓶装起来，让大家去观看。”

“不自然博物馆”篇幅短小的“瓶瓶罐罐”里，装的是一些偏执的人、小气的人、暴力的人等等。比如一个卖花的小孩，去抱一个女生的腿，结果抱了一辈子最后一并入葬；比如两个中年男人要做彼此真正的朋友，于是就举办了一场“朋友婚礼”然后向大家收红包；比如上幼儿园的小明选了一个当代艺术兴趣班，他裸身扑地泪水蜿蜒成河，只为完成老师布置的名为《虚无与大地之外的悲怆》的作业……

在“负波普”品牌的自我描述中，创作者强调创作中的“想象力”和“生活力”，所有幻想原材料都必须具有“日常生活”的触感、温度与趣味。

“我们不是那种特别搞笑或者幽默的人，不会太情绪化，生活也很简单。”Ｄｒ．Ｚ告诉记者，他的创作是一种放松观察的状态。“比如今天在食堂吃饭，就观察吃饭的人，在地铁候车、在商场购物，就从这些地方出发。”

他相信，只有写身边的故事、每个人熟悉的场面和情景，才会让大家有触动。

“日常生活中出现行为特别怪诞的人类，会让我们重新去查看自己的生活。”他认为，很多时候大家都是沿着生活的轨道习惯性地思考，但他和他的团队想去破坏大家生活的惯性。

为此，整套漫画也一统视觉效果为类似药物说明书的配图风格，人物线条简单而无明显表情，既像服装店的模特，又像民国时期的海报人物。

“我们不会强调光影、肌肉等这些美术的东西，人物就像布偶，我们调动他去为故事服务。”Ｄｒ．Ｚ说，创作过程也很简单，如果下午２点有个点子，可能晚上７、８点基本上就在ＰＳ上完成了。

“有悲剧性的幽默”

现在每一“罐”不自然的人类故事，都能为“负波普”换来２０００到３０００个粉丝。

团队还时常收到读者邮件，说是有很“负波普”风格的故事，希望被采用。他创作的故事类型和哲学，已经获得越来越多人的认知。

２０１０年创立“负波普”品牌的时候，当时２６岁的Ｄｒ．Ｚ已经是一个国内外独立漫画的资深研究者，深受“ｃｕｌｔ”文化影响，着迷于卡夫卡的小说、昆汀·塔伦蒂诺的电影以及凡此种种的文艺作品。

但他却在国内找不到一个类似的“令自己满意的作品”存在。生长在潮汕地区一个商人家庭的他，决定自己来做这个事情，而且他还想“把喜欢的东西做成生意”。

他当时做了一套卡通形象，然后在网上邀请全国各地的插画师，为这套形象做不同的故事，形成一个合集。当时想着“创造一个平台，把中国那么多的创作人整合起来”的Ｄｒ．Ｚ，收到作品后发现，最核心的故事“实际上是不行的”。

“文化品牌是拿思想去影响别人的，因为思想是一个比较危险的东西，如果自己没有想通透，其实文化创作的传播是对社会不负责任的行为。”他说。

他不喜欢“电视节目里有很多小品，就是嘲笑这个嘲笑那个，嘲笑有短处的人”，或者“现在流行的一些漫画，也是纯粹供打发时间的漫画”。而他觉得，“真正的幽默，来自于对内心或对生活的反思，是有悲剧性的幽默。”

２０１２年“负波普”实体店在深圳华侨城创意园开设，店内主要销售由负波普制造或收集的各种怪诞奇异生活设计产品，涉及独立杂志、服饰、包包、玩偶等，还有咖啡馆与画廊。

２０１３年８月，一套名为“不自然便利店”的漫画作品出炉，店面也被包装成了一个便利店的空间。“我是想把这样的便利店连锁经营，最后变成一个城市各个角落都存在的文化单位。”但是这种“文化艺术便利店的商业模式”的尝试效果并不成功，最终被他本人否定。

“现在的 不自然博物馆 ，是一种不同于便利店的气质，是一个知识的、上层建筑的方式。”在他的思考中，新的时代，实体店已经被电商取代，“纯粹一个体验型的文化空间，更有神秘气质的博物馆，可能更符合当下。”

“负责在生活中挖洞”

Ｄｒ．Ｚ大学学的是城市设计，毕业后留英深造学城市设计，回国后在深圳一家规划院做工作，创业之前一直参与城中村改造、产业转移工业园等规划设计。

“做规划工作，就会觉得我们生活的这些城市，非常雷同，特别无聊。而真正富有生命力的城市恰恰在于生活状态的多元，有 无印良品 的那种生活状态，有书店的小清新状态，有重口味的生活状态，让你可以在城市中历险。”他希望“负波普”也能成为一种城市里的生活状态。

不自然博物馆漫画：

不自然博物馆智商脑洞漫画！

苏州博物馆是中国地方历史艺术性博物馆。位于江苏省苏州市东北街。1960年建立，2006年10月建成新馆，设计者为著名的建筑设计大师贝聿铭。馆址为太平天国忠王李秀成王府遗址。面积8000多平方米，分东、西、中3路，中路立体建筑为殿堂型式，梁坊满饰苏式彩绘，入口处侧门，有文征明手植紫藤，内部东侧有太平天国古典舞台等，是全国重点文物保护单位。

苏州博物馆官方网站：http://www.szmuseum.com/

苏州博物馆建筑特点：

苏州博物馆为苏州地方综合性博物馆。馆址为太平天国忠王李秀成王府，是保存至今最完整的一座太平天国王府建筑。整座建筑雄伟壮丽、曲折宏敞。 太平天国忠王府旧址系全国重点文物保护单位，至今保存着400 余方秀丽典雅的苏式梁枋彩绘，九幅清新隽秀的彩绘壁画，以及浑厚朴实的龙凤纹窗相和神态生动的石狮等太平天国时期的艺术珍品。 该馆于1958年8月开始筹备，196O年1月正式对外开放，全馆占地面积7000平方米，建筑面积4800余平方米。该馆馆藏各种文物约30000件，以出土文物、古代书画和古代工艺品见长。

这座投资达3.39亿元的新馆建筑和相伴的忠王府古建筑交相辉映，总建筑面积26500平方米，其中忠王府建筑面积7500平方米，地面一层为主，局部二层；新馆建筑面积19000平方米，为充分尊重所在街区的历史风貌，博物馆新馆采用地下一层，地面也是以一层为主，主体建筑檐口高度控制在6米之内；中央大厅和西部展厅安排了局部二层，高度16米。“修旧如旧”的忠王府古建筑作为苏州博物馆新馆的一个组成部分，与新馆建筑珠联璧合，从而使苏州博物馆新馆成为一座集现代化馆舍建筑、古建筑与创新山水园林三位一体的综合性博物馆。

在整体布局上，新馆巧妙地借助水面，与紧邻的拙政园、忠王府融会贯通，成为其建筑风格的延伸。新馆建筑群坐北朝南，被分成三大块：中央部分为入口、中央大厅和主庭院；西部为博物馆主展区；东部为次展区和行政办公区。这种以中轴线对称的东、中、西三路布局，和东侧的忠王府格局相互映衬，十分和谐。新馆与原有拙政园的建筑环境既浑然一体，相互借景、相互辉映，符合历史建筑环境要求，又有其本身的独立性，以中轴线及园林、庭园空间将两者结合起来，无论空间布局和城市机理都恰到好处。

新馆正门对面的步行街南侧，为河畔小广场。小广场两侧按“修旧如旧”原则修复的一组沿街古建筑，古色古香，成为集书画、工艺、茶楼、小吃等于一体的公众服务配套区。

贝聿铭苏州园林设计风格：

博物馆新馆的设计结合了传统的苏州建筑风格，把博物馆置于院落之间，使建筑物与其周围环境相协调。博物馆的主庭院等于是北面拙政园建筑风格的延伸和现代版的诠释。

新的博物馆庭院，较小的展区，以及行政管理区的庭院在造景设计上摆脱了传统的风景园林设计思路。而新的设计思路是为每个花园寻求新的导向和主题，把传统园林风景设计的精髓不断挖掘提炼并形成未来中国园林建筑发展的方向。

尽管白色粉墙将成为博物馆新馆的主色调，以此把该建筑与苏州传统的城市机理融合在一起，但是，那些到处可见的、千篇一律的灰色小青瓦坡顶和窗框将被灰色的花岗岩所取代，以追求更好的统一色彩和纹理。博物馆屋顶设计的灵感来源于苏州传统的坡顶景观一一飞檐翘角与细致入微的建筑细部。然而，新的屋顶已被重新诠释，并演变成一种新的几何效果。玻璃屋顶将与石屋顶相互映衬，使自然光进入活动区域和博物馆的展区，为参观者提供导向并让参观者感到心旷神怡。玻璃屋顶和石屋顶的构造系统也源于传统的屋面系统，过去的木梁和木椽构架系统将被现代的开放式钢结构、木作和涂料组成的顶棚系统所取代。金属遮阳片和怀旧的木作构架将在玻璃屋顶之下被广泛使用，以便控制和过滤进入展区的太阳光线。

馆建筑与创新的园艺是互相依托的，贝聿铭设计了一个主庭院和若干小内庭院，布局精巧。其中，最为独到的是中轴线上的北部庭院，不仅使游客透过大堂玻璃可一睹江南水景特色，而且庭院隔北墙直接衔接拙政园之补园，新旧园景融为一体。

据说，位于中央大厅北部的主庭院的设置是最让贝聿铭煞费苦心的。主庭院东、南、西三面由新馆建筑相围，北面与拙政园相邻，大约占新馆面积的1/5空间。这是一座在古典园林元素基础上精心打造出的创意山水园，由铺满鹅卵石的池塘、片石假山、直曲小桥、八角凉亭、竹林等组成，既不同于苏州传统园林，又不脱离中国人文气息和神韵。山水园隔北墙直接衔接拙政园之补园，水景始于北墙西北角，仿佛由拙政园西引水而出；北墙之下为独创的片石假山。当问及为何不采用传统的太湖石时，贝聿铭曾说过，传统假山艺术已无法超过。一辈子创新的大师，不愿步前人的后尘。这种“以壁为纸，以石为绘” ，别具一格的山水景观，呈现出清晰的轮廓和剪影效果。使人看起来仿佛与旁边的拙政园相连，新旧园景笔断意连，巧妙地融为了一体。

这种在城市机理上的嵌合，还表现在东北街河北侧1~2层商业建筑的设计，新馆入口广场和东北街河的贯通；亲仁堂和张氏义庄整体移建后作为吴门画派博物馆与民族博物馆区相融合，保留忠王府西侧原张宅“小姐楼”(位于补园南、行政办公区北端)作为饭店和茶楼用等；新址内惟一值得保留的挺拔玉兰树也经贝先生设计，恰到好处地置于前院东南角。

贝聿铭与苏州博物馆新馆视频-上 [央视人物]

贝聿铭与苏州博物馆新馆视频-下 [央视人物]

苏州博物馆展区：

新馆西部主展区和东部次展区的文物展示面积共有3600平方米，分布着各具特色的大小展厅32间，文物展品上起远古时代，下至明清及近现代，多为历代佳作和精品。

展区设有“吴地遗珍”、“吴塔国宝”、“吴中风雅”、“吴门书画”这4个富有苏州地方特色的系列常设展览。其中位于地下一层的“吴地遗珍”系列包括史前陶器、玉器等主题展室。地面一层的“吴塔国宝”系列包括虎丘云岩寺塔佛教文物和瑞光寺塔佛教文物两个主题展室等。

该馆基本陈列《苏州历史陈列》，展示苏州自2万年前旧石器时代至明清时期的社会发展历史概貌，尤其对春秋吴王阖闾元年(公元前514)建城2500年以来，出现在春秋、唐宋、明清历史时期3个经济文化发展高峰及资本主义萌芽产生等有较多的反映。

位于新馆东部的现代艺术厅展出了绘画大师赵无极、现代艺术家蔡国强和徐冰的作品。赵无极的18幅“抒情抽象派 ”代表作、蔡国强的纸本火药画《吴王剑》以及徐冰的装置艺术作品《背后的故事》等视角独特、充满创意的作品，给参观者带来了一场现代艺术盛宴。

苏州博物馆效果图

苏州博物馆设计细节：

如果说前庭是整个空间乐趣的前奏的话，那么只有在走入室内之后，才会发现整个空间的动人之处。贝先生一改通常的四方形空间，将中庭设计成八角形，同时随着层高的递增而变换墙面造型，体现了错落有致的江南斜坡屋顶的建筑特色。其中，三角形与菱形是主要的造型元素，灰色的涂料强调出各个形体的转折，形成了丰富、充满节奏的空间效果。同时，由于形体多变，透过顶窗照射进来的阳光形成了有趣且微妙的光影效果，强调了空间的戏剧性。正对入口的是一整面落地玻璃，外面的园林景色一览无余，成为中庭最引人入胜的风景。两侧的墙面上有两个菱形的窗洞，透射出的依然是室外的绿色景观，像极了两幅挂在墙上的画。不难发现，简单的几何形是设计师塑造空间的语言，然而这些现代的设计元素通过穿插与组合，创造出来的却是充满传统味道的空间气质。中庭的吊灯也是独立设计的，将传统中式花灯取其形，再利用方形与菱形的结构将传统精神完美地与现代材料结合而成。

 
正对入口墙面上的两个菱形窗将远处景观巧妙地借入了室内

阳光透过金属百叶照射入室内，在墙面上形成了会随时间发生变化的光影图案。
 
光影趣味：物境与心境的交融

情是中国传统美学的重要范畴之一。情为主，景是客，情景交融，相辅相生，这才是中国传统的空间本质。苏州博物馆之所以能让人感受到传统美学的魅力，就是因为设计师很好地创造出了丰富多样的空间气质，而光影就是让这些景与人们产生互动与共鸣的直接因素。可以这么说，光与影一直是空间设计的第四大造型元素，它能让室内室外环境展现出蓬勃的生命力。“让光线来做设计”是贝氏的名言，在他的作品中，我们能够体会到光线的重要意义。而在苏州博物馆，贝老先生再一次让光影成为了空间的主角。

在建筑的中庭，阳光让整个空间充满祥和与大气。可能是借鉴了传统“老虎天窗”的做法，中庭的顶部是由玻璃材料做成的采光井。阳光肆无忌惮地透过玻璃倾泻下来，并且随着时间的变化而不断地变换着投射角度。所以在不同的时刻，参差错落的墙面就会呈现出不同的视觉效果，有趣且丰富。同样，贝先生在处理小空间时，也一点不吝啬使用光影这一元素。三角形的二坡屋顶全部是由金属百叶和玻璃组成的，为了体现传统园林的特色，所有的金属百叶都被木质的贴面材料所包裹。阳光透过这些条状结构在墙面上形成了连续的光影图案，让原本单调的走廊顿时生机勃勃，饶有趣味。

色彩表情：传统与现代的抽象

任何空间，色彩总是首先进入人们的视线，而同时，色彩比形式更能表现空间的情趣。在中国的传统空间美学中，讲求以景叙事，情景交融，色彩在其中当然也是扮演了重要的角色。

与贝聿铭先生设计的其他城市标志性建筑物不同，苏州博物馆采用了一种特别低调的方式来展现自己的美。为了与周围环境协调，博物馆外墙与内墙都以纯净的白色作为主基调，仅仅在空间转折处用灰色的线条来勾勒外形，同时，深灰色石材的屋面与白墙相配，为粉墙黛瓦的江南建筑符号增加了新的诠释。雨后，灰色的线条则变成深邃的黑色，如同中国画中浓重的笔墨，描绘着朦胧的江南烟雨。

 
室内小景的设计概念来源于传统园林的借景手法，远处的风景不经意之间成为了墙上一幅流动的装饰画。

“中而新，苏而新”的设计理念 ———苏州博物馆新馆

一、地理位置

初展身姿的苏州博物馆新馆位于苏州古城拙政园保护区内，其东侧与太平王国忠王府遗址紧邻，北侧为举世闻名的苏州园林之冠 ———拙政园（拙政园为世界遗产,忠王府和拙政园均为全国重点文物保护单位），南为东北街，西侧是齐门路，总占地约11000余平方米。

二、建筑构图

新馆建筑群坐北朝南，平面功能布置分为地上和地下两部分，共计建筑面积约17000余平方米。主体建筑檐口高度控制在6米之内，中央大厅和西部展厅安排了局部二层，高度16米。新馆建筑群坐北朝南，地上部分按功能基本可以划分为三大块：即中部为入口门廊前庭院，中央大厅和山水庭主庭院；西部为院落式的主展区，东部为办公、商店、休息服务区，以及部分临时展厅。这种以中轴线对称的东、中、西三路布局，和东侧的忠王府格局相互映衬，十分和谐。而地下部分为博物馆辅助功能用房（如修复、馆藏、多功能厅等）。以及博物馆的“动力中心”车库等。修旧如旧的忠王府古建筑作为苏州博物馆新馆的一个组成部分，用以陈列忠王府文物及其它展出，与新馆建筑妙相辉映，珠联璧合，从而使新的苏州博物馆成为一座集现代化馆舍建筑、古建筑与创新山水园林三位一体的综合性博物馆。

三、建筑风格的塑造

建筑风格和形式上具有强烈的“中而新，苏而新”的特点。 “苏”主要体现在与苏州古城风貌和人文内涵的融合；“新”主要体现在用材上。贝聿铭大师用他的智慧和独特的设计风格，使“新”充满了 “苏味”，变成了创新的“苏”和创新的“中”。新博物馆屋顶设计的灵感来源于苏州传统的坡顶景观—飞檐翘角与细致入微的建筑细部。然而，新的屋顶已被科技重新诠释，并演变成一种奇妙的几何效果。玻璃屋顶将与石屋顶相互映衬，使自然光进入活动区域和博物馆的展区，为参观者提供导向。金属遮阳片和怀旧的木作构架将在玻璃屋顶之下被广泛使用，以便控制和过滤进入展区的太阳光线。光线的层次变化，让人入诗入画，妙不可言。“让光线来做设计”是贝氏的名言。

1．形体处理

几个八角形的大厅，主体几何形的屋顶切割，既解决了屋顶采光问题，也使体量得以减小，充满了智慧、情趣与匠心。设计以三角形（菱形）作为内外造型的母体元素反复运用，无论是体块切割，还是立面开窗以及屋面钢结构屋架、天窗，都用得恰如其分。屋顶的框架线由大小正方形和三角形构成，框架内的玻璃和白色天花互相交错，像是一幅几何形错觉绘画，给人以奇妙而又统一的视觉冲击，留下深刻的印象。新馆与拙政园相互借景、相互辉映，它将成为一代名园拙政园的现代化延续。

2．传统与现代的对比与对话

建筑材料的运用上，以“中国黑”花岗石片石取代砖瓦，切割成菱形体块，干挂在不锈钢板做成的坡屋面上，黑中带灰的“中国黑”，淋了雨是黑的，太阳一照变成深灰色。深灰色石材的屋面和墙体边饰，与白墙相配，并与墙身连成一体。在传统与现代创新结合上独具匠心、为粉墙黛瓦的江南建筑符号增加了新的诠释。建筑色彩采用苏州传统的黑、白、灰色，显得素雅、高贵。值得一提的是该建筑的室内设计包括每一个陈列橱柜及陈列布置设计，均由建筑师精心设计,和建筑室内外空间形成统一的整体。其室内部分的顶部木材板料，地面的铺装，以及墙身处理，简洁大方并和建筑整体设计和谐统一，朴实无华。在大厅、走道顶部，屋面钢架、玻璃屋顶上及展厅高窗部位，其木纹金属遮光条的广泛应用，使博物馆充满温暖柔和的阳光。

3．结构特点

在这个有着众多著名古典建筑的“文化圣地”上建一座地下一层,深度为5.5m-8.5m,地上一层,局部二层的21世纪新馆建筑，为不影响周边的建筑，基础采用了天然地基上的筏板基础，并且用厚板加毛石混凝土压重的方案解决地下室的抗浮问题。由于建筑使用功能的需要，地下室超长，结构设计时采用了多道措施，防止混凝土收缩裂缝。结构体系为混凝土剪力墙结构，既有较好的抗震性能，又较好地配合建筑功能，方便博物馆的布展。此外结构上还采用了新颖的钢结构桁架作为屋面结构，以现代钢结构替代苏州传统建筑的木构材料，既符合建筑造型需要，又体现了现代建筑的美感，实现了苏州博物馆“中而新，苏而新”，“不高不大不突出”的设计理念，“绣”出了一幅“传统苏州”和“现代苏州”相融合的“双面绣”。

4．机电设备

⑴给排水：

给水采用变频恒压供水，地下室面积较大，地下室污水采用潜水泵抽升排水。屋面形式复杂，采用虹吸雨水系统及重力雨水相结合。消防设置消火栓及喷淋系统，喷头布置根据装饰要求精确定位，部分玻璃天棚处均采用侧墙喷头，使喷头布置即满足规范要求又不影响装饰效果。

⑵暖通：

空调冷冻机采用一次泵变频技术，展厅、走道等公共区域采用定风量全空气系统，办公、会议室等采用VAV变风量系统。为配合建筑师为展厅、走道等公共区域的布置要求，本工程的风口布置设计花费了很大心思，展厅中看不见送回风口，利用展柜的后部作斜侧送风，展柜离地的间隙作回风处理，取得了很好的视觉效果及实际使用效果。

⑶电气：

采用两路10KV独立电源加柴油发电机组合容量备用的可靠供电方案;所有公共场所的照明灯具均采用计算机集中控制管理；具备完善的、先进的建筑智能化系统设计。

5．庭院与建筑环境效果

庭院景观设计充分考虑了苏州的人文内涵，借鉴了苏州古典园林的风格，结合苏州悠久的地域历史文化特色，充分尊重博物馆的周围环境实际。按照“苏而新”的设计理念，总体布局中设计了若干个各具特色、布置精美的庭院。庭院将内外空间串联，使自然融于建筑。特别是位于中央大厅北部的主庭院，东、南、西三面由新馆建筑相围，北面与拙政园相邻，大约占新馆面积的五分之一空间，这是一座在古典园林元素基础上精心打造出的创意山水园，由铺满鹅卵石的池塘、片石假山、直曲小桥、八角凉亭、竹林等组成，既不同于苏州传统园林，又不脱离中国人文气息和神韵。山水园隔北墙直接衔接拙政园之补园，水景始于北墙西北角，仿佛由拙政园西引水而出；北墙之下为独创的石片假山。这种“以壁为纸，以石为绘”，别具一格的山水景观，呈现出清晰的轮廓和剪影效果。使人看起来仿佛与旁边的拙政园相连，新旧园景笔断意连，巧妙地融为了一体。在朦胧的江南烟雨笼罩中，营造出了米芾水墨山水画的意境。且看米芾词云：“奇胜处，每凭栏，定忘还。好山如画，水连云萦，无计成闲”。构成传统和现代完美结合的“苏而新”山水画。

四、“后时代”古典与现代的结合

苏州博物馆新馆建筑群设计借鉴了苏州古典园林风格，在现代几何造型中体现了错落有致、粉墙黛瓦的江南建筑特色，与周边古建筑和谐融合，相映成趣，成为展示传统苏州和现代苏州文化的标志性建筑。两院院士吴良镛和周干峙对设计方案表示赞赏。他们认为，新馆设计方案与原有拙政园的建筑环境既浑然一体，又有其本身的独立性，以中轴线及园林、庭园空间将两者结合起来，无论空间布局和城市肌理都恰到好处。全国著名文博专家罗哲文老先生认为新馆设计是谨慎的，建筑与周边环境融为一体，符合历史建筑环境要求。

苏州是幸运的，苏州博物馆新馆作为贝聿铭大师的“封刀之作”，被他视为“最亲爱的小女儿”。

苏州博物馆设计细节

贝聿铭苏州记忆：

苏州是贝聿铭的故乡。在狮子林,我们现在还可以看到贝氏祠堂，而民俗博物馆里，还完好保存着贝氏家族历代祠牌。

贝聿铭的童年记忆中，狮子林分量不轻。当年，贝氏家族是苏沪名门，诞生了“颜料大王”贝润生、“金融巨子”贝祖诒等名人。贝聿铭出生后,在香港度过童年，10岁时全家迁往上海，从那时起,几乎每年寒暑假，贝聿铭都是回苏州过的。贝聿铭的祖父贝哉安直到去世时，一直住在苏州的西花桥巷，那儿离狮子林很近。狮子林当时是贝氏的家族产业，贝聿铭经常在里面嬉戏,玩耍。直到1935年他离开上海去美国求学，一走就是半个多世纪。

狮子林管理处园管科科长钱培兴还记得贝老首度回乡时的景象。1996年，80岁的贝聿铭应家乡政府的邀请回到苏州。对乡情的思念，使得贝聿铭冒雨赶到西花巷去拜访老宅和故人。此时，老宅已不再，只留给贝老无尽的回忆。贝老80岁大寿当天，生日晚会安排在狮子林，晚会上，他接受苏州市政府的聘书，从此担任苏州城市建设高级顾问。是夜，贝聿铭徜徉在族叔公贝仁元修造的、现为世人公有的狮子林里，感慨世事沧桑巨变之余，挥笔写下七个字：“云林画本旧无双”。这位世界建筑界的巨子，那夜想必难寐。

苏州博物馆夜景

接受挑战

2001年夏天，在中银大厦竣工酒会上，苏州市政府首次向贝聿铭提出设计苏博新馆的邀请，当时贝老并未表态。次年春节，陈嵘与市相关领导一起，奔赴美国贝氏公司游说，这一回，面对家乡父老的殷切期待，老人表示“要去看看”。

陈嵘印象深刻地告诉记者，在美国她切身感受了贝老的名望：在法国餐馆共进晚餐时，一位来自荷兰的年轻学生当场向贝老赠送自带的名贵红酒，并索取签名；参观贝老设计的华盛顿国家美术馆东馆时，一行人发现大理石墙上“贝聿铭”的名字，已因千万人的摩挲而变得闪闪发亮……

因此次拜访，贝聿铭对设计苏博新馆陡生兴趣。虽然他的小儿子、著名建筑师贝礼中，对新馆设计也表示出很大的兴趣，但贝老严肃表示：“这个设计要是我做不了，我的儿子更不能做。因为他们的中文已经生疏了，对中国文化不够了解。”寥寥数语，自信心与使命感溢于言表。

随后，贝聿铭要求有关部门向他提供各种资料，从苏州水文情况、历史掌故到拙政园、忠王府沿革，甚至包括了东北街上每一棵树木的位置。直到亲临现场考察后，于2002年4月30日与有关部门正式签订协议，决心把此生最后一座作品留给故乡。

灵感闪现

决心设计苏博新馆后，2002年5月,贝聿铭开始了新馆的概念性设计。4个月后,当苏州专家再次来到美国时，贝老自豪地拿出新馆图纸说：“你们看,哪儿是新馆，哪儿是旧馆？”当年冬天，贝聿铭带着夫人再次来到苏州博物馆实地考察。苏州市文广局领导特地安排一出昆剧演出《游园惊梦》——贝家与昆曲渊源颇深，贝聿铭的堂叔贝晋眉，还教过“传”字辈，是一代昆曲大师。当晚的主要演员王芳回忆说，那天演出,地点就在忠王府古戏台，演出从下午开始,持续一个多小时。当天天气很冷，贝老身穿深灰色西服，一直兴致勃勃。演出结束后，考虑到贝老夫妇年事已高，行动不便,演员们要主动下台与贝老合影，但贝老坚决不同意,主动上台与演员们握手。

或许是这场演出触动了贝聿铭的灵感，又经过大半年时间的设计，贝老拿出了新馆设计方案。

苏州博物馆模型

苏州博物馆设计中的中国传统文化符号：

苏州博物馆作为一个现代建筑,却具有了比一般现代建筑更多的中国传统文化符号,随处可见,既有传统符号的明显特征,又作了恰当的提炼和改变,既有古韵,又有今味,不愧为传统与现代完美结合的典型代表,从以下几个方面我们可以看出在整馆设计当中对传统文化符号的具体运用。

一、造型布局

1.片石假山——传统山水画的当代情怀苏州博物馆也是个园林式的设计,假山是园林式建筑中不可缺少的元素之一,如何将假山设计得不落入俗套而又有新意,贝聿铭机智地求助于了传统元素。“苏州园林的假山,往往注重山的体量感和立体感,注重所谓漏、透、瘦,这些假山大多具有可穿透性和可攀爬性,换句话说,苏州或中国园林的假山,虽然不是真实的山,却是有相当厚度、可以供游人栖息的所在,有的假山内甚至会有很深很长的洞穴。”[1]而贝聿铭认为传统苏州园林的假山已经做到了极致,要想超越更是难上加难,只能另辟蹊经。传统水墨画给了他灵感,他将假山作为一副水墨画作品的主题元素,虽然材料仍然是石头,但已经不是仅仅表现假山那么简单了,以壁为纸,以石入画,将石头嵌入水池的时候,墙壁上出现了一幅立体的水墨画图景,将原本平面的意象生动地展现在人们眼前,让人们为之一振,已分不出哪些是假景,哪些是真石了。这面墙面也成为苏州博物馆的点睛之笔,体现了设计师在运用传统元素上又加入现代观念的成功结合。

2.叠落山墙——错落有致的节奏之美叠落山墙又称马头墙,特点是两侧山墙高出屋面,随屋顶的斜坡而呈阶梯形。徽派民居建筑高大封闭的墙体,显得静止呆板,因马头墙的设计错落有致,从而显示出动态的美感。苏州博物馆的墙体设计,也采用了传统马头墙的元素,组成错落有致的叠落山墙,虽然新馆由于屋顶与传统屋瓦结构相异而让这种墙体的结构与传统马头墙有所区别,但是它们在这种墙体的动态美表现上是一致的。马头墙被视为徽派建筑的特色元素在现代建筑中广泛应用,但是有些现代建筑为了体现传统特色而抽取这种传统元素并照搬到现代建筑中,大多显得格格不入甚至给视觉上带来不舒服的感觉,而在苏州博物馆的设计中,贝聿铭既没有照搬传统民居的屋顶结构,并为了这种新型的屋顶创意而对传统的马头墙进行了一些改变,沿用了传统符号特征,抽象变通的运用,追求神似而不是简单地在形式上模仿,形成了独具特色的“贝氏马头墙”,或许我们已经看不到了“马头”的影子,直接称之为“叠落山墙”或许更为贴切,高低的起伏,显得层次分明。这种起伏的墙面用深灰色的“线条”加以勾画和划分,既有线的柔和,又有明显的体面。这种处理,我们可以理解成贝聿铭先生在做传统绘画的线描和勾勒。与此同时,对墙面的划分也不是随意的,“对大墙面的划分起到了减少建筑体量感的效果;墙上部的再划分完成了墙面与屋顶的过渡;对洞口的勾勒突出了洞口的画框感;而对墙转角延伸至屋顶的勾勒,则是强调了墙与顶的连续性。”[2]形式上的动态美加上线条的点缀,奏响了江南建筑的节奏之美。

二、色彩形式

1.粉墙黛瓦——清新雅致的江南之色苏州博物馆的设计与传统元素息息相关,除了在造型上采用了传统山水画和叠落山墙等元素,在色彩上我们也能依稀找到传统的影子。传统苏州民居均以粉墙黛瓦为主要色调,淡雅、素净、朴实无华,这一传统的建筑色彩的形成既是因为因地制宜发挥地方建筑材质、色泽、质感之特征,又因为它适应了苏州地区温湿的气候,再者,这种自然的色调源于吴文化的长期孕育,并与苏州太湖水系清新雅致,青黛秀逸的色调如出一辙,给人以恬静、优雅之感。由于传统色彩运用的成功,苏州博物馆也继续沿用了这种带有明显地域特征的色彩:粉墙黛瓦格局,加之经过简化、雅化的装饰性灰色边饰,带有东方意味的线条之美,既体现出与片石假山相呼应的中国水墨情趣又体现了西方现代抽象画的装饰和平面美。运用传统色彩并加入了具有现代特征的抽象线条,不完全照搬又具有创意,这就是苏州博物馆的独到之处。

2.灰色线条——中国传统的线条之美如上描述,苏馆馆外的装饰除了粉墙黛瓦之外,最明显的就是切割墙体块面的灰色线条,几乎在每个墙体的转角处都画有这样的线条,将墙面划分成一个一个几何体。这种淡雅的灰色线条不仅起到了划分结构的作用,它也体现了中国传统艺术中的线条之美。唐代画家张彦远所提出的“书画同源”这一命题最主要也是因为中国艺术中拥有一个共同的特质,那就是书画都是以线条为主体的艺术,都侧重线条之美。“线条是宇宙万物在人类视状中构成形象的基本要素,极短的静止的线条就是点,排列的线条又形成面。”[3]从最原始的岩洞壁画开始,中国艺术就与线条结下了不解之缘,历代的中国绘画都带有强烈的线条特征(这与西方艺术讲究的体积,空间透视截然不同),除此之外,中国的书法让中国的线条艺术发展到了极致,发展起来了有关线条的“厚重、沉毅、豪放、苍劲、古拙、潇洒、空灵”等等之美,不管是在古代还是当代,对线条美的强调已经深入国人的骨髓,苏州博物馆的诠释也再次唤起了人们对线条的亲切感。

三、传统文化精神

1. 虚实结合——中国传统文化的艺术之魂

“虚”与“实”是中国古典美学的重要范畴,来源于中国古代哲学中的虚实论,认为天地万物以及一切艺术和审美活动都是虚与实的统一,艺术创作和审美活动唯有实现虚与实的统一,才能达到完美的境界。“清初文人赵执信在他的《谈艺录》序言里生动形象地说明了‘虚’与‘实’统一的这种美学艺术境界,他说:‘神龙者,屈伸变化,固无定体,恍惚望见者,第指其一鳞一爪,而龙之首尾完好,固宛然在也。’从‘一鳞一爪’(实)见‘龙之首尾’,龙之‘神’态,虚中有实,实中有虚,虚实相生,否则便索然无味了。”[4]苏州博物馆设计中的虚实结合体现在很多方面,例如,贝老在设计中有意缩小了新馆的建筑面积,而留出了一大片的庭院和水塘,在它们上方形成的空间让我们很自然联想到了中国画中的“留白”,这种“留白”的用意不外乎增加建筑的灵气和减少建筑太多对空间造成的压迫感,让这种“留白”形成与建筑物之间的虚实对照。其中这片庭院造成的空间是“虚”,周围的建筑是“实”,整个空间在纵轴上形成了开阔的视野空间表现为“虚’,周围室内空间形态相对于室外空间表现为一种“实”。这种虚实相间的空间构成手法和中国画留白所创造的空间形态手法是相似的;再如,在朦胧的江南,烟雨下的苏馆呈现出虚实相生的水墨画意境,这种“虚”的意境不单单是因为烟雨的造就,更是因为具体设计的延伸,比如光滑平坦的庭院倒影出清秀的建筑物,那亦真亦幻的片石假山在雨雾的柔化下完全融入到了这种意境,让观者充满无限遐想。2. 隐喻内敛——中国传统精神的人格之美苏州博物馆的设计处处可见含蓄内敛的表现方式,从造型、用材、色彩等方面都可以看出中国传统文人的优雅气质。首先,苏州博物馆的整个建筑群为了协调周围的建筑,总体高度都很低,分为首层、二层和地下层,将建筑逐渐分散到四周的布置上,遵循“不高不大不突出”的设计原则,这种毫不张扬的建筑布局正彰显了中国人谦卑、含蓄的精神特质。其次,整个建筑的选材也尽量与周边环境协调一致,除部分门窗外,墙面和屋顶都是采用的混凝土构筑,但外墙和内墙都以纯净的白色作为主基调,仅仅在空间转折处用灰色的线条来勾勒外形,同时,深灰色石材的屋面与白墙相配,简单、素雅,苏州博物馆的这种青白相间的地域色调体现了“道法自然”的宇宙观,展现了中国传统精神中的亲近自然,崇尚自然的内敛品质。

四、结语

对传统文化符号的运用是现代设计中的一个重要现象,也是重要手段,古建筑专家陈从周先生认为,苏州建筑以“柔和、雅洁”著称,而苏州博物馆的设计也以“精、巧、雅”为主要特色,整个苏州博物馆的设计在现代设计的基础上加入了对本土文化和景观符号的挖掘和对传统文化符号的运用,让建筑具有时代特征,同时也不失民族文化特色,这也值得我们思考,或许这种饱含民族文化价值的设计才是最能得到认同的作品,可能这也是设计师们不断追求的。
　　
　　参考文献:
　　[1]万书元.贝聿铭苏州博物馆漫评[J].艺苑,2008,(09):13.
　　[2]洪杰.贝聿铭的探索——阅读苏州博物馆新馆的几点体会[J].苏州科技学院学报(工程技术版),2008,(04): 65.
　　[3]杨英杰.书法艺术的线条美[J].天水师专学报(哲社版),1991,(02):143-145.
　　[4]邴波.艺术创作中虚实结合原因探究.西部学坛[J],1998,(02):25-28.

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