“我喜欢在建筑过程中看不见的美，而这种美又常常在技术制造过程中失落了。”——弗兰克·盖里

弗兰克·盖里 Frank Owen Gehry ，解构主义建筑师。1929年2月28日生于加拿大多伦多的一个犹太人家庭，17岁后移民美国加利福尼亚，并在南加利福尼亚州大学获得建筑学硕士学位，毕业后在哈佛大学从事城市规划。他现在归化于美国籍，并且生活在洛杉矶，是纽约哥伦比亚大学中有名的建筑教授。弗兰克·盖里以设计具有奇特不规则曲线造型雕塑般外观的建筑而著称。盖里的设计风格源自于晚期现代主义（late modernism），其中最著名的建筑，是位于西班牙毕尔巴鄂，有着钛金属屋顶的毕尔巴鄂古根汉美术馆（Museo Guggenheim Bilbao）。

他于1989年获得普利策（Pritzk-er）建筑奖，1992年获得Wolf建筑艺术奖，并被提名为1992年建筑界最高荣誉奖的领奖人。1994年，他成为LillianGish Award 的终生贡献艺术奖项的第一位得奖人。

弗兰克·盖里作品——

毕尔巴鄂古根海姆博物馆

地点：西班牙

1991年，西班牙北部城市毕尔巴鄂市政府与古根海姆基金会共同做出了一项对城市未来发展影响极为深远的决定：邀请美国建筑大师弗兰克·盖里为该市即将兴建的古根海姆博物馆进行建筑设计。

1997年，一座石破天惊的建筑杰作在西班牙中等城市毕尔巴鄂横空出世，它以奇美的造型、特异的结构和崭新的材料立刻博得举世瞩目，被报界惊呼为“一个奇迹”，称它是“世界上最有意义、最美丽的博物馆。”它就是古根海姆艺术博物馆。

设计：弗兰克·盖里（F.O. Gehry）毕尔巴鄂古根海姆博物馆在1997年正式落成启用，它是工业城毕尔巴鄂（Bilbao）整个都市更新计划中的一环。当初斥资一亿美金动工兴建，整个结构体是由加州建筑师盖里（F Frank O. Gehry），借助一套v空气动力学使用的电脑软件逐步设计而成。博物馆在建材方面使用玻璃、钢和石灰岩，部分表面还包覆钛金属，与该市长久以来的造船业传统遥相呼应。博物馆全部面积占地两万四千平方公尺，陈列的空间则有一万一千平方公尺，分成十九个展示厅，其中一间还是全世界最大的艺廊之一，面积为130公尺乘以30公尺见方。这项文化名胜已经吸引许多人前来毕尔巴鄂参观，每年参观人数从26万人增加到100万人。博物馆活化了当地的经济（巴斯克省的工业产品净值因此成长了五倍这多），也为该市盈率带来新生。

古根海姆艺术博物馆选址于旧城区边缘、内维隆河南岸的艺术区域，该博物馆是最醒目的第一层滨水景观。整个建筑由一群外覆钛合金板的不规则双曲面体组合而成。纽约古根海姆博物馆是世界著名的私立现代艺术博物馆，是世界上最早在博物馆业引入和运用“文化产业”概念并在事业上获得巨大成功的博物馆。在纽约拥有两处展览场馆并在意大利威尼斯拥有分馆。作为世界上最著名的西方现代美术博物馆之一，该馆的收藏基本上是印象派以后各名家的作品，尤其是抽象艺术品的收藏更是居于世界各博物馆之首。

项目名称：毕尔巴鄂古根海姆美术馆
建筑师：弗兰克·盖里
项目地点：西班牙毕尔巴鄂
项目时间：1997年

毕尔巴鄂古根海姆美术馆（Guggenheim Museum Bilbao）是一个专门展出现当代艺术作品的美术馆，位于西班牙的毕尔巴鄂。它在1997年由古根海姆基金会创建，是位于全世界数间古根海姆美术馆之一。它的主建筑由法兰克·盖瑞设计（ Frank Gehry），是被认为是世界上最壮观的解构主义建筑。

毕尔巴鄂古根海姆美术馆由地方投资兴建，纽约古根海姆博物馆经营并提供展品，被认为是面向21世纪的博物馆。该馆建筑面积2.4万平方米，位于勒维翁河南岸。博物馆造型由曲面块体组合而成，内部采用钢结构，外表用闪闪发光的钛金属饰面，钛板总面积2.787万平方米。造型的独特是建筑师盖里近几年个人风格的继续；也是古根海姆负责人的愿望，他们希望这幢建筑具有强烈的吸引力，成为城市的标志。虽然该建筑外观自由奔放，但是室内功能仍然井井有条、复杂而不杂乱。

1996年普利兹克建筑奖得主、哈佛大学教授、西班牙著名建筑师拉斐尔莫尼欧对毕尔巴鄂古根海姆美术馆的设计由衷叹服道：“没有任何人类建筑的杰作能像这座建筑一般如同火焰在燃烧。”这个作品中盈溢的那种暗合于西班牙文化的、既激扬又沉静的诗意，不仅倾倒了全世界的万千民众，也折服了无数对盖瑞满怀偏见的建筑师。

如果将弗兰克·盖里的建筑作品剖开，我们可以清晰的看到，在热情奔放，充满动感的艺术形式背后，还隐藏着一条逻辑，严谨的现代功能主义的线索。毕尔巴鄂古根海姆博物馆就是一个生动的例子，在复合曲面包裹的后面，多个尺度不一，矩形方盒子的组合实现了对传统美术馆内部“白立方”空间特征的基本诉求。

个性且艺术化的形式与现代功能主义的逻辑，就似弗兰克盖里建筑生命中DNA相互缠绕的两条曲线，清晰的勾勒出他建筑人生的轨迹。建筑评论家们往往沉迷于弗兰克盖里建筑放荡不羁的雕塑形式和他个人艺术家的个性与风格，而往往忽视他作为真诚的现代主义的信徒，所本能地体现出他还是一个现代功能主义的建筑师，这种本能就像DNA一样，深深地根植于他的建筑生命之中，源于他所成长与受教育的时代。

毋庸置疑，弗兰克·盖里不是艺术家，因为，时至今日，还没有哪一位艺术家能有机会，有能力去驾驭尺度如此之大的城市雕塑，但他也不是评论家眼中的纯粹的建筑师，因为他从来都主观地认为：“除了艺术，建筑什么都不是。”我们很难用今天建筑学的体系去定义他的建筑，因为他没有自己的理论，从不著书也很少教书。但在我看来，弗兰克·盖里是我们这个时代最伟大的建筑师，是作为一个艺术家的建筑师，因为他为这个时代留下了会说话的建筑，充满了情感，艺术情趣的建筑神话。

美国建筑师弗兰克·盖里是以玩味奇特建筑形态而享誉世界的建筑大师，其创作的众多作品由于形态特征突出、时代气息浓郁、艺术风格独特而举世闻名。丰富的建筑形态语言是弗兰克·盖里与世人交流的有效工具。他用极具独创性的建筑形态来向世人展示其非凡的艺术创造力和空间想像力。他的一系列作品在不断突破传统审美法则的同时，也体现了弗兰克·盖里为追求自由、彰显个性在建筑创作上孜孜以求的探索精神。他的作品不仅为人们勾勒出一幅幅当代西方的人文精神画卷，也呈现出建筑美学领域的又一块处女地，使人们看到了建筑美学可发展的无限空间。同时，也正是这些作品使弗兰克·盖里成为当今国际上极具争议的几位先锋派建筑师之一。

于1962年建立他自己的公司——Frank O.Gehry and Associates, Inc.之前，他随着洛杉矶的Victor Gruen（1953-1954）与Pereira & Luckman（1957-1958），及巴黎的Andre Re-mondet等建筑师见习。他曾在南加州大学（1972-1973）与加州大学洛杉矶分校（1988-1989）担任助理教授及哈佛大学（1983）、莱斯大学（Rice, 1976）及加州大学（1977-1979）客座评论师。1982、1985、1987、1988及1989年，他拥有耶鲁大学建筑系之Charlotte Davenport教授的职位。1984年，担任哈佛大学Eliot Noyes讲座。1986年10月，由沃克（Walker）艺术中心主办一场有关他的作品的重要回顾展，此展览由明尼阿波里斯巡回至亚特兰大、休士敦、多伦多及洛杉矶，闭幕于纽约的美洲艺术惠特尼（Whitney）博物馆。1974年，他被遴选为美国建筑师协会（AIA）的学院会员。他于1987年成为美国艺术与文学学会之一员，1991年成为美国艺术与科学学会的一员。1989年，他获得普利兹克（Pritzk-er）建筑奖，同年被提名为在罗马的美国建筑学会理事。1992年，他获得Wolf建筑艺术奖，并被提名为1992年建筑界最高荣誉奖的领奖人，此荣誉奖由日本艺术协会颁发。1994年，他成为Lillian Gish Award 的终生贡献艺术奖项的第一位得奖人。同年，他被国家设计学院授予院士头衔。他获得加州艺术技术学院、Nova Scotia技术大学、罗德岛设计学校、加州艺术学院、及Parsons设计学校Otis艺术学院的荣誉博士学位。他同时也是美国艺术与文学学会Arnold W.Brunner建筑纪念奖的得奖人。

德国维特拉设计博物馆（Vitra Design Museum） – 弗兰克·盖里（Frank Gehry）

建筑概况：
建筑设计：Gehry Partners
地点：德国莱茵河畔瑞尔Vitra园区（Weil am Rhein, Germany）
别称：维特拉家具博物馆
主持建筑师： Frank Gehry
建筑风格： 解构主义建筑
建成时间：1989年

维特拉设计博物馆由弗兰克·盖里在1987年主持并完成设计工作，于1989年10月竣工，拥有740平方米的展览面积。该馆主要用于收藏并展示19世纪以来的约2000余件不同时期和不同风格的椅子以及其他家具等设计作品。值得一提的是，在2004年维特拉家具公司从原先商业客户的办公类家具开始向个体客户的居家市场拓展，这一市场的拓展带来了大量经典的、再版的、甚至一些后现代风格的设计作品，而为这些作品展陈所需的室内空间在维特拉厂区却处于匮乏的状态，于是公司在厂区北部原先的一块预留建设场地为新的“居家系列”家具设计建造一个新的博物馆——维特拉家具博物馆（VitraHaus），该馆则由赫尔佐格与德梅隆（Herzog & de Meuron）设计。

盖里设计的这座博物馆从远处看去就象是置于自然风景中的一个经过艺术家精心制作的雕塑，人们从各个角度均可欣赏到它那优雅的姿态。博物馆作为艺术和文化活动的中心，必须具有良好的艺术形象，其外部形象与内部空间应给人带来视觉上的震憾，同时它还应有能力确切表达它的内涵，即具有丰富的象征意义。正是基于这一点，盖里以其独特的设计手法，用几何形体和自然光线塑造了一个新颖独持、充满动感、复杂多变、相互穿插而又相互扭曲的“建筑雕塑”，它再次打破了人们对传统建筑中内外空间的印象。维特拉家具博物馆被塑造成了带有鲜明盖里风格的建筑 , 成了维特拉厂区内醒目的标志。

外露的建筑构件 VS 不同特质的动态室内空间

盖里在设计中着力去表现建筑的营建和制造活动的过程，并使外部复杂的形体对应于其内部不同的使用功能。“形式服从功能”在维持拉家具博物馆得到了充分甚至夸张的体现，博物馆外观形状各异的体块，其内部正是展室、坡道、楼梯、入口以及天窗等，盖里将这些建筑构件作为极其重要的造型要素，完全暴露并加以表现,让人感知。

弗兰克盖里建筑风格：

弗兰克·盖里受到南加利福尼亚州大学文化的激励，但缺乏理想化的形式，盖里广泛吸取着来自艺术界的抽象片断和城市环境等方面的零星补充。盖里的作品相当独特，也很具个性，他的大部分作品中很少掺杂社会化和意识形态的东西。他通常使用多角平面、倾斜的结构、倒转的形式以及多种物质形式并将视觉效应运用到图样中去。盖里使用断裂的几何图形以打破传统习俗，对他而言，断裂意味着探索一种不明确的社会秩序。

在许多实例中，盖里将形式脱离于功能，所建立的不是一种整体的建筑结构，而是一种成功的想法和抽象的城市机构。在许多方面，他把建筑工作当成雕刻一样对待，这种三位结构图通过集中处理就拥有多种形式。艺术经常是盖里的灵感发源地，他对艺术的兴趣可以从他的建筑作品中了解到。同时，艺术使他初次使用开放的建筑结构，并让人觉得是一种无形的改变，而非刻意。盖里设计的建筑通常是超现实的、抽象的，偶尔还会使人深感迷惑，因此它所传递的信息常常使人误解。虽然如此，盖里设计的建筑还是呈现出其独特、高贵和神秘的气息。

盖里仿佛与美国都市格格不入，他采用多种物质材料、运用各种建筑形式，并将幽默、神秘以及梦想等融入他的建筑体系中。他曾说：“我喜欢这种在建筑过程中看不见的美，而这种美又常常在技术制造过程中失落了。”盖里在早期的工作中就大胆运用开阔的空间、各种原材料以及不拘泥的形式来进行建造。盖里的建筑也包含了普通的过程，有继续进行的生命、进化中的生命和成长中的生命等。

盖里的作品相当独特，极具个性，他的大部分作品中很少掺杂社会化和意识形态的东西。他通常使用多角平面、倾斜的结构、倒转的形式以及多种物质形式并将视觉效应运用到图样中去。

盖里的设计范围相当广泛，包括购物中心、住宅、公园、博物馆、银行、饭店、胶合板家具以及曲状的椅子等，而且胶合板的椅子在市场上相当火爆，因此评论家们批判其打着艺术的招牌胡乱行事，但盖里并没因此而停止自己的创作，他使用的材料从公众接受的木材到始料不及的金属铁丝网。尽管他的作品与其他作品有很大程度的不同，但在某些类别上又有或多或少的联系，但是在与传统的城市功能、形式、空间以及总体外形等方面的比较上，盖里的作品又有相当优越感，他创造了一种独特的风格，在建筑形式上也开启了一个新的篇章。

盖里在建筑和艺术间找到了共鸣，明显与模糊、自然与人工、新与旧、晦暗与透明、堵塞与空旷等方面，这就是盖里与其他建筑作品最为明晰的对照，因此盖里被誉为“建筑界的毕加索”。

深受洛杉矶城市文化特质及当地激进艺术家的影响，盖里早期的建筑锐意探讨铁丝网、波形板、加工粗糙的金属板等廉价材料在建筑上的运用，并采取拼贴、混杂、并置、错位、模糊边界、去中心化、非等级化、无向度性等各种手段，挑战人们既定的建筑价值观和被捆缚的想像力。其作品在建筑界不断引发轩然大波，爱之者誉之为天才，恨之者毁之为垃圾，盖里则一如既往，创造力汹涌澎湃，势不可挡。终于，越来越多的人容忍了盖里，理解了盖里，并日益认识到盖里的创作对于这个世界的价值。

项目名称：沃特·迪斯尼音乐厅 Walt Disney Concert Hall
建筑师：弗兰克·盖里
项目地点：美国纽约
项目时间：1992年12月—2003年10月

洛杉矶迪斯尼音乐厅是一座巨大的解构主义建筑，奇特的不锈钢风帆状造型，以其动人心魄的独特外表成为美国第二大城市洛杉矶的新地标。这座超现代的大型音乐厅主厅可容纳2265席，还有266个座位的罗伊迪士尼剧院以及百余座位的小剧场。它成为一个音乐爱好者和旅游者共同膜拜的艺术殿堂。

经历16年波折、耗资2.74亿美元修建的沃尔特·迪斯尼音乐厅2003年在洛杉矶市中心正式落成时，其独特的外表引来的关注早已超过了音乐厅本身。厅内设计上，就是认为欣赏音乐是一种全面体验，并不仅局限于音响效果。因此在设计时充分考虑了演奏大厅内的视觉效果、温度以及座椅的感觉等因素。大厅设计上，盖里运用丰富的波浪线条设计天花板以营造出一个华丽的环形音乐殿堂。为使在不同位置的听众都能得到同样的充分的音乐享受，音乐厅采纳了日本著名声学工程师永田穗的设计；厅内没有阳台式包厢，全部采用阶梯式环形座位，坐在任何位置都没有遮挡视线感觉。音乐厅的另一设计亮点是，在舞台背后设计了一个12米高的巨型落地窗供自然采光，白天的音乐会则如同在露天举行，窗外的行人过客也可驻足欣赏音乐厅内的演奏，室内室外融为一体，此一设计绝无仅有。

这个音乐厅是由米老鼠之父沃特·迪斯尼的遗孀莉莉安提议建造的，她宣布捐出5000万美金建造一座以沃特迪斯尼命名的音乐厅，她要求设计师使音乐厅能达到最佳音响效果。

由普利兹克建筑奖得主法兰克·盖瑞做出的设计方案得到莉莉安得青睐，1992年12月，开工的锣声敲响了，然而，工程进展得并不顺利，直至1996年，才完成地下停车场施工，而这时，就已经花掉了一亿一千万美金。工程费用的大量超支和工程进度的一再拖延，引起了不少争议。幸而洛杉矶市当局卖掉了部分政府债券，并展开募捐活动，拖到1999年，才重新开始地面建筑工程。截至2003年10月音乐厅完工时，已经花掉2亿7千4百万美金。

尽管建筑物已经竣工，花钱还没有结束。组成音乐厅的经抛光的巨大凹凸不锈钢板，如同太阳灶一般向周边反射阳光，甚至使得周边公寓的空调费用剧增，街上的行人途经音乐厅时，也得时刻注意不要被反射镜把阳光聚焦到自己身上，甚至还发生过对过街边的塑料交通显示牌被烤化，垃圾桶被烤着的事儿，诸多抱怨使音乐厅只好再花钱，通过电脑分析、计算，将部分巨大的不锈钢曲面喷砂打毛，以减少其反射率。

不管怎么说，这个标新立异的不锈钢帆板建筑确实是个十分耐看的建筑，那一片片造型各异的帆板，既在各自彰显自己的个性，却又互相呼应，互相映衬，组成了一幅幅光与曲线的魅力图景。从各个不同角度看，帆板会组成各不相同的造型，送给你惊喜。

这座玻璃博物馆名为“路易斯·威登创新基金会”博物馆（Louis Vuitton Foundation for Creation），坐落于巴黎Bois deBoulogne的动物园花园（Jardin d’Acclimatation）。Frank Gehry将梦想与现实、科技及艺术创意兼容并蓄，令博物馆成为市内最触目的新地标。FrankGehry对于这个地理位置很有感触：“我首次实地考察时，忽然想起了普鲁斯特（Marcel Proust），一时感触不禁热泪盈眶。因为公园坐落布隆绿林（Bois de Boulogne）之内，硬生生地竖立一座庞然大物殊不恰当，所以我认为玻璃展馆是唯一可行的意念，以营造通透而庄严的流动感。”

盖里早前设计的西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆（the Bilbao Guggenheim Museum），是他奇美特异的巅峰之作。而这一次，他更是别出心裁地打造了一片流动的“玻璃云”。盖里提及这项设计时曾说：“这个计划本身就是一个梦想，所以概念就是创造梦想……我希望人们有恍若云端的感觉。”这座外形犹若帆船的美术馆拥有3800平方米的展览面积，通透开扬的巨大玻璃外墙和户外庭院式设计与自然环境及公园内的绿意和谐共融，同时玻璃建筑结构又与巴黎大皇宫和植物公园的温室建筑呼应。用盖里自己的话来说，“这是一堆云团般的玻璃——魔幻的、瞬间即逝的和透明的。”他说，“我希望创造出来的是你无论何时靠近，都能看到不同时间和光影下不同的特质。我想传达出‘透明’一词所具有的含义。”不少人称赞这座博物馆能给巴黎早已璀璨的博物馆群（如卢浮宫和蓬皮杜中心）增添新的一笔。

跳舞的房子——弗兰克盖里

1992年，建筑师弗兰克·盖里的一座惊世骇俗的跳舞的房子在布拉格诞生，Genry给房子取的名字是来自于20世纪三四十年代在美国红极一时的踢踏舞电影明星搭档“Frend and Ginger”，他试图重新打破布拉格的宁静。二战期间，美军曾经误以为这里是德国的德累斯顿，炸毁了原地址上的古建筑，从此一石激起千层浪，风波不断。

多年之后，盖里别出心裁的设计又在这个地方出现了，那被人们认为是美国人抛下的另外一颗炸弹。一座建筑舞动了全城，对捷克人心灵的产生的冲击可是远远大于视觉上的。当尘埃落定之后，时间成为衡量一切的最好标准。抹去了偏见，人们开始发现这座建筑愈发可爱，它俏皮扭曲的姿态给布拉格带来了新鲜的活力。

在建筑师Genry来到历史悠久的布拉格之前，正座城市笼罩在巴洛克和哥特式建筑之中，古香古色异常的静谧。这一座建筑舞动全城。但当尘埃落定，抛开世俗与偏见，这座建筑愈发可爱，像足它的名字“Frend and Ginger”，如果你细细品味，会发现跳舞的房子左边有一幢玻璃楼，那就是舞后Ginger。而右边的白楼当然是他的舞伴Frend。楼顶的半球形玻璃餐厅俨然是他的礼帽。在四层楼处有一个显眼的阳台，宛若是Frend搂着Ginger的那只手，取名“布拉格的珍珠”。这座赫赫有名的法式餐厅就位于房子顶楼。从餐厅顶楼可以远眺皇宫和大教堂，夜幕低垂时，皇宫的灯光和河上流动的灯影暧昧相约，道不尽恋恋风情。

跳舞的房子本名尼德兰登国家保险大楼，是布拉格新城区的标志性前卫建筑，它由著名建筑师布拉多·米卢尼奇和弗兰克·盖里联手设计，自1996年建成以来，其扭曲“舞动”的造型早已成了伏尔塔瓦河畔一道亮丽的风景。这座大楼的设计方案在一开始饱受质疑，批评者认为其不规则的造型与周遭巴洛克式的建筑群格格不入，幸亏得到了在该区域居住过数十年的时任总统哈维尔的鼎力支持，方案才得以顺利进行。时至今日，跳舞楼已经成为继布拉格的中世纪建筑之后最吸引摄影爱好者的热点。建筑内有画廊、酒店、餐厅及景观酒吧等设施，你可以在此一边享用美食，一边饱览布拉格城堡和贝特琳山丘的美丽风景。

解构主义建筑是“开放建筑”，其设计方法及形式原则无定律，建筑师们依据自己的设计思想和方法而行，结构主义建筑强调变化，推理与随机的统一，对现有规划约定进行颠倒和反转，它除了解除对象的隶属关系之外，还要建立新的体制，所以它不是虚无的破坏，也不是片面的重组过程，而是具有解体与建筑的双重定义。而盖里的作品特点就是：漫不经心的随心所欲，不顾及功能追求任意形式的美感。令人们的视觉支离破碎感，外观轻质，活泼透明，各组成部分材质，形体，强调差异，极为复杂又有较高的欣赏水平。总结为五个词：散乱，残缺，突变，动势，奇艳。或许，从某种程度上说，盖里是个形式主义者。在他的建筑里，形式的表现方面被大大强调而从不追随功能。

盖里的作品新奇刺激，洋溢着桀骜不驯的创造精神。我们以平常的建筑审美经验去阅读盖里的作品时往往会觉得它们怪异而神秘：空间被出人意料地打乱，似乎毫无逻辑；建筑与人之间的关系不再是和谐统一，而是充满了挑衅与挑逗。在建筑材料的运用上，盖里故意不按常理出牌，强行打乱人们附加于材料的意识形态，迫使人们重新去认识材料本身。或许那些怪异的形式隐含地所映了当时的某种时代主题，如复杂、扭曲、不规则和鼓吹欲望。因此，不管其他人是批评他对传统不够尊重，还是惊艳和称赞他那匪夷所思的创造力，最后都给我们呈现了这样一个事实，那就是盖里的建筑展示了一个建筑师所能达到的极致。

当我们知道成名之后的弗兰克·盖里被誉为“建筑界的毕加索”时，其实并没有什么特别的感觉，因为新闻界的恶习之一就是总喜欢轻率地把一个刚出名的人跟非常有名的人跨行绑在一起。但是，当我们得知弗兰克·盖里曾为意大利画家乔治·莫兰迪的作品而疯狂——尤其是后者画的那些瓶子让他喜欢得不得了的时候，却会有种“原来如此”的感觉。因为那位以画瓶子著称的绘画大师莫兰迪的作品里所弥漫的那种宁静而孤独的日常生活气息，跟弗兰克·盖里早年生活的环境气息几乎是处在同一个波段上的。更为重要的就是从莫兰迪对色块和线条的使用特点和结构方式上，可以发现盖里建筑创意方面的精神亲缘特质。当然用他的建筑话语来形容就会是另外的感觉了，他会这样去表述：“莫兰迪画的瓶子，基本上就是许多无隔间的单间建筑，他用画创造出很多的‘瓶子群落’，我真的很喜欢。”

如果说莫兰迪的影响还比较直观正面的话，那么极简主义艺术家卡尔·安德烈则曾从另一面深深地刺激了他的艺术观。在他以为自己喜欢并看懂了那件名为《137块砖》的装置作品的时候，卡尔·安德烈却毫不客气地告诉他：“你根本没懂。”安德烈在本子上画出了一块块耐火砖，然后解释说：“关键在于，拿起一块耐火砖，再放在正确位置上的触觉质量。”直到此时，盖里才明白了安德烈作品所呈现的“绘画性”究竟是怎么回事，而此前自己对于艺术又是多么的无知。这个非常特别的人生插曲对于理解盖里的建筑艺术是异常重要的。尽管盖里在建筑方面曾受柯布西耶、赖特的很多影响，但在他的创作实践进入成熟期之后我们几乎很难看到这种影响的痕迹。他所追逐的，始终都是变化中的空间与人的复杂而微妙的关系，他很早就喜欢观察研究人与人之间的空地、建筑间的留白、人与建筑之间的空白地带，对于他来说，“整片建筑群落就是一场空间游戏。”

弗兰克·盖里的建筑风格是如此的特别，在这个世界上几乎看不到同类，而他的名气又是如此的巨大，我们不能不说这两者之间确实存在着“强烈的张力”。人们真的会像习惯性地欣赏那些经典建筑那样欣赏他的作品吗？当毕尔巴鄂古根海姆美术馆落成并产生轰动效应之后，当有人问到当地媒体还会不会有盖里的其他作品出现时，人家的回答是简单明了的：“我们已经有一个弗兰克·盖里了。”盖里知道这是怎么回事儿，这是因为人们“有一套错误的判断系统”。从这个意义上说，芭芭拉·伊森伯格的这本《建筑家弗兰克·盖里》既是对话式传记，还可以当成建筑社会学著作来读。它会告诉你，一个名声大到无以复加的建筑大师在面对社会误解的时候同样是无法幸免的，对于他来说，除了需要明白妥协的意义之外，更重要的是不必在意别人说什么，并且始终能保持旺盛的创作活力。

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

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HORNUNG AND JACOBI ARCHITECTURE is an Architecture and Research Studio based in Hamburg, Germany. Common ground throughout our projects, irrespective of it´s size or program, is their progressive relationship with the context. Thus we understand the environment, the program and people interacting with our design as part of the context, which leads to innovative, sensitive and unique proposals.

Our projects are drawing attention to the constant change and evolution of our life. We trust in the potential to create an environment, which integrates other disciplines and thus other specialists to disclose unexpected qualities. In line with our corporate philosophy we enjoy testing new ideas, which might initially appear utopian, but never lack pragmatism to actually realize them.

This approach relates to our fascination of big building projects as much as to small-scale projects. Our declared aim is to achieve highest possible quality, excellent detailing and the creation of an integrated strategy involving the individual needs of the user, regardless of the budget. We believe it is through exchange and research of our surroundings that enable us to unfold diverse aspects of our ‘lebensraum’ to come.

HORNUNG AND JACOBI ARCHITECTURE was established in 2012 by PETER THOMAS HORNUNG AND ELSA KATHARINA JACOBI. Both benefit from a high profile education and working experience in internationally well-known offices.

官方网站：http://hornungjacobi.com/projects/villa-f/

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她的很多作品都只能安静地躺在图纸上，无法付诸实施，她甚至一度被称为“纸上谈兵”的建筑设计师。——她是扎哈·哈迪德Zaha Hadid。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid），2004年普利兹克建筑奖获奖者。扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）1950年出生于巴格达，在黎巴嫩就读过数学系，1972年进入伦敦的建筑联盟学院AA学习建筑学，1977年毕业获得伦敦建筑联盟(AA，Architectural Association)硕士学位。此后加入大都会建筑事务所，与雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）和埃利亚·增西利斯（Elia Zenghelis）一道执教于AA建筑学院，后来在AA成立了自己的工作室，直到1987年。1994年在哈佛大学设计研究生院执掌丹下健三（Kenzo Tange）教席。

扎哈哈迪德官方网站：http://www.zaha-hadid.com/

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）的设计风格分析：

“我自己也不晓得下一个建筑物将会是什么样子，我不断尝试各种媒体的变数，在每一次的设计里，重新发明每一件事物。建筑设计如同艺术创作，你不知道什么是可能，直到你实际着手进行。当你调动一组几何图形时，你便可以感受到一个建筑物已开始移动了。”

在维塔一案中扎哈证明她其实是经营空间景观的高手。语汇仍沿袭她早期的作品，但组合方式己大不同。早期扎哈的语汇是挑战基地涵构，现在她学会从基地找出她要运用的空间语汇。结合机能与空间逻辑，创造出今人激赏的建筑，她的建筑提醒人注意原野如何越过山丘，洞穴如何开展，河流如何蜿蜒，山峰如何指引方向。或许扎哈已了解，”瞬间的爆发”并未能揭露人类心灵的构造，但能展现人造环境的本质。她并未在乌托邦的残迹中发现自由空闲，而是在对既有环境的探索中发现。

盘旋手法，维塔案后，盘绕元素一再出现于扎哈的作品中:像是蓝图馆，一案中的金属折板;也曾出现于卡迪夫湾歌剧院、V&A博物馆增建中。扎哈这时期的建筑是蜿蜒至基地景观内。接下来她更进一步创造自己的景观，以此景观包被机能、创造空闲。在V&A博物馆中，扎哈运用在霍金广场一样的手法，将画廊延展至屋顶之上。卡迪夫湾歌剧院中，这种盘旋的语汇界定了大厅空间;在蓝图馆中则创造了展位的存在性。

将新的认知转化为现存造形的重组。这些新的形体成为新现实的原型，在其中，所有事物重组、溶解后重回原点。藉由新方式重现新事物，我们可建立新世界并居住其中，即使仅经由视觉。他并未发明新的构造或技术，却以新的诠释方法创造了一个新世界。以拆解题材和物件的方式，找出现代主义的根，塑造了全新的景观，任由观者遨游。

扎哈·哈迪德建筑手法和设计理念：

隐喻法：扎哈的工作就是设法在建筑空间内找到当代信息科学和电子科学的规律：以大量的资料相互作用、模拟产生效果。这些都是以强烈且十分有效的造型实现的。“流动感”在她的许多设计方案中表现得十分强烈，产生了一个散发着巨大能量的空间，因显得无“重力”而诱人。似乎是她的大脑的各种神经在同步运转，思维逻辑在不间断的变化着，与网络的大量信息结合在一起，连续闪烁着一样。

涉及空间：扎哈设计的空间是对立中的统一。虚与实、轻与重、固定与流动、开放与封闭、无光泽与透明等。是一个从塑造自然环境过程中产生的空间，所以它的建筑造型也是不可分类的。

设计理念：当今出现景观都是经过数字处理过得，但是都在继续发展已经移位的设计理念，哈迪德的设计与景观不大相符，但是，总能以复杂、异常和自相矛盾的造型表现出更新的轮廓。

扎哈·哈迪德生平简介：

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）于1983年入选香港The Peak Club的设计竞标方案，获得广泛赞誉。此后，她在柏林Kufurstendamm大街（1986年）、杜塞尔多夫的艺术和媒体中心（1989年）和卡迪夫湾歌剧院（Cardiff Bay Opera House）（1994年）的竞图中均获得一等奖。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）在从事理论和学术研究的同时，在1979年自己开业，为伦敦伊顿广场（Eaton Place）设计了一幢公寓。该作品于1982年获建筑设计金牌奖。其他项目还包括为伦敦Bitar设计家具和室内装饰（1985年），在日本设计了几幢大厦，如东京的两个项目（1998）和大阪的Folly（1990年）。1990年，哈迪德还为格洛宁（Gronningen）的视频艺术展设计展馆，1992年在纽约古金汉博物馆设计了”伟大的乌托邦”展览。1988年-1989年，哈迪德受托设计莱茵河畔维尔城的维特拉消防站，建成后为汉堡、波尔多和科隆的港口服务。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）于1983年开始在AA建筑学院展出大型绘画回顾展，此后其绘画作品一直在世界各地展出。大型展出地点有纽约古金汉博物馆（1978年）、东京GA画廊（1985年）、纽约现代艺术博物馆（1988年）、哈佛大学设计研究生院（1994年）和纽约中央火车站候车室（1995年）。哈迪德的作品还被众多机构如纽约现代艺术博物馆和法兰克福德意志建筑博物馆作为永久收藏品收藏。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）的作品并非全然地西化与现代性。在伊拉克长大的扎哈，从小便迷于波斯地毯繁复的花样，藉由织工的双手，波斯地毯将现实转化为交缠丰富的世界。无独有偶地，织工也多半为女性。

对扎哈最直接的影响仍是伦敦的建筑联盟学院（AA）。她在那里就学时，该学院可说是处于黄金时期，堪称全世界的建筑实验中心。学院继承　”建筑图像派”　的传统，学院的多位师生——库克、库哈斯、楚米、寇斯，将现代世界的憾动转化为他们作品的主题与造形。他们勇于做为全新的现代主义者，尝试捕捉不断变化的能量，增加新视点，企图为现代性提出新视点。不管是楚米的趣味狂笑、库哈斯的神秘拼贴，还是库克的宣示性，他们都将多向度透视、快速移动而强烈的造形，和科技性的架构，整合为意象－这些意像的表现乃是描述多于定义。

扎哈·哈迪德是近20年崛起的新一代明星建筑师，她是解构主义的实践者，代表着当今最前卫的设计思潮。她将“打破传统建筑空间”作为自己的信条，以独特的角度切入建筑，敢于向未知的世界发起挑战，将空间从人们一贯的思路中解放了出来，让思想获得了更大的自由，极大地扩展了建筑学的领域。她是城市建筑的实践者，并一直关注着建筑同城市的关系，做了大量的尝试，让建筑同城市更紧密地结合。她使用自己独特的建筑语言，从个完全不同的思路诠释建筑，诠释空间。扎哈·哈迪德从早期的现代主义思潮中汲取营养，从大自然的景观中获得灵感。她始终在强调空间的连续和动态表现，她努力捕捉运动着的社会能量，借由视觉艺术赋予时代以新形象。　我国建筑师一直在苦苦思索，探求着自己的建筑之路。随着国外各种思潮的影响，国内的设计也日益全球化，这促使更多的建筑爱好者对扎哈‘哈迪德的研究兴趣与日俱增。本书在对扎哈·哈迪德的早年经历作了简要回顾的基础上，深入浅出地探讨了她的设计思想及理念，并选出了她的15个建筑作品和8个展览作品配以文字和图片加以介绍。希望本书能为建筑学初学者和爱好者们提供一个了解扎哈·哈迪德设计思想和手法的窗口。

扎哈·哈迪德于1950年出生于伊拉克的首都巴格达，儿时的她便多次游历了欧洲。当她11岁时就有了成为一个建筑师的想法。后来她就读于黎巴嫩贝鲁特的美国大学，但是当她选择大学的专业时，她选择了数学，按她自己的话说，那时的她不能为自己的生活确定某种方式，年轻的生命渴望对许多事物的尝试。而数学对于哈迪德而言是一项轻而易举的专业，所以她便暂时选择了数学。后来她移居到了英国，并进入了伦敦的AA学院(Architecture　Association)学习建筑学。这段学习的经历对她日后的创作有很大的帮助。　她在那里就学的时候，该学院正是处于黄金时期，堪称全世界的建筑试验中心。学院继承“建筑图像派”的传统，将现代世界的发展转化为他们作品的主题与造型。　“AA什么也没有教给我，没有人告诉我如何画图，也没有人告诉我去看什么，什么都没有。但这里有的是那些可以帮助你的人。不论何时，只要需要你就可以去寻求能提供帮助的人，同时AA还有各种各样的讲座。在这样的环境下你就会慢慢地明白自己需要什么样的东西，来形成自己。”　扎哈·哈迪德在20世纪70年代求学期间，开始对20年代的苏联前卫艺术感兴趣，包括马列维奇和康定斯基的构成主义。80年代后现代主义方兴未艾，但她并未随大流，而是一直情有独钟地探索着前卫艺术。至上主义是属于绘画和雕塑范畴的，在建筑界并未得到的表达，实际上也就是描绘了自己的风格。

“过去我认定有无重力的物体存在，而现在我确信建筑就是无重力的，是可以漂浮的。”1977年当哈迪德获得了AA授予的硕士学位后，她加入了大都会事务所(OMA)　，在那里她做了两年的学生和六个月的合伙人。而她由于个性需要一个更自由的空间施展拳脚，离开了OMA。但时至今日，她仍同OMA保持着特殊的关系。她同瑞姆·库哈斯仍是很要好的朋友，经常在一起讨论很多问题。　哈迪德在1979年创立了自己的工作室，开始大量参与国际竞赛。独立之后她的设计中开始出现锐角三角形和长弧曲线，那些炸裂开的碎片在城市的上空横飞，给我们带来前所未有的压倒性的视觉冲击力。在1982～1983年“　香港之峰俱乐部”竞赛中，她获得了一等奖，这标志着她的崛起。哈迪德的获奖与日本建筑家矶崎新有很大的关系。在1982年香港举行的国际建筑竞赛上，由于矶崎新的慧眼，使她的方案从初审淘汰的名单中拣了回来，并在这之后一跃获得首奖方案。矶崎新在评价这个方案时说：“我被她那独特的表现和透彻的哲理性所吸引。”虽然“香港之峰俱乐部”最终只停留在方案阶段，但是扎哈·哈迪德已经名声远扬，成为世界建筑的明星人物。1988年哈迪德被邀请参加在纽约举办的“解构建筑展”，其他参展者都是已经功成名就的建筑家：弗兰克·盖里、瑞姆·库哈斯、彼得·埃森曼、丹尼尔·利伯斯金德、蓝天组以及伯纳德·屈米，这确立了她在解构建筑界的超前地位。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）主要设计作品：

扎哈·哈迪德的建筑作品使她在学术界和公众中赢得了广泛声誉。她所设计的注明日期的最优秀最著名的工程是：德国的维特拉（Vitra）消防站和位于莱茵河畔威尔城（Weil am Rhein）的州园艺展览馆（1993/1999 ）, 英国伦敦格林威治千年穹隆上的头部环状带( 1999 )，法国斯特拉斯堡的电车站和停车场（ 2001 ), 奥地利因斯布鲁克的滑雪台( 2002 )，以及美国辛辛那提的当代艺术中心（2003）。

她还完成了如下的家具创作和内部装饰: 伦敦的Bitar( 1985 )，札幌的Moonsoon餐馆( 1990 )，由Sawaya and Moroni制造的Z－游戏( 2002 ) 和Z－景观（Z－Scape，2000）的家具，Alessi的茶城与咖啡城(2003)。她所设计的临时建筑物包括:大阪的Folly（1990 ）, 荷兰格罗宁根（Groningen）的音像馆 (1990)，伯明翰的Interbuild蓝图杂志馆( 1995 )，意大利罗马美蒂奇（Villa Medici）安装网（installation Meshworks，2000），英国伦敦盘旋形画廊的夏亭( 2000 )，以及西班牙巴塞罗那的R. Lopez de Heredia Vina Tondonia亭阁( 2001 )。

中国首都北京地标建筑银河SOHO的设计和广州歌剧院也是扎哈·哈迪德所创作。

扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）的设计历程：

2004年3月21日，位于洛杉矶的海耶基金会宣布了被誉为建筑界诺贝尔奖的普立兹克奖今年的得主，出生于巴格达的英籍女建筑师扎哈·哈迪德获此殊荣。此次蟾宫折桂让她创下了两个之最：该奖项创立25年以来的第一位获得大奖的女性，而且还是最年轻的获奖者。

对世界来讲，哈迪德无疑是明星建筑家。但对中国来说，很多人对她还是陌生的。不过，自打去年以来，哈迪德频繁走访中国。从广州歌剧院方案构思，到北京在SOHO中国的“物流港”，她一步步走向中国，并与中国建筑师对话。可以说这次她获奖的背后也有蓬勃发展的中国建筑业的影子。

哈迪德解构主义大师

60岁的哈迪德是个工作狂，至今单身一人。她1950年出生于巴格达，1972年进入英国伦敦的建筑学会学习。毕业后在伦敦创办自己的事务所。

哈迪德的设计一向以大胆的造型出名，被称为建筑界的“解构主义大师”。这一光环主要源于她独特的创作方式。她的作品看似平凡，却大胆运用空间和几何结构，反映出都市建筑繁复的特质。

1993年，哈迪德推出成名作——德国莱茵河畔魏尔镇的一座消防站。在它的建筑方案出台、尚未实施之际，由于其充满幻想和超现实主义风格而名噪一时。哈迪德通过营造建筑物优雅、柔和的外表和保持建筑物与地面若即若离的状态，达到理想的效果。

哈迪德另一个比较有名的作品是她独立设计的美国辛辛那提罗森塔尔现代艺术中心。这幢8层高的建筑像一个精巧的方盒一层一层搭建在玻璃底座上，被《纽约时报》誉为“田园绿洲”。此外，法国斯特拉斯堡的一个停车场以及奥地利因斯布鲁克的滑雪场等也使哈迪德名扬四方。

这一次，哈迪德的获奖作品是台湾台中古根汉美术馆。评委认为她能够大胆利用空间，巧妙运用几何学原理，使作品与环境融为一体，成功展示了乡村生活的美妙，因此才把本年度的大奖授予她。当代建筑大师、评审团成员之一法兰克·盖瑞称赞哈迪德的每一个设计都创意十足。另一位评审费巴姆表示，哈迪德单单画出设计图，就已大大扩充了建筑的“创作曲目”。她设计的大型综合建筑建成后，创造力更能充分展现

非解构主义大师，与屈米、埃森曼的区别。

扎哈·哈迪德并不是解构主义大师。哈迪德本人也不认为她是一位解构主义建筑师。她与解构大师屈米、埃森曼是有区别的。虽然建筑形式相似，但是屈米的思想源自德里达，而哈迪德则是受到马列维奇至上主义的影响。屈米及埃森曼解构主义的共性是在于对现代主义建筑的批判，对现代主义建筑和传统建筑二元对立的瓦解。屈米重构了一种非二元对立的理论，埃森曼重构了一种后功能主义。他们在重构的同时，都走向了各自瓦解对象的对立面。而哈迪德则是通过对传统观念的批判，进而对建筑的本质进行重新定义，从而发展适合新时代的建筑，这才是哈迪德在建筑中所要实现的本质目的。

扎哈哈迪德跨界设计：

多方位出击的哈迪德走着理论学术研究与设计实践并重的路子，她的实践几乎涵盖所有的设计门类。1983年，她在伦敦展出大型绘画回顾展。此后，她的一些颇具实验性和前卫的绘画作品一直在世界各地展出，作品被众多机构如纽约现代艺术博物馆和法兰克福德意志建筑博物馆永久收藏。这些，都反映出一位特殊女性设计师的广阔视野。

从哈迪德的多项设计作品的构思和表达方面来看，她与众不同的伊斯兰文化背景显然弱于其所接受的英国式传统保守精神。但不可否认的是，她的性格之中还有着强硬、激越的一面，她的许多设计手法和观念似乎是在被阿拉伯血统中的刚劲精神热烈地鼓舞着勇往直前。与此同时，她也在一些“随形”和流动的建筑设计方案之中流露出贴近自然的浪漫品位。

以“打破建筑传统”为目标的哈迪德，一直在实践着让“建筑更加建筑”的思想，于是才会有超出现实思维模式的、突破式的新颖作品。

扎哈·哈迪德与普利茨克建筑奖：

2004年度普里茨克建筑奖第一次被授予一位女建筑师：扎哈·哈迪德。

3月21日，普里茨克建筑奖评审委员会在加州洛杉矶宣布，已取得英国国籍的伊拉克建筑师扎哈· 哈蒂德被评选为2004年度普里茨克建筑奖得主。这是普里茨克奖设立26年以来第一次被授予一位女建筑师。现年53岁的哈蒂德 ,在美国完成了一项工程设计，即俄亥俄州辛辛那提的理查德与洛伊丝·罗森萨尔当代艺术中心；当前，她正在开发另外一个与弗兰克·劳埃德·赖特建筑物共存的工程,即俄克拉荷马州巴特莱斯威尔的普瑞斯艺术中心（the Price Tower Arts Center）。她在欧洲完成的其他工程设计包括：德国莱茵河畔威尔城（Weil am Rhein）的维特拉（Vitra）家具公司的消防站；坐落于威尔城的州园艺展览建筑（Lfone Landesgarten-schau）， 即标记为1999年园艺节的展览建筑物；法国斯特拉斯堡郊外的停车场和有轨电车站；坐落于奥地利西部的可以鸟瞰因斯布鲁克城的伯吉瑟尔山上的滑雪台。她在不同发展阶段中有很多其他工程设计，它们包括：德国莱比锡的BMW建筑和沃尔斯堡的科学中心，罗马的国家当代艺术中心，西班牙比尔堡的总体设计，台湾的古根海姆博物馆，那不勒斯城外的高速火车车站，法国蒙特帕利尔的新的公共档案馆、图书馆和运动中心等。

在评审委员会宣布其评选结果时, Hyatt 基金会的主席托马斯·J·普里茨克说：“作为普里茨克建筑学奖的发起者和赞助者，我们看到极其独立的评委会第一次把荣誉评给一位女性，这是令人满意的。尽管她的主要作品的实体相对小些，但是，她已获得人们的广泛称颂，而且她的精神和理念甚至显示出未来发展的远大前程。”

普里茨克奖评委会主席罗特赫斯柴尔德勋爵评论说：“同时，如同她的理论和学术工作一样，作为实践建筑师的扎哈·哈蒂德对现代主义的追求是坚定执着的。她总是富有创造力，摒弃现存的类型学和高技术，并改变了建筑物的几何结构。” 接着，罗特赫斯柴尔德勋爵还说：“在伦敦建筑协会的第四年里，哈蒂德作为雷姆·库哈斯(他本人是2000年普里茨克奖的得主)的学生完成了被称为马勒维奇结构（Male-vich’s Tectonik）的毕业设计作品———她在泰晤士河上的Hungerford桥旁设计了一幢宾馆，从至上主义者（suprematist）那里吸取了满足规划和地点要求的形式。因此，这是一个令人愉快的巧合———今年颁奖典礼将在非常美丽而且极富创造力的城市俄罗斯圣彼得堡举行，而马勒维奇曾在那里生活和工作过。”

已为整个世界知晓的作为建筑学领域最高荣誉的正式颁奖典礼将于2004年5月31日举行。届时，一笔10万美元的巨额奖金和一枚青铜奖章将在艾尔米塔什(Hermitage)国家博物馆被授予本年度普里茨克奖得主扎哈·哈蒂德，继之在博物馆的冬宫举行盛大的招待会和晚宴。普里茨克奖的颁奖典礼每年在全世界不同地点移动举行,借以表达人们对历史性的和当代的建筑之尊崇。

1989年普里茨克奖得主，此届评委会评委弗兰克·盖赫里说：“2004年普奖得主可能是最年轻的得主之一，也是多年来所见设计发展轨迹最清晰者之一。她的作品充满了激情与创新。”今年评审委员会中有一位新评委———记者克瑞恩·斯坦因，他是费顿出版社（Phaidon Press）的评论主笔。他评价说：“在过去的 25 年里, 扎哈·哈蒂德已经创建了对抗常规的事业———挑战建筑空间、建筑实践和建筑构造的传统理念。”

今年的评委会评委、维特拉（Vitra）公司董事会主席罗尔夫·费赫尔鲍姆（Rolf Fehlbaum）称：“在构造建筑实体之外，扎哈·哈蒂德已从根本上拓展了具有空间清晰度的建筑结构体系。既然复杂建筑物正在出现，那么她的创新力量就会充分展示。”

评委和建筑评论家艾达·路易丝·胡斯塔布雷谈到这次评选结果时说：“扎哈·哈蒂德是当代建筑艺术领域中最有天赋的从业者之一。从她的最早的绘画和模型到当前处于进展中的建筑物和作品中,可以看到其中始终含有原创的和强烈的个性视觉，这种视觉已经改变了我们观察和体验空间的方法。哈蒂德的碎片几何结构和液体流动性比创造一个抽象且动态的美好事物要做更多工作，这是一种探索和表达我们生活于其中的世界的主要工作。”另一位来自休斯敦的评委是里斯大学的建筑学教授卡洛斯·吉门内兹，他说：“在造型丰富和形式充盈预警的情况下，扎哈·哈蒂德的创作提醒我们：建筑是虹吸集体精力的虹吸管,是对城市生命力的永久忘却。”评审委员、哈佛大学设计研究生院建筑学教授乔治·西尔沃提（Jorge Silvetti）认为：“扎哈·哈蒂德所设计的建筑物是当今建筑在空间产品中占据首位的最有说服力的证明。她对墙体、地面和房顶，以及那些透明、互相交织和流动的空间所作的独具匠心的处理生动地证明了，作为艺术的建筑并未使人耗尽气力，它所需要的仅仅是想象力。”

扎哈·哈蒂德是获得普里茨克奖的第三位英国建筑师，此前获奖的英国建筑师有谢世不久的詹姆士·斯特灵（1981年获奖）和诺曼·福斯特勋爵（1999年获奖）。美国建筑师菲利普·约翰逊是第一位普里茨克奖得主（1979年获奖）。墨西哥的辞世不久的路易斯·巴拉干（Luis Bar-ragán） 于1980年获奖。1982年获奖者是凯文·罗切，1983年是贝聿铭，1984年是理查德·梅埃尔，他们都是美国建筑师。奥地利的汉斯·霍尔莱因于1985年获奖。德国的高特弗里德· 鲍姆（Gottfried Bohm）于1986获奖。丹下健三（Kenzo Tange）是获奖的第一位日本建筑师（1987），稹文彦（Fumihiko Maki）是第二位（1993）日本建筑师，安藤忠雄（Tadao Ando）第三位（1995）。美国的罗伯特·温图里于1991年获此荣誉，1992年则是葡萄牙的阿尔瓦罗·西扎（Alvaro Siza）。法国的克里斯蒂安·德波尔赞帕克（Christian de Portzamparc）于1994年获奖。已故美国建筑师戈尔顿·班沙弗特（Gordon Bunshaft）和巴西的奥斯卡尔·尼迈耶（Oscar Niemeyer）于1988年获奖。美国的弗兰克·盖赫里于1989获奖, 1990年获奖的是意大利的今已故去的阿尔多·罗西（Aldo Rossi）。1996年，西班牙的拉斐尔·门伊（Rafael Moneo）获奖。1997年是挪威的思卫勒·费恩（Sverre Fehn）。1998年，意大利的莱佐·皮亚诺（Renzo Piano）获奖，2000年获奖者是荷兰的雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）。2001年获此殊荣的是两位瑞士建筑师:雅克思·赫尔佐格（Jacques Herzog）和皮埃尔·德梅隆（Pierre de Meuron）。澳大利亚的格莱恩·马尔库特（Glenn Murcutt）于2002年赢得桂冠。丹麦的建筑师荣·伍重（Jφrn Utzon）获得2003年普里茨克奖。

双面人——扎哈·哈迪德

思想导致一切，正因为她思想上的双面性，才能导致他建筑作品中运用形式的矛盾。在后现代主义时代的今天，一切建筑在一般层次上需要满足的需求有两点：一，实用性;二，外在形式的美观。解构主义也不能例外，哈迪德在满足实用条件的基础上，发挥她个人巨大的才华，以求建造出她心中最美丽的建筑。在他思想根源的驱动下，她选择了两个最矛盾的几何体来作为她表达形式的武器，这就是三角和曲线。三角，它在几何学中代表着一种最稳定的图形，同时，它给人以尖锐，不可靠近的心理感受，而曲线，则是在流动，易变的图形，给人一种平缓，亲和的心理感受。三角和曲线在很多层面上暗示着她的人生经历，两种文化在她身上冲刷过的痕迹。维特拉消防站的三角直入天际，U-LOFT厅的曲线舒畅人心，两种特点给大家的是两份喜悦，她相信，没有什么比他的建筑更为称奇的了。

密斯说过：“要赋予建筑以形式，只能是赋予今天的形式，而不应是昨天的，也不应是明天的，只有这样的建筑才是有创造性的。”建筑是时代的产物，时代又是以生产力为体现，当大机器生产的时代完全征服了小手工作坊式的生产方式后，建筑必然受到影响，才会出现符合当时状况的现代主义的萌芽，并最终在20世纪前中期的统治地位。随着生产力的发展，在人类社会出现了近100年的现代主义也开始被更多的各具特色的风格和流派所覆盖，世界建筑的趋同必将再次走向风格多样化，而作为解构主义的领军人物之一的哈迪德则将继续着她对解构主义的诠释。解构主义作为一种建筑流派，，以法国的哲学家德里达为理论开始，分别产生了以盖里、屈米哈迪德等几人为代表的进行着他们对哲学的理解，从而创作出富有意味的建筑。解构主义在不完整的定义中曾经提到：解构主义是一种对固有形式的反对和颠覆，表现为将一个整体（一般只现代主义的方体建筑）通过剖切、炸开再重组的方式来构造出一种新颖而又不失实用的空间，同时有在形式上满足他们的心理。这种直指心灵是通过作者对自己审美的极度暴露而产生的和观者的共鸣。解构主义的这种反对现代主义，只是他的一个点而已，真正的解构主义是在哲学上的提取，即：反对故有的一切，才是发展的开端。面对“故有”这个时间的词汇，一个相对中的词汇，本身就是在不断发展变化着的概念的。而当今的建筑形式是一种杂乱的、百家争鸣却毫无中心性可言的时代，这个时代被称为后现代主义。作为以反对故有为生存之发的解构主义，对无中心的反对是什么？答案只有是去反对整个时代。因为时代决定人的意识，反对人当前的意识，就是反对故有，从而引导前行。哈迪德正是看准了这一点，把她的建筑有意识的转向了一种未知、迷惑、空虚、诱惑的境界，以其来反对现在建筑的缺乏生命力、想象力、人情味，同时反映当今社会人们心灵中空虚、迷惑又易受诱惑的特点。可以看出，哈迪德想要铸造的是一种未来的精神建筑，未必健康，但是实际;未必实用，但是发人反醒。

正因为如此，哈迪德所建造的建筑是如此的非同一般，如同梦境中的未来世界，或是百年之后的外星基地。一个现代人就这样以自己敏锐的眼光洞察着自己眼前的世界，然后通过她的改造，完成她心中的世界。这是一种战胜感，一种征服感，如同她血液中的伊斯兰的锐气。无论何时、何地，求胜欲不减反增。一个男人般的野心表露无疑。

当她的建筑被表现出来的时候，有两种完全矛盾的处理方式出现在她的表现图上，那就是秩序和破坏。当一个建筑正以最秩序，最稳定的方式出现在人们的视线中时，而她的另一个作品则表现出一种惊人的差距，它以一种最破坏，最动荡的感觉出现在你的面前，甚至在一个建筑物中，两边的感受也是完全不同的，使你无法相信这来自于一人之手笔。这样的做法，正是她的精神根源和直觉告知她的。他不相信和谐，融合，她说：“如果你旁边有一堆屎，你也会去效仿它，就因为你想跟它和谐？”一个没有环境因素存在的建筑只能是一个未来建筑，他不能寻求一个和谐，只有保证自身的和谐，再用时间来使建筑象它和谐。这就是她作品和谐与破坏的出发点。她只需要一个满足她精神需求的建筑，无论是形式的和谐还是破坏，也无论和周围融合与否。

红色，紫色，蓝色，绿色，灯光为她的建筑渲染出她要的时代，场景，使人能快速的进入她铸造的未来中，但是两种完全不同的颜色感觉和心理也出现在她的不同设计之中，红色，紫色代表着一种热情，性感，如同他心理中因为成功了而感觉的无尚的优越，而蓝色绿色则代表了那种阴森和恐惧，如同她在夜半因为孤独而产生的恐怖和惆怅。她是为女人，可能获得了其他女人永远无法得到的让人尊敬和荣誉，但是随之而来的是另外一种失落。台湾大师李敖说过：“女人在获得自己所拥有的同时，得到的只是欲望的急速膨胀，而不是一种满足。”

扎哈·哈迪德作品欣赏：

2012年米兰设计周期间，英国著名建筑师zaha hadid与意大利大理石公司citco合作，设计了“the secret garden”（秘密花园）。这个小亭子将三个垂直表皮组合在一起。这些墙面是用形状不规则的拼图和多面大理石碎片制作的，它们组合成重复图案，共同形成一个三维的形态。碎片、褶皱和凹槽定义了作品的个性。这个解构的建筑物在几何与自然之间建立了对话，促进了数字化设计和创新设计语言在大理石生产技术上的应用。

扎哈·哈迪德作品宝马中心大楼

扎哈·哈迪德作品“维特拉公司消防站”（Vitra Fire Station）

Vitra消防站VITRAFIRE STATION

PIERRES VIVES大厦

扎哈的辛辛那提当代艺术中心

扎哈·哈迪德作品广州歌剧院

扎哈·哈迪德作品

奥姆尼亚特控股公司（Omniyat Holdings）下属的总部设在迪拜的房地产开发子公司“奥姆尼亚特房地产公司”（Omniyat Properties），雇用了世界著名建筑师扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）设计它的最新的商业项目“舞蹈大厦”（Dancing Towers）。“奥姆尼亚特房地产公司”的官员说，这个项目位于“商业湾”首期开发区，它将是一个混合使用的商业和零售业项目。“舞蹈大厦”的建筑设计利用了舞蹈动作的流动性的概念，将三座建筑融合成为一个整体。三座楼共享一个基座，两两连接起来，在第7层，写字楼和旅馆这座塔楼将和另一座连接起来；同时，在第38层，住宅用的这座塔楼将和旅馆塔楼连接起来；而在旅馆塔楼的第65层，三座将融合起来，共同享有一个全景餐厅。据认为，三座塔楼融合的优势在于能让人们在一座大楼里就可以享受办公、居住和旅馆等服务。与“商业湾”的大多数摩天楼不同，“舞蹈大厦”将不建筑在一个平台高度上。

扎哈·哈迪德作品：Tondonia酿酒厂

扎哈·哈迪德：宝马汽车公司

扎哈·哈迪德作品伦敦水上中心

扎哈·哈迪德作品欣赏

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