格里特·托马斯·里特维尔德 Gerrit Thomas Rietveld (1888-1964)，是荷兰著名的建筑与设计大师、荷兰风格派的重要代表人物。在现代设计运动中,里特维尔德更是创造出最多的“革命性”设计构思的设计大师。他是家具设计史上第一件现代家具“红蓝椅”(1917-1918年)的设计人,也是建筑设计史中具有里程碑意义的“施罗德住宅”(SchroderHouse,1924年)的设计人。仅此两项,就足以奠定里特维尔德在现代设计中的大师地位。

里特维尔德1888年生于乌得勒支，1964年卒于该地。木工之子，基本上自学绘画，一生皆在乌得勒支度过，他在当地接受国际上很广泛的业务。里特维尔德在父亲手下当学徒并做了一个时期的珠宝设计工作之后，于1911-1919年独立经营家具木工。在20年代后期和30年代，里特维尔德建造了很多商店、住宅和坐椅，这些作品具有强烈的现代构成风格。他是1928年“现代建筑国际学会”最初的创始人之一。

格里特·托马斯·里特维尔德出生于荷兰名城乌特勒支 (Utrecht)，父亲是当地一位职业木匠，而里特维德从7岁起就开始在父亲的作坊中学习木工手艺。l911年他开设了自己独立的木工作坊，同时开始以上夜校的方式学习建筑绘图。里特维德不是建筑学或设计方面的科班出身，但他对所学的任何实际知识都非常用心，并始终有独到的理解。有趣的是，里特维德一生中最富于革命性，也是家具设计史上第一件现代家具的设计人： 19l7～l9l8年他设计并制作了“红蓝椅”，并于次年成为荷兰著名的“风格派”艺术运动的第一批成员。“风格派”(De Saijl)运动是几乎与德国包豪斯齐名的现代艺术设计运动，其核心人物是多才多艺的设计师和理论家提奥·凡·杜斯伯格(Theo Van Doesburg)，著名现代派画家皮尔特·蒙德里安 (Piet Mondrian)和里特维德，其中包括许多当时非常“前卫”并在设计思想上崇尚创新的建筑师、设计师、艺术家和理论家。里特维德极富轰动性的“红蓝椅”系列的首批家具设计首先在“风格派”的专业艺术杂志上刊登出来，立即引起同仁和社会的广泛关注，随后批作品于l923年又在德国包豪斯展览中亮相，对许多同时代设计师，包括另外几位大师都产生了不同程度的影响。在20年代，现代设计运动的发展早期，里特维德的先锋作用并未限于家具设计领域，1924年，他设计了他一生中最重要的，也是建筑设计史中非常重要的里程碑，施罗德住宅 (Schr6(1er House)，其设计思想和手法都与“红蓝椅”出于一辙，同时也贯彻着杜斯伯格的设计理论和蒙德里安的艺术理念。仅此两项，就足以奠定里特维德在现代设计中的大师地位。

l927年他的首批钢管家具被投入生产线中，由阿姆斯特丹的麦兹公司 (Mets&Co．)生产。1919年他设计的纯粹以横竖构图元素组成的工作台几乎是蒙德里安绘画的一个立体诠释，这个工作台在设计上则可以明显看出格林兄弟l913年为自己住宅所设计的办公桌的影子。而l923年他为柏林博览会荷兰馆设计的“柏林椅”则可以说是对历史上所有椅子设计的彻底反叛：它由横竖相向的大小不同的八块木板不对称地拼合成一件椅子。

1932年设计制作的“z”形椅。这在家具的空间设计组织上是又一次革命。

施罗德住宅——

里特维尔德的施罗德住宅 (荷兰文：Rietveld Schröderhuis) (也称施罗德住宅Schröder House) 位于荷兰乌特勒支，由荷兰建筑师格里特·里特维尔德（Gerrit Rietveld）为图卢斯·施罗德-施雷德夫人（Mrs.Truus Schröder-Schräder）及其三个孩子所建，建于1924年。现在是对外开放参观的博物馆。2000年它登上了UNESCO的世界遗产名录。

文化遗产——

入选时间：2000年
地理位置：北纬52 5 7 东经5 8 50
遗产编号：965

世界遗产委员会在澳大利亚凯恩斯举行的第24届会议上，于2000年12月2日将本建筑列入UNESCO的世界遗产名录。委员会决定适用标准i和ii，并对该住宅作了如下叙述（原文）：

The Rietveld Schröderhuis in Utrecht is an icon of the Modern Movement in architecture and an outstanding expression of human creative genius in its purity of ideas and concepts as developed by the De Stijl movement. (…) With its radical approach to design and the use of space, the Rietveld Schröderhuis occupies a seminal position in the development of architecture in the modern age.

里特维尔德设计的施罗德住宅 （英文：Rietveld Schroderhuis（Rietveld Schroder House），位于荷兰中部乌得勒支省（Utrecht）首府乌得勒支市。20世纪初，世界建筑学领域涌现出一支崭新的流派—现代主义建筑风格派。其成员为一批年轻的建筑师，他们摆脱传统设计理论的束缚，大胆创造出许多适应工业化社会需求的形式新颖的建筑。他们强调简洁的设计概念，重视实用性、经济性、广泛采用现代建材。里特维尔德的施罗德住宅由荷兰建筑师格里特·里特维尔德（Gerrit Rietveld）为图卢斯·施罗德-施雷德夫人（Mrs.Truus Schroder-Schrader）及其三个孩子所建，建于1924年。她定制的是被设计为最好没有墙壁的住宅。该住宅是“荷兰风格派运动”（De Stijl）建筑的最为知名的样例之一，大概也是唯一正宗的荷兰风格派运动建筑物。格里特·里特维尔德（1888-1964），生于荷兰中部城市乌德勒支。他是荷兰著名的建筑与工业设计大师。他没计的一些经典作品，对于世界现代主义建筑风格派的形成产生过很大的影响。里特维尔德的施罗德住宅在内部和外部都是对其之前的所有建筑学（architecture）的根本性颠覆。 这个双层住宅建在一排连栋房屋（terraced houses）末端，但它并不试图与其相邻的建筑物相联系。其内部并没有房间的静止堆积，而是动态的可变的开放区。

底层尚可谓传统；排列于一个中心楼梯的是厨房和三个起居室（sit room）/卧室（bedroom）。生活区在楼上，被作为阁楼以满足规划局的要求，实际上形成了一个大的开放区，除了一个单独的卫生间和一个浴室。里特维尔德曾希望将上层保持原状。但是施罗德夫人觉得作为生活空间它应当可被用于各种形式——开放或细分。这是通过滑动和旋转面板实现的。当被全部分割时，生活层包括三个卧室，浴室和起居室。在此状态以及开放状态之间是各种各样可能的排列，每个排列皆可提供其自身独特的体验。立面（facade）是平面和线条的拼贴，其构件有目的地相互远离，看起来像相互滑过。这使若干露台成为可能。像里特维尔德的红蓝椅（Red and Blue Chair）一样，每个构件都有其自己的形式，位置和颜色。颜色被选作加强立面的可塑性；表面为白色而阴影为灰色，黑色的窗户和门框，以及一些在原色中的线性元素。该住宅坐落于乌得勒支，在普通的连栋房屋（terraced houses）之间，1960年代修建的公路边。里特维尔德的施罗德住宅被建筑学界公认为“现代主义建筑风格派的立体化体现”，载入世界经典建筑史册。施罗德夫人在该住宅里生活至于1985年去世。该住宅经由伯图斯·穆德（Bertus Mulder）修复，现在是对外开放参观的博物馆。

红蓝椅——

“结构应服务于构件间的协调，以保证各个构件的独立与完整。这样，整体就可以自由和清晰地竖立在空间中，形式就能从材料中抽象出来。”他在这一设计中创造的空间结构可以说是一种开放性的结构，这种开放性指向了一种”总体性”，一种抽离了材料的形式上的整体性。

红蓝椅是风格派最著名的代表作品之一。它是里特维尔德受《风格》杂志影响而设计的。里特维尔德的红蓝椅对包豪斯产生了很大的影响。红蓝椅于1917-1918年设计，当时没有着色，着色的版本直到1923年才第一次展现与世人。

这把椅子整体都是木结构。13根木条互相垂直，组成椅子的空间结构，各结构间用螺丝紧固而非传统的榫接方式，以防有损于结构。这把椅子最初被涂以灰黑色。后来，里特维尔德通过使用单纯明亮的色彩来强化结构，使其完全不加掩饰，重新涂上原色。这样就产生了红色的靠背和蓝色的坐垫。

这款红蓝椅具有激进的纯几何形态和难以想像的形式。在形式上，是画家蒙德里安作品《红黄蓝相间》的立体化翻译。该画家以利用处于不均衡格子中的色彩关系达到视觉平衡而著称。

1918年 rietveld 制作了著名的“红蓝扶手椅”的雏形，这个设计被看作是他全部作品的钥匙，他思想的宣言。1919年，他对设计的本质做了如下一番描述：“这把椅子的设计尝试将每一个部件以其最简单的方式呈现出来，依据人体使用的规律和材料本身的特性来还原椅子最初的形态，所以形态本身就是最好的反应，通过这种均衡的设计与休息的状态达到完美的和谐。结构部件在互相连接的同时并没有随坏本身的完整性，所以每一个单独的部件都完整的覆盖在另一个之上，或者本身就作为辅助部件，这样整个椅子在空间中就变得自由而清晰，其形态真正的超越了材料。由于使用了木制连接件，才有可能制作出这种扶手尺寸就有25 x 26 cm的大型座椅 。”

红蓝椅的理性化设计与设计家对一战的反思和对抗有着内在的联系。里特维尔德是将风格派艺术从平面延伸到立体空间的重要艺术家之一。

Z字椅——

1932～1934年设计制作的“z”形椅。这在家具的空间设计组织上是又一次革命，在最直接的功能上则扫除了落座者双腿活动范围内的任何障碍。在这件惊世之作的设计理念上，一般都以为是为回应杜斯伯格1924年发表的一种理论呼吁：要在艺术构图的竖直和水平的元素之间引入斜线的解决横竖构图元素间的冲突。不论理论上如何解释,“z”形椅在家具设计中的革命性是不言而喻的，实际上这种设计中的“斜线”因素早已出现在早年的“红蓝椅”中，而椅子设计中心明确的“斜线”因素早几年曾出现在霍夫曼1908年设计的一件休闲椅中。笔者曾在椅子论文中试探性地研究这种“斜线”元素如何在椅子设计中发展起来，发现早在中国宋代的椅子设计中就开始出现这种设计因素，并在以后的发展中，这种以斜背靠为关键要素的中国躺椅、休闲椅以及春宫椅成为中国家具中非常重要的一个类别。无论如何，“Z”形椅开发了现代家具设计的一个方向或一个类别，后代不少设计师不断在其设计理念的基础上进行新的“诠释”。

里特维尔德最为重要的贡献是将风格派艺术的平面绘画升华为立体空间，进而呈现出与传统的风格形式截然不同的现代主义设计语汇。他的设计追求一种极致的、纯粹的理想主义的结构,追求空间的流动开放性、纯几何体的精确简洁以及原色、非色的单纯明快。他的“要素性、经济性、功能性、非纪念性、动态性、形式上的反立方体、色彩上的反装饰”的设计思想和其划时代的作品,对于整个现代主义设计运动和后世众多设计师都有着深刻而持久的影响。

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桥梁建筑师Julian Hakes设计的这款概念女鞋在经过两年的努力，将抽象概念变化成真。这款高跟鞋曾参加伦敦时装周，并且被包括Forbes，意大利Vogue and Eile在内的杂志争相刊载。

Julian Hakes这款中空的鞋子看上去很抽象，如同画家即兴画出的线条，流畅跳脱却一副只能远观不可亵玩的样子，但是由于在制材方面选择了高强度、高弹性的碳素纤维构成鞋体支架，再以橡胶、皮革制成鞋身及部分触底位置，所以这双赢得大奖的高跟鞋比想象中穿着要稳当。

据人体力学科研人员的介绍，人类的高跟鞋是通过对人的脚跟提供支撑，使得人们平稳走路。但是即使是人赤脚站在木板上，人类的脚也会自然分开一段距离来支撑人平稳站立。对此，设计师朱莉安·汉克斯认为，既然人的脚有自己内在的结构和力量足以支撑人们平稳站立或行走，那人们为什么要对脚进行重复支撑呢。

于是，朱莉安·汉克斯开始用设计桥梁时候的办法来探索这个问题。她检查人走路时脚的用力状况，以及曾经用过的制鞋材料在脚用力的时候所表现出的特性。据悉，为找到理想的结果，朱莉安·汉克斯用描图纸包住自己的脚，并用胶带包扎好。这样描图纸上就会呈现出脚用力时候的几何图形，朱莉安·汉克斯还要在不伤到描图纸和自己的脚的前提下用外科手术刀把描图纸裁下来。

朱莉安·汉克斯表示：她设计的这几款鞋子，从外形上看仅仅是一个包围人脚的带子形成的几何形状。这条带子从脚趾开始，越过脚弓，绕到脚跟后扭曲向上，以为脚跟和脚踝提供支撑。这种设计外形会给我们一种轻快的感觉，穿在脚上就像是我们脚上的一块皮肤似的，所以称之为“莫吉托鞋”。

几何结构：通过这种方式，最后留下了这样一个几何结构：从前脚掌开始缠绕足弓，在脚后跟下面触地后又向上翘起，最后给脚后跟和脚踝以支撑。我将自己的脚包裹上描图纸，再用胶带将图纸固定好，之后再在我的脚模上画出各种各样的几何图形。下一步其实还有些危险，我用刻刀按着图纸上的图形设计将外壳一点点挖空，不能破坏鞋的主体结构，当然也不能伤到自己的脚。人的脚部本身就是一个结构强健的支撑结构，鞋底的形状实际只是脚底弧度的翻版。由此我想到，如果鞋子设计想在以往便鞋的基础上有所改进，新材料和新技术的运用或许能带来新的设计方案。

Julian Hakes打破传统，设计出这款非常时尚具有创意的概念女高跟鞋二代Mojito，设计独特，造型流畅，鞋底中空，看起来很抽象，但是鞋子采用了高强度、高弹性的材料，舒适度非常高。

初次看到这款鞋觉得很惊讶，设计师Julian Hakes考虑到其深入骨髓的清爽风格，将这款设计命名为Mojito——一种清爽而甘甜的调酒，二代Mojito高跟鞋，以高强度、高弹性的碳纤维为骨架，并配以橡胶鞋底和皮革鞋面，在超级流畅和简洁的造型映衬下，飘逸得如同风中的丝带。

这个设计让脚部又通风又轻便。由于这种鞋子看起来就像是一条扭转的皮带，所以我决定叫它魔吉拖（Mojito，原意是施展魔法）。鞋材实际很简单。主体是碳纤维，碳纤维能提供鞋子必须的支撑强度，也很有弹性感。碳纤维板接触皮肤的一面贴着皮革，鞋底的一面贴着橡胶。三种材料，各司其职。

Akos Major，匈牙利摄影师，现年35岁，居住于布达佩斯，曾在广告业从业10年，从他的作品中总能看到不一样的东西，它的作品干净纯粹，人的心似乎也跟着他的作品停留。

Akos Major，匈牙利摄影师，现居布达佩斯，2001年毕业于莫霍利·纳吉艺术与设计大学。曾从事建筑工程景观设计、广告设计等，对线条形式美和简约空间美，有独到见解。莫霍利·纳吉的构成主义实践，对他的理念影响颇深，采用圆、矩形和直线为主要艺术语言，主张从具象形态中提取造型主题，发现非再现自然形象的几何抽象的表现力，从形态关系出发，探索纯粹几何形态的构成性，以感觉性、自由性、均衡性的方法创作作品。运用冲突、穿插、叠合、错位等技法，形成对比极强的、不稳定的视觉形象与构图效果。

摄影师官方网站：http://akosmajor.com/

摄影有时是加法有时是减法。纷纭复杂的社会现实经常让我们眼花缭乱，每天被海洋一样的信息包围着，有时会让我们渴望简单，就像设计界兴起的简约主义风潮，摄影家也可以用镜头给我带来一片宁静的世界。匈牙利摄影师Akos Major就是这样，他用极为单纯的画面，让我们的眼睛和心灵都完全的放松下来。

匈牙利摄影师kos Major，这位自由摄影师在德国、澳大利亚、维也纳、冰岛……拍摄的干净、简约、纯粹而超乎寻常的作品，穿透了自然的灵魂。希望这种宁静的意境美能给予你一种别致的感觉，并给你带来灵感。

构成主义极简主义摄影

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HORNUNG AND JACOBI ARCHITECTURE is an Architecture and Research Studio based in Hamburg, Germany. Common ground throughout our projects, irrespective of it´s size or program, is their progressive relationship with the context. Thus we understand the environment, the program and people interacting with our design as part of the context, which leads to innovative, sensitive and unique proposals.

Our projects are drawing attention to the constant change and evolution of our life. We trust in the potential to create an environment, which integrates other disciplines and thus other specialists to disclose unexpected qualities. In line with our corporate philosophy we enjoy testing new ideas, which might initially appear utopian, but never lack pragmatism to actually realize them.

This approach relates to our fascination of big building projects as much as to small-scale projects. Our declared aim is to achieve highest possible quality, excellent detailing and the creation of an integrated strategy involving the individual needs of the user, regardless of the budget. We believe it is through exchange and research of our surroundings that enable us to unfold diverse aspects of our ‘lebensraum’ to come.

HORNUNG AND JACOBI ARCHITECTURE was established in 2012 by PETER THOMAS HORNUNG AND ELSA KATHARINA JACOBI. Both benefit from a high profile education and working experience in internationally well-known offices.

官方网站：http://hornungjacobi.com/projects/villa-f/

罗得岛豪华别墅建筑设计

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这种一丝不苟，传达准确的风格，即所谓瑞士国际主义风格 。简单的说 ，由于Swiss Design这种风格简单明确，传达功能准确，因而很快得到世界范围内的普遍认可，成为战后影响最大的一种平面设计风格，也是国际最流行的风格，因此，又被称为国际主义平面设计风格（International Typographic Style）。

注：瑞士的现代设计主要是从日内瓦的日内瓦设计学校和巴塞尔（Basel）的巴塞尔设计学院所发展起来，它们可以说是瑞士现代设计的摇篮！从40 年代到60 年代，瑞士现代主义风格，也就是被世界称为瑞士国际主义平面设计风格的这种方式，在这两所学院形成和发展，影响世界各国。瑞士出现了几个重要的大师，比如阿明·霍夫曼（Armin Hofmann）、依米尔·卢德（ Emil Ruder ）、约瑟夫·穆勒-布罗克曼等等。但此后再也没有大师级人物出现。瑞士政府于是表示忧虑，便极力设法吸引杰出设计人员留在教学单位，企图带动改革。但是依然难以争取到最杰出的人才任教，因而，设计改革也显得十分困难。

瑞士国际主义平面设计特点：

1.风格简单明确，传达功能准确，追求几何学式的严谨。简介明快的版面排版，完整的造型，采用方格网为设计基础，形成高度功能化，理性化的设计风格。 2.设计是社会工程的组成部分，从而避免美国设计简单赤裸的商业倾向。

纵观世界平面设计史的发展从缉捕一名逃亡奴隶的告示开始到迄今为止的后现代主义平面设计少说也有数千余年了。在平面设计的发展浪潮中人类的视觉传达的方式多种多样每一时期都有自己独特的设计理念与人文情怀因而也涌现了不少的平面设计运动或流派。

进入20世纪后视觉传达设计的发展进入了发达的科学时代。欧洲和美国紧跟时代的步伐他们从思维方式、表现形式、创作手法、表达媒介等方面进行了彻底的、全面的改革形成了现代艺术与现代设计的一次次浪潮。

在这一次次浪潮中20世纪中期的瑞士国际主义平面设计即（瑞士国际版面风格）尤为突出。

一.瑞士国际主义平面设计的形成

第二次世界大战结束后平面设计经历了一段时间不长的停滞。由于大战对于欧洲和亚洲各个国家带来了巨大的创伤除了美国之外国际的平面设计在风格上没有什么创新。经济的逐渐恢复和发展促使了设计在二战后的发展而市场的日趋国际化又对于设计的国际化面貌和特点提出了新的要求。到20世纪50年代期间一种崭新的平面设计风格终于在联邦德国与瑞士形成被称为“瑞士平面设计风格”Swiss Design。由于这种风格简单明确传达功能准确因此很快流行全世界成为二战后影响最大、国际最流行的设计风格因此又被称为“国际主义平面设计风格”the International Typographic Style也称国际版面风格。

由于国际交往国际贸易的急剧增加国际对话也与日俱增这样的发展促进了国际视觉语言的形成使国际主义设计成为不可阻挡的潮流。 其实在50年代瑞士设计就形成了一种典型的版式风格，这种瑞士风格的形成离不开众多设计师的不断探索和实践包括形式语言的实验、设计理念的提出以及相互间的影响与交流。例如赫伯特·麦特Herbet Matter他是最早把摄影机创造性地运用于平面设计上把摄影作为视觉传达设计的手法的瑞士设计师。在30年代为瑞士国家旅游局设计的招贴中他使用摄影、版面编排和主题文字相拼和全部文字采用无衬线体具有现代主义的特色。又如沃尔特·赫德格Walter Herdeg他更是把毕生精力献给了设计事业和出版编辑事业他1944年创办的著名的《图形》杂志成为了平面设计界公认的最具权威的出版物。正是有了众多设计师的努力与积累才有了后来影响世界的国际主义版面风格。

瑞士国际主义风格应该与包豪斯和荷兰的“风格派”运动等有很大的渊源。毕业于包豪斯的瑞士平面设计家西奥·巴尔莫Theo Ballmer（1902－1965）和马克斯·比尔Max Bill（1908－）都是在瑞士形成的国际主义平面设计运动的两个关键人物。巴尔莫的设计首先使用简洁的网格结构具有较强的功能主义,他的字体设计显得更精致、优美,是最早采用完全的、绝对的数学方式从事平面设计构造的设计家之一。马克斯·比尔则重视设计的一致性和统一性，并找到了明确的设计方向数学构成、单村视觉元素、绝对有序地组织。此外他担任联邦德国“乌尔姆设计学院”（theHochschulefurGestaltunginUlm）的第一任校长学校最大的要点就是把设计作为社会工程的组成部分而避免美国设计简单赤裸的商业倾向。乌尔姆设计学院对于奠定国际主义设计风格起到决定性的作用。

二.瑞士国主义平面设计的特点及风格

国际主义平面设计风格以单纯、易于识别为目标其特点是力图通过简单的网络结构和近乎标准化的版面公式达到设计上的统一性。具体地可以总结为以下几点:

在视觉表达上数字网格采用非对称的平面组织设计元素，无论字体还是插图照片标志使之达到设计的视觉统一，用无衬线体版面排成左齐右长短不一的形式平面效果非常标准化、规范化和程式化。 在设计观念上注重功能主义思想注重理性科学观念特别是数学逻辑。 国际版面风格的设计师们比之其作品的表现形式更注重发展设计事业的态度。他们认为设计是有助于社会进步的活动因此抛开完全个人的表达态度和设计问题的偏僻的解决方法而取之以更普遍、的更科学的态度。设计师们认为他们不是艺术家而是作为社会组成各部分之间传播重要信息的客观引线。因此明确的视觉秩序成为设计目标。

瑞士新字体设计

50年代形成的国际主义风格的核心部分是无衬线线字体的发展及广泛采用。新一代的平面设计家采用一种直接了当的新无衬线线体达到高度的、毫无掩饰的视觉传达目的。1954年在巴黎工作的瑞士平面设计家阿德里安·弗鲁提格Andrain Frutiger创造了一套共有21个不同大小字号的新无饰线体称为“通用体”Univers。50年代初期阿明·霍夫曼Armin Hofmann和另外一个瑞士设计家马克斯·梅丁格合作创造出“新哈斯格罗特斯克体”HAAS Grotesque。1961年新哈斯体在联邦德国正式出品新名称是“赫尔维提加体”Helvetica。这种字体设计得非常完美因此成为50年代到70年代当中最流行的字体。赫尔曼·扎夫在40年代和50年代期间设计的几种字体被视为字体设计上的重大发展如“帕拉丁洛体Palatino1950”“米奥体Melior1952”“奥帕迪玛体Optima1958”扎夫的字体设计达到一个兼有功能特点和优雅细节的高度。

瑞士设计中心

作为二战前后最重要的平面设计中心之一瑞士的巴塞尔和苏黎世两个城市对国际主义风格的形成起到重要作用，成为一个设计中心地区。这里涌现出众多优秀的平面设计家。

国际主义平面风格的精神领袖约瑟夫.莫勒-勃洛克曼Josef Muller-Brockman。他是瑞士最重要的平面设计家、版面设计家和设计教育家之一更是瑞士国际主义平面设计风格确定与传播的重要推动者之一。他的设计思想是追求绝对的设计主张非人格化系统化规范化和工整的原则主张设计以传达功能优秀为最高目的的宗旨。为了达到传达的目的设计家个人的偏好、说服性的宣传技巧都应该漠视不顾衡量的标准就是作品的视觉表达力和信息接受力。他还认为设计应该具有杰出的、充满活力、生动的传达功能。他在50年代设计的平面作品特别是海报设计都具有这个特点。他的平面设计处理都非常简明扼要既有高度的视觉传达的功能性又有强烈的时代感紧张而具冲击力。他采用的摄影资料都把摄影本身变成设计的元素处理赋予摄影以新的功能。他的摄影拼贴都非常强烈并且结构简单突出主题能够使观众一目了然的了解海报的传达内容。他还强调设计的社会性—设计是为社会经济、文明发展服务的这点具有较强的现代主义设计运动的风格。

另外一个对于树立和发展瑞士国际主义平面设计风格有重大贡献的瑞士设计家是西格菲尔德.奥德麦特Siegfried Odermatt。奥德玛是自学成才的设计家。1950年它成立了自己的设计室。他的主要设计业务是商标、包装、广告、企业形象等他们的设计也采用非对称性、强烈的简单色彩对比、无装饰线字体这些基本的国际主义风格特点不同的地方是他在排版编排上比较生动不是刻板地完全按照这个风格进行设计。他认为设计就是实现传达的工具他的大部分作品虽然是单色印刷但借助明确的概念力量和独特的视觉造型达到与色彩印刷同样的效果。60年代新一代设计师罗斯马利·蒂茜Rosmarie Tissi加入到奥德麦特的队伍中在其作品中充满了幽默的元素在设计思想上更为自由、个人化。他们的设计为日后的后现代主义设计的发展奠定了基础。

瑞士设计的教育

国际主义设计风格的正式确立离不开瑞士的设计教育与教育传播。埃米尔·鲁德Emil Ruder1947年任巴塞尔工艺美术学校平面设计教师。他的设计方法思想集中在他的著作《版面设计》中他指出设计要做到形式与功能的平衡当字体失去传达功能的事业就失去了他的意义与目的因此高度的可读性、易读性是设计的关键所在。他的版面设计教学发展了对负形或无印刷的空白空间的敏感性他提倡系统的整体设计和使用复杂的网格结构使所有元素相互和谐达到统一中的多样性和变化性。

阿明·霍夫曼1947年进入巴塞尔工艺美术学校教设计并办有自己的设计室。他的设计重点也由原来的图形转变为基本元素点、线、面的设计布局。他的深刻的审美意思是他特别强调出功能性之外的设计美并探求造型的实质过程中发展出自己的哲学来。他所寻求的是一种动态的和谐使所有的设计元素形成明暗、曲直、正负、动静对比当整体趋向和谐设计就达到了高层次的完美表现。霍夫曼1965年出版了著作《平面设计手册》书中完整阐述了他的设计思想和方法。

三.瑞士国际主义平面设计的影响

瑞士的国际平面设计风格是在1959年瑞士出版《新平面设计》杂志时真正形成气候的。这本刊物是瑞士国际主义平面设计风格的基本阵地、中心和发源地在平面设计史中具有重要的作用和意义。

瑞士的国际主义平面设计在美国引起很大的震动并在美国得到高速发展和广泛运用。最早促进国际主义在美国发展的是洛尔·马丁。他于1947年开始在美国辛辛那提美术博物馆担任平面设计工作他放弃了美国当时流行的写实插画方式而采用国际主义的简单、明确、视觉传达准确的特点因而产生了一系列完全不同的新设计得到博物馆的负责人和观众的一致好评。

另外一个把瑞士国际主义风格介绍到美国的是洛杉矶平面设计家鲁道夫·德·哈瑞克Rudolph de Harak。哈瑞克强调平面设计的简明扼要的特点。他在设计上采用方格网络结构来组织平面设计的各种因素因此他的所有设计都有条不紊、井井有条完全在方格的规范之中。由于这些先驱的努力瑞士国际主义平面设计风格从50年代开始在美国开始流行一直延续了20多年。

美国采用了国际主义平面设计风格之后极大地提高了美国科学技术出版物的普及和推广对于美国的科学技术和工业生产都有极大的、积极的促进作用。 而且二战后不断增长国际主义精神日益明显大众传播的速度争霸世界变成一个“全球村”。这就决定了视觉设计力求传达的明确性能超越语言障碍是各地域的人都易于理解和记忆。而瑞士国际主义设计风格正由此而来。并开始逐步影响整个世界。

四.瑞士国际主义平面设计的局限

瑞士国际主义设计风格是在战前的包豪斯和荷兰风格派的基础上发展而来在设计理念上有着诸多相似点。它强调以为大众服务为宗旨使其易于理解和记忆。于是它须具有形式简单、反装饰性、强调功能、高度理性化和系统化的特点因而它的表现形式有数字网格、无衬线体、标准化、规范化和程式化。然而正是在这种种因素的串联发展之下瑞士国际主义平面设计既推动了世界的发展也暴露了自身的不足与局限。

首先瑞士国际主义平面设计作品的要求必须是客观的非个人的设计家个人的偏好、顾客的特殊要求、宣传的压力都应该漠视不顾唯一的标准是视觉的力量与效果。这不仅忽视了个人的要求更磨灭了个人的审美价值忽视了传统对于人的影响。所以一个好的设计师不只要顾全大众的利益也要考虑到个人的需求因人而异随机应变。

其次瑞士国际主义平面设计形式为数字网格注重数学逻辑和理性思维缺乏感性的思想给设计者造成很大的局限不利于思维的发散而且形成的版面过于死板、拘束缺少更为自由、更为个人化的特点。因此在后来的平面设计史中设计师们一反功能主义的设计理念增加了感性的、个人的、自由的元素。

最后瑞士国际主义平面设计发展到美国后渐渐背离了设计先驱们的初衷。其一，国际主义平面设计渐渐变成了一种风格而不是一种动机成为了虚空的形式主义。其二，国际主义平面设计作为一种工具也参与商业主义参与市场营销活动以虚假的外表来欺骗消费者促使人们购买他们并不需要的东西甚至成为了美国的大型垄断企业作为显露他们全球性经济和海外延伸雄心的视觉传达工具。

后记：瑞士的平面设计是现代主义艺术设计的重要基础，从19世纪20到30年代，传统的技艺与工业得到了很好的结合，特别是药物行业与机械工程方面，与当时西方国家的正在从事广告，工业印刷等领域的设计师相当匹配。这些平面设计的开拓者们把图案看成是工业生产及视觉传达的一部分，他们宁愿选择拍照也不愿用文字来作说明，更甚是，他们认为字体的作用是工业的一种形象代表，作为一种图样存在，更多于文字本用来记录的作用。根据著名的设计权威Richard Hollis所述说，这种无限创意的“图案”正在这些瑞士设计师Theo Ballner ,Max |Bill ,Adrian Frutiger, (Karl Gerstner),Armin Hoffiman,Emast Keller,Herbort Matter,Josef Muller ,Brockmann,还有就是Jan Tschichold等，作为唯一确实的平面图形语言来不断发展，创作。这些设计师的设计风格，由于运用实在规律，有计划地，按几何学的理论来结合图形与文字，被全世界所钦佩，更由于被作为国际性的通用图形语言，例如Helvetica成为了瑞士最经典的，具有象征意义的平面设计，而且它的设计范畴还囊括了海报，杂志，博览会展览，小册子，广告，书籍，电影等领域，这些渗透到各领域的要素表现出瑞士设计师们为现代主义艺术设计留下了许许多多不可或缺的图形语言的重要组成部分。

她的很多作品都只能安静地躺在图纸上，无法付诸实施，她甚至一度被称为“纸上谈兵”的建筑设计师。——她是扎哈·哈迪德Zaha Hadid。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid），2004年普利兹克建筑奖获奖者。扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）1950年出生于巴格达，在黎巴嫩就读过数学系，1972年进入伦敦的建筑联盟学院AA学习建筑学，1977年毕业获得伦敦建筑联盟(AA，Architectural Association)硕士学位。此后加入大都会建筑事务所，与雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）和埃利亚·增西利斯（Elia Zenghelis）一道执教于AA建筑学院，后来在AA成立了自己的工作室，直到1987年。1994年在哈佛大学设计研究生院执掌丹下健三（Kenzo Tange）教席。

扎哈哈迪德官方网站：http://www.zaha-hadid.com/

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）的设计风格分析：

“我自己也不晓得下一个建筑物将会是什么样子，我不断尝试各种媒体的变数，在每一次的设计里，重新发明每一件事物。建筑设计如同艺术创作，你不知道什么是可能，直到你实际着手进行。当你调动一组几何图形时，你便可以感受到一个建筑物已开始移动了。”

在维塔一案中扎哈证明她其实是经营空间景观的高手。语汇仍沿袭她早期的作品，但组合方式己大不同。早期扎哈的语汇是挑战基地涵构，现在她学会从基地找出她要运用的空间语汇。结合机能与空间逻辑，创造出今人激赏的建筑，她的建筑提醒人注意原野如何越过山丘，洞穴如何开展，河流如何蜿蜒，山峰如何指引方向。或许扎哈已了解，”瞬间的爆发”并未能揭露人类心灵的构造，但能展现人造环境的本质。她并未在乌托邦的残迹中发现自由空闲，而是在对既有环境的探索中发现。

盘旋手法，维塔案后，盘绕元素一再出现于扎哈的作品中:像是蓝图馆，一案中的金属折板;也曾出现于卡迪夫湾歌剧院、V&A博物馆增建中。扎哈这时期的建筑是蜿蜒至基地景观内。接下来她更进一步创造自己的景观，以此景观包被机能、创造空闲。在V&A博物馆中，扎哈运用在霍金广场一样的手法，将画廊延展至屋顶之上。卡迪夫湾歌剧院中，这种盘旋的语汇界定了大厅空间;在蓝图馆中则创造了展位的存在性。

将新的认知转化为现存造形的重组。这些新的形体成为新现实的原型，在其中，所有事物重组、溶解后重回原点。藉由新方式重现新事物，我们可建立新世界并居住其中，即使仅经由视觉。他并未发明新的构造或技术，却以新的诠释方法创造了一个新世界。以拆解题材和物件的方式，找出现代主义的根，塑造了全新的景观，任由观者遨游。

扎哈·哈迪德建筑手法和设计理念：

隐喻法：扎哈的工作就是设法在建筑空间内找到当代信息科学和电子科学的规律：以大量的资料相互作用、模拟产生效果。这些都是以强烈且十分有效的造型实现的。“流动感”在她的许多设计方案中表现得十分强烈，产生了一个散发着巨大能量的空间，因显得无“重力”而诱人。似乎是她的大脑的各种神经在同步运转，思维逻辑在不间断的变化着，与网络的大量信息结合在一起，连续闪烁着一样。

涉及空间：扎哈设计的空间是对立中的统一。虚与实、轻与重、固定与流动、开放与封闭、无光泽与透明等。是一个从塑造自然环境过程中产生的空间，所以它的建筑造型也是不可分类的。

设计理念：当今出现景观都是经过数字处理过得，但是都在继续发展已经移位的设计理念，哈迪德的设计与景观不大相符，但是，总能以复杂、异常和自相矛盾的造型表现出更新的轮廓。

扎哈·哈迪德生平简介：

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）于1983年入选香港The Peak Club的设计竞标方案，获得广泛赞誉。此后，她在柏林Kufurstendamm大街（1986年）、杜塞尔多夫的艺术和媒体中心（1989年）和卡迪夫湾歌剧院（Cardiff Bay Opera House）（1994年）的竞图中均获得一等奖。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）在从事理论和学术研究的同时，在1979年自己开业，为伦敦伊顿广场（Eaton Place）设计了一幢公寓。该作品于1982年获建筑设计金牌奖。其他项目还包括为伦敦Bitar设计家具和室内装饰（1985年），在日本设计了几幢大厦，如东京的两个项目（1998）和大阪的Folly（1990年）。1990年，哈迪德还为格洛宁（Gronningen）的视频艺术展设计展馆，1992年在纽约古金汉博物馆设计了”伟大的乌托邦”展览。1988年-1989年，哈迪德受托设计莱茵河畔维尔城的维特拉消防站，建成后为汉堡、波尔多和科隆的港口服务。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）于1983年开始在AA建筑学院展出大型绘画回顾展，此后其绘画作品一直在世界各地展出。大型展出地点有纽约古金汉博物馆（1978年）、东京GA画廊（1985年）、纽约现代艺术博物馆（1988年）、哈佛大学设计研究生院（1994年）和纽约中央火车站候车室（1995年）。哈迪德的作品还被众多机构如纽约现代艺术博物馆和法兰克福德意志建筑博物馆作为永久收藏品收藏。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）的作品并非全然地西化与现代性。在伊拉克长大的扎哈，从小便迷于波斯地毯繁复的花样，藉由织工的双手，波斯地毯将现实转化为交缠丰富的世界。无独有偶地，织工也多半为女性。

对扎哈最直接的影响仍是伦敦的建筑联盟学院（AA）。她在那里就学时，该学院可说是处于黄金时期，堪称全世界的建筑实验中心。学院继承　”建筑图像派”　的传统，学院的多位师生——库克、库哈斯、楚米、寇斯，将现代世界的憾动转化为他们作品的主题与造形。他们勇于做为全新的现代主义者，尝试捕捉不断变化的能量，增加新视点，企图为现代性提出新视点。不管是楚米的趣味狂笑、库哈斯的神秘拼贴，还是库克的宣示性，他们都将多向度透视、快速移动而强烈的造形，和科技性的架构，整合为意象－这些意像的表现乃是描述多于定义。

扎哈·哈迪德是近20年崛起的新一代明星建筑师，她是解构主义的实践者，代表着当今最前卫的设计思潮。她将“打破传统建筑空间”作为自己的信条，以独特的角度切入建筑，敢于向未知的世界发起挑战，将空间从人们一贯的思路中解放了出来，让思想获得了更大的自由，极大地扩展了建筑学的领域。她是城市建筑的实践者，并一直关注着建筑同城市的关系，做了大量的尝试，让建筑同城市更紧密地结合。她使用自己独特的建筑语言，从个完全不同的思路诠释建筑，诠释空间。扎哈·哈迪德从早期的现代主义思潮中汲取营养，从大自然的景观中获得灵感。她始终在强调空间的连续和动态表现，她努力捕捉运动着的社会能量，借由视觉艺术赋予时代以新形象。　我国建筑师一直在苦苦思索，探求着自己的建筑之路。随着国外各种思潮的影响，国内的设计也日益全球化，这促使更多的建筑爱好者对扎哈‘哈迪德的研究兴趣与日俱增。本书在对扎哈·哈迪德的早年经历作了简要回顾的基础上，深入浅出地探讨了她的设计思想及理念，并选出了她的15个建筑作品和8个展览作品配以文字和图片加以介绍。希望本书能为建筑学初学者和爱好者们提供一个了解扎哈·哈迪德设计思想和手法的窗口。

扎哈·哈迪德于1950年出生于伊拉克的首都巴格达，儿时的她便多次游历了欧洲。当她11岁时就有了成为一个建筑师的想法。后来她就读于黎巴嫩贝鲁特的美国大学，但是当她选择大学的专业时，她选择了数学，按她自己的话说，那时的她不能为自己的生活确定某种方式，年轻的生命渴望对许多事物的尝试。而数学对于哈迪德而言是一项轻而易举的专业，所以她便暂时选择了数学。后来她移居到了英国，并进入了伦敦的AA学院(Architecture　Association)学习建筑学。这段学习的经历对她日后的创作有很大的帮助。　她在那里就学的时候，该学院正是处于黄金时期，堪称全世界的建筑试验中心。学院继承“建筑图像派”的传统，将现代世界的发展转化为他们作品的主题与造型。　“AA什么也没有教给我，没有人告诉我如何画图，也没有人告诉我去看什么，什么都没有。但这里有的是那些可以帮助你的人。不论何时，只要需要你就可以去寻求能提供帮助的人，同时AA还有各种各样的讲座。在这样的环境下你就会慢慢地明白自己需要什么样的东西，来形成自己。”　扎哈·哈迪德在20世纪70年代求学期间，开始对20年代的苏联前卫艺术感兴趣，包括马列维奇和康定斯基的构成主义。80年代后现代主义方兴未艾，但她并未随大流，而是一直情有独钟地探索着前卫艺术。至上主义是属于绘画和雕塑范畴的，在建筑界并未得到的表达，实际上也就是描绘了自己的风格。

“过去我认定有无重力的物体存在，而现在我确信建筑就是无重力的，是可以漂浮的。”1977年当哈迪德获得了AA授予的硕士学位后，她加入了大都会事务所(OMA)　，在那里她做了两年的学生和六个月的合伙人。而她由于个性需要一个更自由的空间施展拳脚，离开了OMA。但时至今日，她仍同OMA保持着特殊的关系。她同瑞姆·库哈斯仍是很要好的朋友，经常在一起讨论很多问题。　哈迪德在1979年创立了自己的工作室，开始大量参与国际竞赛。独立之后她的设计中开始出现锐角三角形和长弧曲线，那些炸裂开的碎片在城市的上空横飞，给我们带来前所未有的压倒性的视觉冲击力。在1982～1983年“　香港之峰俱乐部”竞赛中，她获得了一等奖，这标志着她的崛起。哈迪德的获奖与日本建筑家矶崎新有很大的关系。在1982年香港举行的国际建筑竞赛上，由于矶崎新的慧眼，使她的方案从初审淘汰的名单中拣了回来，并在这之后一跃获得首奖方案。矶崎新在评价这个方案时说：“我被她那独特的表现和透彻的哲理性所吸引。”虽然“香港之峰俱乐部”最终只停留在方案阶段，但是扎哈·哈迪德已经名声远扬，成为世界建筑的明星人物。1988年哈迪德被邀请参加在纽约举办的“解构建筑展”，其他参展者都是已经功成名就的建筑家：弗兰克·盖里、瑞姆·库哈斯、彼得·埃森曼、丹尼尔·利伯斯金德、蓝天组以及伯纳德·屈米，这确立了她在解构建筑界的超前地位。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）主要设计作品：

扎哈·哈迪德的建筑作品使她在学术界和公众中赢得了广泛声誉。她所设计的注明日期的最优秀最著名的工程是：德国的维特拉（Vitra）消防站和位于莱茵河畔威尔城（Weil am Rhein）的州园艺展览馆（1993/1999 ）, 英国伦敦格林威治千年穹隆上的头部环状带( 1999 )，法国斯特拉斯堡的电车站和停车场（ 2001 ), 奥地利因斯布鲁克的滑雪台( 2002 )，以及美国辛辛那提的当代艺术中心（2003）。

她还完成了如下的家具创作和内部装饰: 伦敦的Bitar( 1985 )，札幌的Moonsoon餐馆( 1990 )，由Sawaya and Moroni制造的Z－游戏( 2002 ) 和Z－景观（Z－Scape，2000）的家具，Alessi的茶城与咖啡城(2003)。她所设计的临时建筑物包括:大阪的Folly（1990 ）, 荷兰格罗宁根（Groningen）的音像馆 (1990)，伯明翰的Interbuild蓝图杂志馆( 1995 )，意大利罗马美蒂奇（Villa Medici）安装网（installation Meshworks，2000），英国伦敦盘旋形画廊的夏亭( 2000 )，以及西班牙巴塞罗那的R. Lopez de Heredia Vina Tondonia亭阁( 2001 )。

中国首都北京地标建筑银河SOHO的设计和广州歌剧院也是扎哈·哈迪德所创作。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）的设计历程：

2004年3月21日，位于洛杉矶的海耶基金会宣布了被誉为建筑界诺贝尔奖的普立兹克奖今年的得主，出生于巴格达的英籍女建筑师扎哈·哈迪德获此殊荣。此次蟾宫折桂让她创下了两个之最：该奖项创立25年以来的第一位获得大奖的女性，而且还是最年轻的获奖者。

对世界来讲，哈迪德无疑是明星建筑家。但对中国来说，很多人对她还是陌生的。不过，自打去年以来，哈迪德频繁走访中国。从广州歌剧院方案构思，到北京在SOHO中国的“物流港”，她一步步走向中国，并与中国建筑师对话。可以说这次她获奖的背后也有蓬勃发展的中国建筑业的影子。

哈迪德解构主义大师

60岁的哈迪德是个工作狂，至今单身一人。她1950年出生于巴格达，1972年进入英国伦敦的建筑学会学习。毕业后在伦敦创办自己的事务所。

哈迪德的设计一向以大胆的造型出名，被称为建筑界的“解构主义大师”。这一光环主要源于她独特的创作方式。她的作品看似平凡，却大胆运用空间和几何结构，反映出都市建筑繁复的特质。

1993年，哈迪德推出成名作——德国莱茵河畔魏尔镇的一座消防站。在它的建筑方案出台、尚未实施之际，由于其充满幻想和超现实主义风格而名噪一时。哈迪德通过营造建筑物优雅、柔和的外表和保持建筑物与地面若即若离的状态，达到理想的效果。

哈迪德另一个比较有名的作品是她独立设计的美国辛辛那提罗森塔尔现代艺术中心。这幢8层高的建筑像一个精巧的方盒一层一层搭建在玻璃底座上，被《纽约时报》誉为“田园绿洲”。此外，法国斯特拉斯堡的一个停车场以及奥地利因斯布鲁克的滑雪场等也使哈迪德名扬四方。

这一次，哈迪德的获奖作品是台湾台中古根汉美术馆。评委认为她能够大胆利用空间，巧妙运用几何学原理，使作品与环境融为一体，成功展示了乡村生活的美妙，因此才把本年度的大奖授予她。当代建筑大师、评审团成员之一法兰克·盖瑞称赞哈迪德的每一个设计都创意十足。另一位评审费巴姆表示，哈迪德单单画出设计图，就已大大扩充了建筑的“创作曲目”。她设计的大型综合建筑建成后，创造力更能充分展现

非解构主义大师，与屈米、埃森曼的区别。

扎哈·哈迪德并不是解构主义大师。哈迪德本人也不认为她是一位解构主义建筑师。她与解构大师屈米、埃森曼是有区别的。虽然建筑形式相似，但是屈米的思想源自德里达，而哈迪德则是受到马列维奇至上主义的影响。屈米及埃森曼解构主义的共性是在于对现代主义建筑的批判，对现代主义建筑和传统建筑二元对立的瓦解。屈米重构了一种非二元对立的理论，埃森曼重构了一种后功能主义。他们在重构的同时，都走向了各自瓦解对象的对立面。而哈迪德则是通过对传统观念的批判，进而对建筑的本质进行重新定义，从而发展适合新时代的建筑，这才是哈迪德在建筑中所要实现的本质目的。

扎哈哈迪德跨界设计：

多方位出击的哈迪德走着理论学术研究与设计实践并重的路子，她的实践几乎涵盖所有的设计门类。1983年，她在伦敦展出大型绘画回顾展。此后，她的一些颇具实验性和前卫的绘画作品一直在世界各地展出，作品被众多机构如纽约现代艺术博物馆和法兰克福德意志建筑博物馆永久收藏。这些，都反映出一位特殊女性设计师的广阔视野。

从哈迪德的多项设计作品的构思和表达方面来看，她与众不同的伊斯兰文化背景显然弱于其所接受的英国式传统保守精神。但不可否认的是，她的性格之中还有着强硬、激越的一面，她的许多设计手法和观念似乎是在被阿拉伯血统中的刚劲精神热烈地鼓舞着勇往直前。与此同时，她也在一些“随形”和流动的建筑设计方案之中流露出贴近自然的浪漫品位。

以“打破建筑传统”为目标的哈迪德，一直在实践着让“建筑更加建筑”的思想，于是才会有超出现实思维模式的、突破式的新颖作品。

扎哈·哈迪德与普利茨克建筑奖：

2004年度普里茨克建筑奖第一次被授予一位女建筑师：扎哈·哈迪德。

3月21日，普里茨克建筑奖评审委员会在加州洛杉矶宣布，已取得英国国籍的伊拉克建筑师扎哈· 哈蒂德被评选为2004年度普里茨克建筑奖得主。这是普里茨克奖设立26年以来第一次被授予一位女建筑师。现年53岁的哈蒂德 ,在美国完成了一项工程设计，即俄亥俄州辛辛那提的理查德与洛伊丝·罗森萨尔当代艺术中心；当前，她正在开发另外一个与弗兰克·劳埃德·赖特建筑物共存的工程,即俄克拉荷马州巴特莱斯威尔的普瑞斯艺术中心（the Price Tower Arts Center）。她在欧洲完成的其他工程设计包括：德国莱茵河畔威尔城（Weil am Rhein）的维特拉（Vitra）家具公司的消防站；坐落于威尔城的州园艺展览建筑（Lfone Landesgarten-schau）， 即标记为1999年园艺节的展览建筑物；法国斯特拉斯堡郊外的停车场和有轨电车站；坐落于奥地利西部的可以鸟瞰因斯布鲁克城的伯吉瑟尔山上的滑雪台。她在不同发展阶段中有很多其他工程设计，它们包括：德国莱比锡的BMW建筑和沃尔斯堡的科学中心，罗马的国家当代艺术中心，西班牙比尔堡的总体设计，台湾的古根海姆博物馆，那不勒斯城外的高速火车车站，法国蒙特帕利尔的新的公共档案馆、图书馆和运动中心等。

在评审委员会宣布其评选结果时, Hyatt 基金会的主席托马斯·J·普里茨克说：“作为普里茨克建筑学奖的发起者和赞助者，我们看到极其独立的评委会第一次把荣誉评给一位女性，这是令人满意的。尽管她的主要作品的实体相对小些，但是，她已获得人们的广泛称颂，而且她的精神和理念甚至显示出未来发展的远大前程。”

普里茨克奖评委会主席罗特赫斯柴尔德勋爵评论说：“同时，如同她的理论和学术工作一样，作为实践建筑师的扎哈·哈蒂德对现代主义的追求是坚定执着的。她总是富有创造力，摒弃现存的类型学和高技术，并改变了建筑物的几何结构。” 接着，罗特赫斯柴尔德勋爵还说：“在伦敦建筑协会的第四年里，哈蒂德作为雷姆·库哈斯(他本人是2000年普里茨克奖的得主)的学生完成了被称为马勒维奇结构（Male-vich’s Tectonik）的毕业设计作品———她在泰晤士河上的Hungerford桥旁设计了一幢宾馆，从至上主义者（suprematist）那里吸取了满足规划和地点要求的形式。因此，这是一个令人愉快的巧合———今年颁奖典礼将在非常美丽而且极富创造力的城市俄罗斯圣彼得堡举行，而马勒维奇曾在那里生活和工作过。”

已为整个世界知晓的作为建筑学领域最高荣誉的正式颁奖典礼将于2004年5月31日举行。届时，一笔10万美元的巨额奖金和一枚青铜奖章将在艾尔米塔什(Hermitage)国家博物馆被授予本年度普里茨克奖得主扎哈·哈蒂德，继之在博物馆的冬宫举行盛大的招待会和晚宴。普里茨克奖的颁奖典礼每年在全世界不同地点移动举行,借以表达人们对历史性的和当代的建筑之尊崇。

1989年普里茨克奖得主，此届评委会评委弗兰克·盖赫里说：“2004年普奖得主可能是最年轻的得主之一，也是多年来所见设计发展轨迹最清晰者之一。她的作品充满了激情与创新。”今年评审委员会中有一位新评委———记者克瑞恩·斯坦因，他是费顿出版社（Phaidon Press）的评论主笔。他评价说：“在过去的 25 年里, 扎哈·哈蒂德已经创建了对抗常规的事业———挑战建筑空间、建筑实践和建筑构造的传统理念。”

今年的评委会评委、维特拉（Vitra）公司董事会主席罗尔夫·费赫尔鲍姆（Rolf Fehlbaum）称：“在构造建筑实体之外，扎哈·哈蒂德已从根本上拓展了具有空间清晰度的建筑结构体系。既然复杂建筑物正在出现，那么她的创新力量就会充分展示。”

评委和建筑评论家艾达·路易丝·胡斯塔布雷谈到这次评选结果时说：“扎哈·哈蒂德是当代建筑艺术领域中最有天赋的从业者之一。从她的最早的绘画和模型到当前处于进展中的建筑物和作品中,可以看到其中始终含有原创的和强烈的个性视觉，这种视觉已经改变了我们观察和体验空间的方法。哈蒂德的碎片几何结构和液体流动性比创造一个抽象且动态的美好事物要做更多工作，这是一种探索和表达我们生活于其中的世界的主要工作。”另一位来自休斯敦的评委是里斯大学的建筑学教授卡洛斯·吉门内兹，他说：“在造型丰富和形式充盈预警的情况下，扎哈·哈蒂德的创作提醒我们：建筑是虹吸集体精力的虹吸管,是对城市生命力的永久忘却。”评审委员、哈佛大学设计研究生院建筑学教授乔治·西尔沃提（Jorge Silvetti）认为：“扎哈·哈蒂德所设计的建筑物是当今建筑在空间产品中占据首位的最有说服力的证明。她对墙体、地面和房顶，以及那些透明、互相交织和流动的空间所作的独具匠心的处理生动地证明了，作为艺术的建筑并未使人耗尽气力，它所需要的仅仅是想象力。”

扎哈·哈蒂德是获得普里茨克奖的第三位英国建筑师，此前获奖的英国建筑师有谢世不久的詹姆士·斯特灵（1981年获奖）和诺曼·福斯特勋爵（1999年获奖）。美国建筑师菲利普·约翰逊是第一位普里茨克奖得主（1979年获奖）。墨西哥的辞世不久的路易斯·巴拉干（Luis Bar-ragán） 于1980年获奖。1982年获奖者是凯文·罗切，1983年是贝聿铭，1984年是理查德·梅埃尔，他们都是美国建筑师。奥地利的汉斯·霍尔莱因于1985年获奖。德国的高特弗里德· 鲍姆（Gottfried Bohm）于1986获奖。丹下健三（Kenzo Tange）是获奖的第一位日本建筑师（1987），稹文彦（Fumihiko Maki）是第二位（1993）日本建筑师，安藤忠雄（Tadao Ando）第三位（1995）。美国的罗伯特·温图里于1991年获此荣誉，1992年则是葡萄牙的阿尔瓦罗·西扎（Alvaro Siza）。法国的克里斯蒂安·德波尔赞帕克（Christian de Portzamparc）于1994年获奖。已故美国建筑师戈尔顿·班沙弗特（Gordon Bunshaft）和巴西的奥斯卡尔·尼迈耶（Oscar Niemeyer）于1988年获奖。美国的弗兰克·盖赫里于1989获奖, 1990年获奖的是意大利的今已故去的阿尔多·罗西（Aldo Rossi）。1996年，西班牙的拉斐尔·门伊（Rafael Moneo）获奖。1997年是挪威的思卫勒·费恩（Sverre Fehn）。1998年，意大利的莱佐·皮亚诺（Renzo Piano）获奖，2000年获奖者是荷兰的雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）。2001年获此殊荣的是两位瑞士建筑师:雅克思·赫尔佐格（Jacques Herzog）和皮埃尔·德梅隆（Pierre de Meuron）。澳大利亚的格莱恩·马尔库特（Glenn Murcutt）于2002年赢得桂冠。丹麦的建筑师荣·伍重（Jφrn Utzon）获得2003年普里茨克奖。

双面人——扎哈·哈迪德

思想导致一切，正因为她思想上的双面性，才能导致他建筑作品中运用形式的矛盾。在后现代主义时代的今天，一切建筑在一般层次上需要满足的需求有两点：一，实用性;二，外在形式的美观。解构主义也不能例外，哈迪德在满足实用条件的基础上，发挥她个人巨大的才华，以求建造出她心中最美丽的建筑。在他思想根源的驱动下，她选择了两个最矛盾的几何体来作为她表达形式的武器，这就是三角和曲线。三角，它在几何学中代表着一种最稳定的图形，同时，它给人以尖锐，不可靠近的心理感受，而曲线，则是在流动，易变的图形，给人一种平缓，亲和的心理感受。三角和曲线在很多层面上暗示着她的人生经历，两种文化在她身上冲刷过的痕迹。维特拉消防站的三角直入天际，U-LOFT厅的曲线舒畅人心，两种特点给大家的是两份喜悦，她相信，没有什么比他的建筑更为称奇的了。

密斯说过：“要赋予建筑以形式，只能是赋予今天的形式，而不应是昨天的，也不应是明天的，只有这样的建筑才是有创造性的。”建筑是时代的产物，时代又是以生产力为体现，当大机器生产的时代完全征服了小手工作坊式的生产方式后，建筑必然受到影响，才会出现符合当时状况的现代主义的萌芽，并最终在20世纪前中期的统治地位。随着生产力的发展，在人类社会出现了近100年的现代主义也开始被更多的各具特色的风格和流派所覆盖，世界建筑的趋同必将再次走向风格多样化，而作为解构主义的领军人物之一的哈迪德则将继续着她对解构主义的诠释。解构主义作为一种建筑流派，，以法国的哲学家德里达为理论开始，分别产生了以盖里、屈米哈迪德等几人为代表的进行着他们对哲学的理解，从而创作出富有意味的建筑。解构主义在不完整的定义中曾经提到：解构主义是一种对固有形式的反对和颠覆，表现为将一个整体（一般只现代主义的方体建筑）通过剖切、炸开再重组的方式来构造出一种新颖而又不失实用的空间，同时有在形式上满足他们的心理。这种直指心灵是通过作者对自己审美的极度暴露而产生的和观者的共鸣。解构主义的这种反对现代主义，只是他的一个点而已，真正的解构主义是在哲学上的提取，即：反对故有的一切，才是发展的开端。面对“故有”这个时间的词汇，一个相对中的词汇，本身就是在不断发展变化着的概念的。而当今的建筑形式是一种杂乱的、百家争鸣却毫无中心性可言的时代，这个时代被称为后现代主义。作为以反对故有为生存之发的解构主义，对无中心的反对是什么？答案只有是去反对整个时代。因为时代决定人的意识，反对人当前的意识，就是反对故有，从而引导前行。哈迪德正是看准了这一点，把她的建筑有意识的转向了一种未知、迷惑、空虚、诱惑的境界，以其来反对现在建筑的缺乏生命力、想象力、人情味，同时反映当今社会人们心灵中空虚、迷惑又易受诱惑的特点。可以看出，哈迪德想要铸造的是一种未来的精神建筑，未必健康，但是实际;未必实用，但是发人反醒。

正因为如此，哈迪德所建造的建筑是如此的非同一般，如同梦境中的未来世界，或是百年之后的外星基地。一个现代人就这样以自己敏锐的眼光洞察着自己眼前的世界，然后通过她的改造，完成她心中的世界。这是一种战胜感，一种征服感，如同她血液中的伊斯兰的锐气。无论何时、何地，求胜欲不减反增。一个男人般的野心表露无疑。

当她的建筑被表现出来的时候，有两种完全矛盾的处理方式出现在她的表现图上，那就是秩序和破坏。当一个建筑正以最秩序，最稳定的方式出现在人们的视线中时，而她的另一个作品则表现出一种惊人的差距，它以一种最破坏，最动荡的感觉出现在你的面前，甚至在一个建筑物中，两边的感受也是完全不同的，使你无法相信这来自于一人之手笔。这样的做法，正是她的精神根源和直觉告知她的。他不相信和谐，融合，她说：“如果你旁边有一堆屎，你也会去效仿它，就因为你想跟它和谐？”一个没有环境因素存在的建筑只能是一个未来建筑，他不能寻求一个和谐，只有保证自身的和谐，再用时间来使建筑象它和谐。这就是她作品和谐与破坏的出发点。她只需要一个满足她精神需求的建筑，无论是形式的和谐还是破坏，也无论和周围融合与否。

红色，紫色，蓝色，绿色，灯光为她的建筑渲染出她要的时代，场景，使人能快速的进入她铸造的未来中，但是两种完全不同的颜色感觉和心理也出现在她的不同设计之中，红色，紫色代表着一种热情，性感，如同他心理中因为成功了而感觉的无尚的优越，而蓝色绿色则代表了那种阴森和恐惧，如同她在夜半因为孤独而产生的恐怖和惆怅。她是为女人，可能获得了其他女人永远无法得到的让人尊敬和荣誉，但是随之而来的是另外一种失落。台湾大师李敖说过：“女人在获得自己所拥有的同时，得到的只是欲望的急速膨胀，而不是一种满足。”

扎哈·哈迪德作品欣赏：

2012年米兰设计周期间，英国著名建筑师zaha hadid与意大利大理石公司citco合作，设计了“the secret garden”（秘密花园）。这个小亭子将三个垂直表皮组合在一起。这些墙面是用形状不规则的拼图和多面大理石碎片制作的，它们组合成重复图案，共同形成一个三维的形态。碎片、褶皱和凹槽定义了作品的个性。这个解构的建筑物在几何与自然之间建立了对话，促进了数字化设计和创新设计语言在大理石生产技术上的应用。

扎哈·哈迪德作品宝马中心大楼

扎哈·哈迪德作品“维特拉公司消防站”（Vitra Fire Station）

Vitra消防站VITRAFIRE STATION

PIERRES VIVES大厦

扎哈的辛辛那提当代艺术中心

扎哈·哈迪德作品广州歌剧院

扎哈·哈迪德作品

奥姆尼亚特控股公司（Omniyat Holdings）下属的总部设在迪拜的房地产开发子公司“奥姆尼亚特房地产公司”（Omniyat Properties），雇用了世界著名建筑师扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）设计它的最新的商业项目“舞蹈大厦”（Dancing Towers）。“奥姆尼亚特房地产公司”的官员说，这个项目位于“商业湾”首期开发区，它将是一个混合使用的商业和零售业项目。“舞蹈大厦”的建筑设计利用了舞蹈动作的流动性的概念，将三座建筑融合成为一个整体。三座楼共享一个基座，两两连接起来，在第7层，写字楼和旅馆这座塔楼将和另一座连接起来；同时，在第38层，住宅用的这座塔楼将和旅馆塔楼连接起来；而在旅馆塔楼的第65层，三座将融合起来，共同享有一个全景餐厅。据认为，三座塔楼融合的优势在于能让人们在一座大楼里就可以享受办公、居住和旅馆等服务。与“商业湾”的大多数摩天楼不同，“舞蹈大厦”将不建筑在一个平台高度上。

扎哈·哈迪德作品：Tondonia酿酒厂

扎哈·哈迪德：宝马汽车公司

扎哈·哈迪德作品伦敦水上中心

扎哈·哈迪德作品欣赏

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5个模块部分通过数字技术组成两个一样面积的建筑。

波士顿william o’brien jr事务所设计的Twins – houses in five parts，位于美国纽约上州，是为两兄弟设计的两个独立式家庭居住单元，两组住宅由一块线性农业用地连接，且拥有相似的几何形体特质。

设计通过对“剖切解析”即把等面积多边形划分成完全相同的形状这一算术法则的研究得到建筑内部体量。最终建筑分别由四个各不相同的四边形和一个三角形形成的两组组合，并有着同样的功能安排，分别被排列进一个正方形和一个六边形的平面布局中。

Twins – houses in five parts的楼板和屋面随着附近地势起伏而变化，创造出一个连接着坡道和台阶的多剖面序列。排水系统将水流导向了一个使用者可方便到达的线性水池中。

整个用地周边的带形区域中种植了成条成片的浆果果树，蔬菜和小麦。建筑物连续的水平窗为欣赏周围的树林和观望隔壁的家人提供了很好的视野。建筑物外表皮包着厚实的黑灰泥，与室内单一的白色形成对照。

地面和屋顶根据基地地形的起伏而变化，创造出了各种各样的排列组合方式，它们之间由一系列坡道和楼梯相连。所有的雨水都会直接流入一个线形水池中，居住者可以方便的从各自的家进入。基地周边种植了许多浆果、蔬菜和小麦。连续的水平长窗将周边建筑和树林的景色映入室内。立面上涂有一层厚厚的黑漆，与周围白雪皑皑的景象形成鲜明对比。

William O’ Brien Junior is no stranger to the architecture world. Amongst all of his qualifications, he is also an Assistant Professor of Architecture at the MIT School of Architecture and Planning, and a principal of an independent design practice in Cambridge, Massachusetts. His practice was recently awarded with the 2011 Architectural League Prize for Young Architects and Designers. Last year, he was a finalist for the MoMA PS1 Young Architects Program, and was recognized as an inaugural winner of the Design Biennial Boston Award. William O’ Brien Jr. is one of those young architects that influence the field with progression and a deeper motivation to computation.  His awards, publications and contributions are endless. Some of these include teaching at the University of California Berkeley as a Bernard Maybeck Fellow, Assistant Professor at the University of Austin Texas, teaching at MIT design studios in both the graduate and undergraduate programs, the 2010 Rotch Traveling Studio Scholarship and he has also published a collection of essays such as ‘Approaching Irreducible Formations’ & ‘Experts in Expediency’. William O’ Brien Jr. was destined for the world of architecture and we wanted to share one of his destinies, with you.

Twins: Houses in Five Parts
Location: Upstate New York, 2009-2011
Principal: William O’Brien Jr.
Team: Bhujon Kang
Images: Peter Guthrie

德国艺术家Low Bros擅长于涂鸦和插画设计，将矢量插画喷在墙上也是他的一大爱好。Low Bros擅长于多边形风格的插画，将色彩和图形完美地结合，非常具有立体感。挥洒张狂的街头涂鸦就看得多了，但是这么中规中矩却又不显呆板的矢量涂鸦不知道你有看过了没。

几何涂鸦：Low Bros矢量插画欣赏

几何涂鸦：Low Bros矢量插画欣赏

几何涂鸦：Low Bros矢量插画欣赏

几何涂鸦：Low Bros矢量插画欣赏

几何涂鸦：Low Bros矢量插画欣赏

几何涂鸦：Low Bros矢量插画欣赏

几何涂鸦：Low Bros矢量插画欣赏

几何涂鸦：Low Bros矢量插画欣赏

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在特定角度，特定的方向在才看得出它的神奇。你发现了吗？

瑞典摄影师Carl Kleiner利用水果和蔬菜组合成了各式各样的可爱形象，搭配新奇有趣，生动活泼。

Carl Kleiner，1983年出生，瑞典摄影师。他以拍摄静物摄影而闻名。他为宜家拍摄了一本食谱，名叫《自己动手，丰衣足食》（Homemade is Best）。有趣的是，这些照片中展示的配料和用量并不是烹饪时所必须的。Carl所拍摄照片色彩丰富，注重拍摄对象的几何形状，并富有实验性质。他不会局限自己的发挥，从纸张到鸡蛋，从布料到玩具娃娃，都是他的拍摄材料。这组图像选自他的作品集。

Carl Kleiner的摄影作品，没有静心的策划和华丽的道具，却很有一派自己的风格，无论是从灯光、颜色、角度上，都有异于其他摄影师的特质。就像是一位影像作家，常以抽象的形式， 大膽的色彩來強化其作品的張力。

Carl Kleiner官方网站: http://www.carlkleiner.com/

他构图能力极佳，对色彩极为敏感，擅长拍摄水果蔬菜等食材，作品色彩和几何造型充满童趣。

Carl Kleiner的客户包括： Art Lover, Apoteket, Beckmans, Berghs, Bishops Arms, Cafe, Dagmar, Electrolux, Göteborgs Posten, Jacob Dahlgren, Jesper Nyrén, Lindex, MTV, Macarong, NK, Nokia, Odeur, Samhall, Scandic, Weidenfeld & Nicolson – Orion Publishing, Skanska

Ikea / Styling Evelina Bratell / Lingonpeparkaka

宜家摄影作品