近十年，摄影师常河每天下班的路上，都会经过这些标示着发廊、美容、按摩字样的空间，他称它们为“玻璃盒子”。这组作品记录了这些粉红色盒子里展示着的暧昧和那些为“草根”提供色情服务的女人们，以及城市在这个时代的发展阶段。

摄影师语：

上海。2005年左右，我上夜班，每天下班回家的路上，只有这么一条“风景线”。这个空间的存在，是为很草根的人提供色情服务的，我觉得这是时代发展的一个必然阶段。这些发廊在临街面路，而粉红色的灯光，是一个特定的信号，从大城市到三线城市，全国都一样。

这个空间它不是作为一个单独的个体存在的，这样一个粉红色灯光的特殊场所，它就像城市中的病毒，与城市之间有了联系，是城市的一个有机体。

一直以来社会上对提供性服务的这些女人叫“妓女”，现在温和一点，叫“性工作者”。

尽管有像叶海燕这样的人在为她们去争取一些权利，也有像潘绥铭那样的专家在做中国“红灯区”调查，但是公众对她们的关注一直是缺失的，这个层面一直比较隐秘。

这是对一个时代的关注和记录。

城市红灯区——小粉灯

城市红灯区——小粉灯

菲利浦·约翰逊(Philip Johnson 1906-2005)，美国建筑大师。

菲利浦·约翰逊1906年7月8日出生于美国俄亥俄州克利夫兰。 他最初在哈佛大学学哲学，但自从读了密斯·凡·德·罗、勒·柯布西耶和沃尔特·格罗佩斯等建筑大师的相关文章之后，他就固执地转了专业。33岁的时候，他获得了哈佛大学建筑学院的建筑学学士学位，后来他被纽约现代艺术博物馆（MOMA）聘为建筑学系的第一任系主任。同时，他又与HenryRussellHitchcock一起撰写关于“建筑国际风格”的相关著作，认为“一种纯净的艺术即简单、无装饰的艺术可能是伟大的救世灵丹，因为这是自哥特以来头一个真正的风格，因此它将变成世界性的，且应作为这个时代的准则”，该计划中有多名伟大建筑师参与。约翰逊与对他有巨大影响的密斯·凡·德·罗一起工作，并将其看作是最高明的建筑师。

1939年进哈佛大学建筑研究生院，从师M·布劳耶学习，但其真正的导师是密斯·范·德·罗。1943年获得建筑学位。1945年开设设计事务所，1946－1954年重任纽约市现代艺术博物馆建筑部主任。他的专著《密斯·范·德·罗》于1947年出版，颇负盛名。1949年设计了自己的住宅，确立了他作为建筑师的声望。约翰逊与对他有巨大影响的密斯·凡·德·罗一起工作，并将其看作是最高明的建筑师。约翰逊早期的工作深受到密斯的影响，甚至他自己的家也在相当程度上有着密斯的影子。尽管他把密斯看作天才，但是他也在逐渐抱怨传统的风格，他表明：“我的宗旨是明确的、不同于传统”。1967年起，约翰逊与约翰·伯奇（JohnBurgee）一起工作至1991年，他们能够将简单的几何图形浇铸成一种新颖而且不可思议的模型。

早期的约翰逊曾是密斯·凡德罗的积极追随者。进入60年代以后，他的建筑思想发生了转变，到处宣扬要冲破现代主义建筑的某些原则。他强调“建筑是艺术”，形式应该遵循人们头脑里的思想，而不是功能和理性。这种思想被称为“新古典主义”，是后现代主义建筑思潮的一个流派。

由于约翰逊善于建造高楼和公共场所等大型建筑，因此他的作品遍及各个领域，他的设计经常具有很强的抽象性和审美观。约翰逊总是离奇地将一幢建筑到另一种建筑的风格完全改变，这也是他在工商界大受欢迎的缘故。约翰逊一直注重变幻建建筑物的外形，用他的话来说就是：“我们从来没必要照搬我们自己的东西，而是应该跟这些完全不同”。由于过多的关注建筑背景（比如环境和位置等），约翰逊的设计不时显得相当折中。约翰逊认为建筑中唯一最重要的错误就是无聊。

在约翰逊与搭档伯奇合作的设计中，越来越注意通过建造地平线的同一性以满足客户的需要，客户们往往希望他们的建筑在这个共同的世界中显得更别致、醒目一些。因此，他设计的建筑既与四周的高楼形成明显的对比，又占了相当的优势地位。他认为建筑的结构和外观必须与客户的认可程度相当。约翰逊相当注意自然和人造光线之间的搭配，同时也意识到水对所处位置的重大作用以及光线等方面的作用。因此，在设计中，他加入了几个单独的却又有一定关联的喷泉。他还用雕刻结等方式创造更大的空间，他说道：“一方面，我对排列的建筑空间相当感兴趣，并将它当作一种思路来进行思考，将之付诸实际中以领会、理解”。尽管约翰逊还是一直追随着密斯的步伐，但后来经过自己的努力，成为摩天大楼的主要设计师。1979年，约翰逊获得了第一届普立兹克建筑奖（PritzkerPrize），该奖被誉为建筑界的诺贝尔奖。

普利兹克奖：“第一届之所以颁奖给菲利浦·约翰逊，一方面因为他作为建筑师很有创造力，他的建筑物毫无疑问都可以成为一个城市的标地性建筑;另一方面，他又是理论家，为宣传建筑事业而频频出现在媒体的眼中。”

美国建筑大师菲利浦·约翰逊代表作品——玻璃屋(Glass House)

Johnson与现代主义大师密斯交往甚密，二战后，几乎是同时，Johnson在 Connecticut州的New Canaan（就是著名的Glass House)，密斯在芝加哥郊外各自设计修建了一座独立的全玻璃公寓。Johnson参与了密斯的经典现代主义之作西格拉姆建筑(Seagram Building），到70年代为止两人共同推动发扬现代建筑，影响深远，不可磨灭。这其实也是为什么Philip Johnson在建筑史上位置举足轻重的很大一个原因，可以说，没有Johnson的大力推动，现代主义可能无法在美国生根。

到今天为止，Glass House仍然被公认为是Johnson最好的作品，也有人认为可能用艺术作品描述Glass House比建筑作品更恰当。但无法否认的是Glass House是美国内现代主义起源的标志性作品。现代主义是建筑与艺术的一场伟大革命，Glass House被选为为数不多的29个国家级历史遗迹之一也是因其在美国现代主义发展中的特殊位置。

Glass House是美国内现代主义起源的标志性作品。现代主义是建筑与艺术的一场伟大革命，Glass House被选为为数不多的29个国家级历史遗迹之一也是因其在美国现代主义发展中的特殊位置。

菲利浦约翰逊代表作品“玻璃屋”

菲利浦约翰逊代表作品“玻璃屋”

菲利浦约翰逊代表作品“玻璃屋”

菲利浦约翰逊代表作品“玻璃屋”

约翰逊最具代表性的建筑作品要数ATT,总部大楼，潘索尔大厦和平板玻璃公司总部。

美国纽约电话与电报公司大厦（AT&T Building New York,NY）

1984年约翰逊和伯吉在纽约曼哈顿区完成了美国电报电话公司(ATT)总部大楼。它被认为是历史上对后现代的方向最具影响的建筑物。该建筑占地36800平方英尺，沿街布置有高耸的拱券和柱廊，形成60英尺高的走道。主体37层，分为三段。顶部是一个三角形的山花，中央开了一个圆形凹口，加强了建筑的对称性的古典性。基座高达120英尺，中间设置100英尺高的拱券作为公共门厅的入口。建筑中段的窗间墙和窗口的比例参照了二三十年代曼哈顿其他摩天大楼。为了达到雄伟、高雅的效果，这座文艺复兴式的摩天大楼用了13000吨磨光花岗岩作饰面，包裹在标准的金属框架之上。大厅内部也用花岗石墙面，黑大理石的地面，铜门电梯，中央矗立着ATT的“电神”雕塑。整个建筑显得典雅而气派，被誉为后现代主义一座重要的纪念碑。

休斯顿美国银行(Bank of America Houston)

匹兹堡的平板玻璃公司总部是约翰逊和伯吉设计的又一杰作。中央是40层高楼，一边是13层的配楼，周围还布置了四个5层的建筑，中间围成一个广场。由于该建筑是总部所在地，也是公司的象征，其外表面全部采用玻璃饰面。建筑立面采用褶皱形，四方形和三角形断面交替出现，在日光或灯光照射下能见到亮暗交错的光影，使建筑显得挺拔壮观，富于层次。这栋建筑不仅展示了玻璃作为现代建材的潜在价值，也成了该公司的活广告。

1976年建成的潘索尔大厦在休斯顿市的众多摩天楼之中别有一番韵味。约翰逊在方形的地段上布置了两个平面呈梯形的塔楼，各36层。两塔中间一角几乎碰上，形成从下到上宽仅十米的缝隙。两塔顶面呈45度角反向倾斜。塔身外装修采用古铜色镜面玻璃和古铜色铝窗，在不同高度有不同方向的斜面映照不同景物，远远望去变化万千。这座大厦打破了古典建筑四方盒子的外形，已成为休斯顿城市轮廓线的重要标志。约翰逊称之为他们设计的最具雕塑感的成功建筑。

菲利普·约翰逊作品：西格拉姆大厦。

西格拉姆大厦（Seagram Building）是位于纽约的一座摩天大楼。坐落在美国纽约公园大道375号，曼哈顿中城第52大街和53大街之间（GIS coordinates +40.7582, -73.972）。由德裔建筑师路德维希·密斯·凡德罗（Ludwig Mies van der Rohe）和美国人菲利普·约翰逊（Philip Johnson）共同设计，1958年完工。全楼高157米，共38层。西格拉姆大厦被认为是功能主义建筑的经典、现代主义建筑美学的杰作。

现代主义建筑美学杰作——西格拉姆大厦

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Luke Jerram是一个玻璃工艺师，他下面的这一组作品的创意来自于微生物、病原体，这些我们平常用肉眼看不见的东西，他用玻璃将他们放到成千上万倍用震撼人心的方式展现给我们，这样的艺术实在是令人震撼！

卡伊·弗兰克Kaj Franck(1911—1989)

卡伊·弗兰克(Kaj Franck)是二战之后芬兰的主要设计大师之一。作为一名设计师和几代芬兰设计师的导师，他以家具设计师的身份毕业，并将职业生涯的大部分时间贡献给了陶瓷和玻璃艺术。此外，他还曾经执教于赫尔辛基艺术设计大学，并担任过芬兰主要的陶瓷工厂阿拉比亚（Arabia)和大型玻璃工厂(Nuutajavi)的艺术总监。可以说，卡伊·弗兰克光辉的一生为芬兰陶瓷玻璃艺术和芬兰艺术表现形式的发展作出了重大贡献。他的作品以简约、永恒、实用而著称。

芬兰设计经典:奶油小瓶

那个塞着木头塞子的白色小瓷瓶，大多数中国人可能要对着摇头，价格是一方面，更主要的原因在于不知道其有何妙处。这个被称为“THE WHITE LIGHT”(白光)的奶油小瓷瓶，原创于1948年，设计者是芬兰国宝级设计大师——已故的卡伊·弗兰克。小瓷瓶的作用是存放奶油，北欧家庭一般都设置双层玻璃，来阻挡外界的寒冷，而这个小瓶子刚好可以摆放在双层玻璃的空隙间，尽可借助低温存放奶油。

1948年的芬兰，刚刚经历了二次世界大战，国民经济状况极为惨淡。卡伊·弗兰克（Kaj Franck 1911－1989）设计了一个用来存放奶油的白色小瓷瓶，她外型简单，看上去十分普通。然而关键在于她的尺寸——窄小的瓶径、狭长的身体，正好可以夹在双层窗户的空隙之间，于是手头拮据买不起冰箱的老百姓便可以在漫长的冬季利用“天然冰箱”储存奶油，并且可以用这个小瓶子不断地到商店里去续买新鲜奶油。这个具有传奇色彩的小瓷瓶直到今天还在生产。即便家家都有了冰箱，她的简洁和实用仍然使之成为很多芬兰人家常生活的首选。

50年代被认为是芬兰设计走向国际逐渐声名鹊起的时代。卡伊·弗兰克正是继芬兰著名现代建筑大师阿尔瓦阿尔托（Alvar Aalto）之后的第二代设计师，并且成为二战后芬兰设计界的领衔人物，好几代芬兰设计师的精神领袖。

1932年，弗兰克以一名家具设计师的身份毕业。时值30年代大萧条，弗兰克也未能幸免于失业的遭遇，在此期间，他靠为几家纺织品公司制图、设计装饰图案谋生。这段经历令弗兰克有机会积累了针对不同材质和技术的设计经验，而紧接着的第二次世界大战，也是他个人成长的磨练期。人生的转变终于在1945年得以实现。复员军官弗兰克先是被应用艺术学校聘为教师，之后到奥碧亚瓷器厂（Arabia，Iittala子品牌之一）当设计师。一年后，弗兰克就在一个琉璃艺术比赛中获奖，同时在不同的设计领域内担任艺术总监。从此，他在芬兰设计和应用艺术领域中越来越活跃，逐渐影响了芬兰陶瓷和琉璃设计的发展，并且重塑了芬兰的设计语言。

早在1930年，当弗兰克还是一个学生的时候，一次前往斯德哥尔摩设计展览的经历令他对实用主义产生了强烈的共鸣。弗兰克被传统民间艺术品简单实用的美感深深吸引，他甚至在笔记中引用19世纪英国美术工艺运动（Arts and Crafts Movement）领导人物威廉姆·莫里斯（Williams Morris）的见解，认为工业化社会最大的问题是为生产而生产，而不是为需求而生产。

说起早期在阿拉比亚的工作经历，弗兰克回忆到，“我被单独留在一个小房间里，要求设计东西。”他重新开始学习新材料和生产要求，探索设计的可能性和局限性。弗兰克的第一个项目是重新设计一只碗——一种看上去千篇一律的主要产品，却为了技术原因需要新的设计。对弗兰克来说，粗陶碗一直是实用主义流派的象征，于是他将其发展成了彩陶，并使用各种生产技术制成最基本的形状。“炊具是永恒中立的，”他说，“真正高品质的主要产品如搅乳器、和面盆等等，都是18 世纪末期的产物。它们并不一定要漂亮，也就是说它们持有自己的美。正是通过它们，我找到了自己的方向。”

这只碗可以说是后来琦尔塔系列（Kilta）的开始。在艰难的战后时事下，需求成为人们生活的第一选择。在弗兰克固执的努力下，他终于说服阿拉比亚生产他设计的简单、便于存储并且具有不同功能的餐具，因为他认为在现代家居打理中，空间是最重要的。这套每日必备的琦尔塔餐具系列非常简单，唯一的装饰就是弗兰克精心挑选的不同色彩。自 1953年至1974年，销售量达两千万件的琦尔塔成为显而易见的经典。而文章开头提到的琦尔塔奶油瓶，可以说是经典中的经典，成为弗兰克设计哲学的标志。

弗兰克精力充沛，除了担任设计师的工作，还任教于赫尔辛基艺术设计学院。对他来说，教学、讲座、写书和设计一样，都是传达他的设计理念的方式。弗兰克的教学充满魅力，令人兴奋而备受鼓舞。他以自身的成败经历作为例子来阐述设计的困难，他将不同领域的学生放在一起做交流学习，希望以此打破未来的行业界限。

卡伊·弗兰克的故事是一个“反对设计”的传说，解释了一个设计师是如何超越形式，发展设计概念的过程。任何设计的关键在于物品本身的用处和目的，而外型则是自然地传承这一功能。“我不想为外型而设计外型，我更愿意审视物品本身的基本功能——派什么用处？我的设计理念与其说是设计，不如说是基本想法。”弗兰克早年如此说到。

反对设计，或者说没有设计，从来不是设计的反义词。这与其说是设计的伦理，不如说就是一种社会思潮。它意味着纯粹、优美和自然，给予思想和诠释更多的空间，给予创造以自由。它努力打破世俗偏见和陈规陋习，还原物品本身完整的自然状态。弗兰克在他的教学生涯中，曾经多次提到，设计是一个自我证明的过程，每一种材料都有其忠实的形状和技术，物品本身对设计师来说无非是解决问题的创造性方案，而每一样物品都应该是必需的、实用的和被证明有存在价值的。

反对设计的基本在于明智的诠释：合理的用处以及最重要的功能性、实用性和朴素感——在日常生活的每一天，以简洁、合适的形状表达纯粹、通透和美丽。“美的终极意义不正是本质的、功能的和恰当的吗？”弗兰克曾经这样问到。

北欧设计哲学无就是有

美国洛杉矶艺术中心设计学院王受之教授曾经这样描述斯堪的纳维亚诸国的设计：“在北欧，你发现所有的人对设计的基本认识水平都要比世界任何一个地方高，在西欧、在美国，你会看见大量平庸的设计，更莫说在韩国这些地方，整个国家基本是个设计平庸的地区了。而在北欧，好像很难看到平庸的东西……传统以来，他们就讲究好设计，是人人都觉得好的设计。好的设计已经渗透在整个斯堪的纳维亚文化中，成为他们文化的一个重要组成部分，你在那么大的一个地方游走，就看不见什么不好的设计……”

什么是“好的设计”？芬兰设计师有自己的答案。大师卡伊·弗兰克曾经提出过一个非常著名的设计观念：“没有设计即设计。”或者说“反设计”。他强调“不能为了设计而设计，而是要以最好的方式实现总体功能”。这种注重产品功能，以“为大众提供人人都觉得好”的设计宗旨，表现出芬兰的民主精神，与法国、意大利的宫廷的、奢华的、贵族气的，甚至有些矫饰的设计形成鲜明反差。众所周知，北欧是一个寒冷、黑暗的地区，这里一年有九个月夜长昼短，然后有三个月是灿烂得无法描述的艳阳天，长期的家居生活是可想而知的。个人认为斯堪的纳维亚为世界提供了几乎最优秀的家居设计，因为很难有一个国家或地区的设计师能够有足够的切身体验，来设计出与人如此贴近的产品，那种人、物之间亲密的感觉，渗透到每一个细节，从造型、色彩到质感。突然想起一句台词：“什么是剑术的最高境界？是没有剑，是和平。”虽然在电影中它表现出古怪的气质，但是用在对芬兰设计的理解上倒很贴切。因为芬兰的设计确实给人一种宁静祥和的感觉，而豪不张扬的设计哲学令人在无形中处处感受到设计的精妙。

Kaj Franck作品：

时装界阐扬“极简主义”设计风格的是意大利知名品牌「PRADA」，然而在芬兰生活精品设计师中，最崇尚“极简主义”的则是Kaj Franck，不同的是，他又被喻为芬兰最「清新透彻」的设计者。出生于芬兰维堡(Vyborg)的Kaj Franck(1911~1989)，以特立独行、近似于天真的设计风格令人着迷，他喜欢简单的线条，以及“单纯”的设计。

其实要将日常生活用品以单纯的概念来设计是相当困难的，因为设计者通常希望能在看似普通的款式中加入些许华丽的装饰或设计，但这常常使得设计太过复杂，甚至容易失去了创作者原本的初衷，因此难能可贵的是，Kaj Franck总是能让设计作品看起来如此的简单、纯粹、精炼。 Kaj Franck获得的国际性设计奖章不胜枚举，如Prince Eugen medal、Lunning prize..等，他的作品更时常被世界各地设计博物馆收藏展出。

Kaj Franck最为出名的两个系列分别为餐桌饰品–Teema和玻璃制品–Karito，其中又以Karito最能完整呈现他的极简理念、几何造型以及色彩协调的基础，因此也成为品味鉴赏家的最爱！

这款设计，出自1958年，极简的造型，运用颜色与玻璃本身的质感来取胜。北欧设计界的『极简主义』派教父级人物Kaj Franck亲自操刀，在设计当时心中只有一个最高指导原则，就是「单纯美」。

的确，人们时常希望在很多事物上能有最好的表现，却时常画蛇添足、矫枉过正，而忘记了”自然就是美”的定律，因此极简系列的诞生，不但解释了北欧设计品近年来趋于简单化的现象，也提醒所有人单纯的生活就是品味的起源！

使用Iittala一贯的独门绝活I-crystall无铅水晶玻璃，硬度和透光度大大增强，生产当中对环境也不会造成污染，您更无须担心有损健康。

芬兰Iittala Teema系列设计：

Teema在芬兰文是「主題」(Theme)的意思，表示餐具是一种生活风格的展演(lifestyle demonstration)，运用大胆的几何对称形狀：大圆小圆/长方平方等，加上色彩游戏获得的想像乐趣，只要几个单品，您也可以设计出万千個专属主題！

附：卡伊·弗兰克设计奖 ：设立于1992年,为了缅怀卡伊·弗兰克这位芬兰设计文化的先驱。纪念其对芬兰设计文化做出的卓越贡献,由芬兰设计论坛设立,芬兰贸易博览会基金特此为卡伊·弗兰克设计奖提供赞助,以表彰和鼓励当代的设计师。

卡伊弗兰克设计作品:

Kaj Franck 陶瓷玻璃设计作品：

卡伊·弗兰克Teema水杯设计：

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

Smiling hand-blown glass dish that is actually two bowls in one: an inner and outer bowl. Use it anyway you like.

双层微笑玻璃果盘，一层放花生，栗子，开心果，瓜子之类，另一层可放吃剩的壳，丹麦设计师 Claus Jensen 和 Henrik Holbaek 设计，evasolo 出品：

Tools Design was founded in 1989 by designers Claus Jensen and Henrik Holbæk. A couple of decades on and with more than 200 international design awards to their name, Tools Design is one of Denmark’s leading design firms. The designs are characterised by a simple and innovative approach to the product and its function. And in the hands of these skilled designers, the result is stunning products which are truly functional.

Eva Solo imparts exclusive Danish design to everyday objects in the home. Simplicity, distinct lines and a high degree of functionality characterise the products in the collection.

The series is divided into the following categories: cooking, serving, living, bath and outdoor. All in all, an extensive selection of tools and utensils so you can surround yourself with outstanding design throughout your home.

[VIA:http://www.evasolo.com/]

美国艺术家让人叹为观止的玻璃工艺：

Dale Chihuly 1941年出生于塔科马1959年高中毕业后就读于Puget Sound学院。1961年开始学习烧制玻璃制品。1965年毕业于华盛顿大学室内设计和建筑学专业。Dale Chihuly使美国玻璃工作室运动发生了根本性的改变，并且把自己喜欢独处的工作环境拓展到了一个有协作精神和劳动分工的团体，为此，一直受到人们的称赞。他的贡献超越了国界，无论是在玻璃工作室运动，还是在整个玻璃加工领域，他的成就均影响了同时代的玻璃艺术。他带领的创作小组带来了复杂雕塑艺术的全面发展，给世人以美的享受，使他成为吹制玻璃领域的领导者。戴尔 奇胡利并不局限于对小范围贵重物品的创作，而是自由的在整个雕塑王国中遨游。事实上，从二十世纪末至今，他开创的应用于环境艺术创作的吹制玻璃工艺，一直在世界范围内享有盛誉。

Dale Chihuly是工作室玻璃运动的先驱，他挣脱了原本艺术家在画室单独创作的形式，以玻璃为创作载体，以相互协作的小组为基础，通过分工与合作，完成创作。他利用团队完成了复杂的，多重的雕塑，并把玻璃艺术引入大型现代雕塑的领域，主要通过吹制的形式完成了绚丽的雕塑与装置。Dale Chihuly的影响是深远的，作品的绚丽，玻璃材料与光影的迷幻，玻璃装置与自然环境的重组，喜欢Dale Chihuly的创作，喜欢那份绚烂，把玻璃诠释得淋漓尽致，原来玻璃也可以如此妖娆。

全世界越来越多的人认识到戴尔·奇胡利作品的非凡魅力，这也让奇胡利能够把自己的作品带到世界各地，繁杂缤纷的玻璃作品让更多人领略到普通的玻璃制造出的奇迹。

2000年，戴尔·奇胡利在古城耶路撒冷建造了17个形态各异、色彩纷呈的巨型玻璃雕塑。耶路撒冷是玻璃工艺的诞生地，戴尔·奇胡利选择这个有700年历史的城堡作为展出地再合适不过了。开幕当晚，盛况空前，来自世界各地的参观者对这些几千件玻璃组成的杰作惊叹不已。

羽西还受邀参观了戴尔·奇胡利在纽约的万宝路画廊举行的名为“Mille Fiori”的作品展。

“前来争睹大师风采的观众就有几千名，戴尔·奇胡利把他见过的很多奇花异草用玻璃进行了重现，整个画廊成了花的海洋，他大胆丰富的想象使得古老的玻璃工艺焕发了新的生命！”羽西还高兴地说，“在现场我还碰到了克里斯托夫妇，就是《羽西看世界》曾经采访过的两位闻名世界的环境艺术家。”看来，艺术的气息到哪里都是相同的！

戴尔·奇胡利在1976年时因车祸，导致他一目失明，使其丧失了领班的工作，也无法领导他那一组吹琉璃的组员，但他不放弃，仍以概略结构的吹琉璃方式来完成他自己的创作。最初他是一位建筑师，由于他的旺盛精力及抱负，使他经历了许多不同的建筑发展阶段。现在，在他西雅图的工作室中，领导8-10人的吹琉璃小组来制作他们的作品，他指导、观察、建议，并掌握他们的成品风格。他和艺术赞助人约翰及安·高得·豪伯格创立了皮恰克琉璃学校（Pilchuck Glass School），在这里，学生可以学到如何以琉璃来创作。他的作品立意清晰，通常都是特大号的作品，并有多重的旋涡，但不会因此失去其亲和力。跟奇胡利一起工作的人会深受他的风格所影响，因此，很多人表示，在他们为奇胡利工作时，几乎也变成了另一个奇胡利，他懂得如何协调一个小组，综合他们的理念成为他创作过程的一部分。

他使美国玻璃工作室运动发生了根本性的改变，并且把自己喜欢独处的工作环境拓展到了一个有协作精神和劳动分工的团体，为此，一直受到人们的称赞。他的贡献超越了国界，无论是在玻璃工作室运动，还是在整个玻璃加工领域，他的成就均影响了同时代的玻璃艺术。他带领的创作小组带来了复杂雕塑艺术的全面发展，给世人以美的享受，使他成为吹制玻璃领域的领导者。戴尔奇胡利并不局限于对小范围珍贵物品的创作，而是自由的在整个雕塑王国中遨游。事实上，从二十世纪末至今，他开创的应用于环境艺术创作的吹制玻璃工艺，一直在世界范围内享有盛誉。

戴尔.奇胡利在创作林林总总艺术品的同时，注重研究材料的透明性。当他发现玻璃作为创作介质具有其它任何材料所无法比拟的特点时，广泛地涉入玻璃行业。早在1965年，作为一个室内设计和建筑学专业的学生，他已经为吹制玻璃的技艺所着迷。他考入威斯康辛大学的第一玻璃工程研究所，是由玻璃运动创始人哈维K·利特莱顿建立的专业玻璃研究机构。他拿到雕塑学位后，在罗德岛设计学校继续研究陶器工艺，随后建立了著名的玻璃工作室，成为一代艺术大师。受当初人文科学界限模糊的教育环境的影响，早在1967年，奇胡利就用氖、氩来吹制玻璃，创作出一种房子大小的、独立的、像植物一样的组装陈设品。1971年，他进入堪称国际玻璃中心的华盛顿的皮尔切克玻璃学校。在这里，他引导玻璃制作向艺术性方向发展。从1971年到1989年，他一直担任该校的第一艺术指导。在他的指导下，皮尔切克成了具有不同背景的国际著名艺术家的聚集地。戴尔奇胡利工作室，已成为艺术家、收藏家及博物馆专业人士关注、向往的地方。

四十年间，奇胡利的艺术风格逐步地在玻璃雕塑中显现出来。从单一的玻璃器皿到室内外复杂的陈设艺术品，他的吹制作品均以色彩和线条的最佳组合而著称。其作品种类繁多，小的如为小环境而设计的茶几饰物，大的则以雕塑群的形式而出现；或者配合特定的工程设施，而出现在大型的室内外陈设中。奇胡利和他的小组创作了大量的吹制艺术品。他们在继承和发扬已有作品形态的同时创作了一些激动人心的新作品。例如，他的新作Fiori体现了吹制玻璃的神奇及对其内涵的理解。从1970年末到1990年，如篮子、花瓶、威尼斯人及枝型吊灯等作品，以形状和内容的不同而重现。早在1980年初期，奇胡利所有的作品都带有强烈、鲜明的色彩及细微的线条装饰。他通过融合器皿的表面图样来表现一种事先设计好的玻璃丝风格，然后运用光学模子创作一种螺纹状的装饰图案。在他的Macchia系列作品中，粗犷的轮廓和丰富多采的边线同其晶莹剔透的器皿形成了鲜明的对比。到1990年前后，他的吹制玻璃作品已成为其众多作品中的重要部分，并赋予高度的巴洛克风格及翻腾的成分。

奇胡利的作品具有很强的自传性。他的魅力在于既有抽象的花朵形状，又有依恋的怀旧性质。如其作品“母亲的花园”，在塔科马文献中即有详细的记载。他的系列作品如Seaforms、Niijima甚至枝型吊灯也都隐含了他在塔科马童年时代的生活。许多作品体现了他对大海的挚爱及对西北太平洋经济重要性的认可。在艺术家挑选出来的这些回顾早期装饰历史的艺术作品中，也有很鲜明的个人色彩。例如他的“篮子系列”作品的发展，已超出了印度西北海岸地域。1977年他同雕刻家Italo Scanga 及James carpenter在塔科马的历史学会上，就惊喜的看到了自己早年的得意之作“篮子”作品。

多年来，奇胡利创作出了大量的值得珍藏的陈设展览品，包括跨越威尼斯（1995-96）、耶路撒冷大卫博物馆的塔（2000）、公园中的奇胡利及在芝加哥加菲尔德公园中玻璃花园的温泉（2001-2）、塔科马的玻璃桥（2002）及塔科马艺术博物馆里的米勒·费奥里（2003）等。这些陈设品的创作更增强了这位艺术家对建筑艺术的灵敏度及对自然光彩与玻璃相互作用的把握，并不断激发其对透明和半透明效果的兴趣。近来奇胡利选择了以建筑物作为其作品的载体，突现了其作品的表现特色。

奇胡利的早期陈设品蕴涵着丰富的自然精神。例如冰柱及植被，这些也是他近期作品最重要的主题。作品陈设在许多地方，如芝加哥加菲尔德温泉、俄亥俄洲的哥伦布富兰克林公园温泉、亚特兰大的伯坦尼咯尔公园及伦敦Kew 花园的未来工程等。这使得奇胡利以美丽的自然景观同雕刻的形式并列，在自然和艺术之间建立起最直接的融合。另外，在塔科马的博物馆及马尔玻尔若夫画廊里的用关作品，也揭示了这位艺术家在逻辑上的进步。从某种意义上讲，他已达了完美的境地，以丰富的知识从早期的陈设品中获得了生活的乐趣。

作为世界艺术的重要部分，戴尔·奇胡利及他的作品，曾引起过激烈的争论。随着他在这些博物馆聚集地如维多利亚、伦敦的阿尔伯特（2001）等处的作品不断展出，今天几乎已无人怀疑他对我们时代艺术的长期贡献，这是不争的事实。

除了玻璃制品，奇胡利还很喜欢画画，他喜欢将灵感肆意挥洒，“站在画布前的奇胡利，总是全神贯注他挥洒自如的样子，绝对是大师级的飞舞。颜料经常把他的鞋子也变成了前卫的艺术品！

然而，近年来随着玻璃艺术和琉璃在中国的普及，戴尔·切胡利被大家所接受，也让很多商家看到了商机。切胡利的作品仅一个小花瓶就可以卖到600美元，大型的装置作品卖到几千万美元也是很正常，很多奢华的大酒店喜欢将他的作品作为酒店奢华的装饰。

这两年，我不断看到有公司在模仿切胡利的作品进行商业活动，并声称：“聘请多位专家、教授经过多年研究，引进西欧先进的玻璃工艺技术，终于自主成功研制出了玻璃世界中的珍品——大型吹雕艺术玻璃，并已申报国家专利．……”我所看到的生产的一些相关图片，和切胡利完全是同种风格和技术的模仿，有些产品已经被国内的一些酒店采用。

这些商家除了提供制作的产品外，还推出“转让技术、主要设备”和“区域垄断、独家代理”等服务项目。
戴尔·奇胡利在1976年时因车祸，导致他一目失明，使其丧失了领班的工作，也无法领导他那一组吹琉璃的组员，但他不放弃，仍以概略结构的吹琉璃方式来完成他自己的创作。最初他是一位建筑师，由于他的旺盛精力及抱负，使他经历了许多不同的建筑发展阶段。现在，在他西雅图的工作室中，领导8-10人的吹琉璃小组来制作他们的作品，他指导、观察、建议，并掌握他们的成品风格。他和艺术赞助人约翰及安·高得·豪伯格创立了皮恰克琉璃学校（Pilchuck Glass School），在这里，学生可以学到如何以琉璃来创作。他的作品立意清晰，通常都是特大号的作品，并有多重的旋涡，但不会因此失去其亲和力。跟奇胡利一起工作的人会深受他的风格所影响，因此，很多人表示，在他们为奇胡利工作时，几乎也变成了另一个奇胡利，他懂得如何协调一个小组，综合他们的理念成为他创作过程的一部分。

用沙子变魔术作品价超钻石—

　　近日,一则从纽约传回的视频在网上产生了轰动效应。这段短片是由网友Jenny参观了纽约植物园玻璃艺术展的部分作品后用手机拍摄并发到自己博客上的。片中,本来廉价的玻璃被艺术家制作成种种姿态瑰丽的艺术品,令人瞠目结舌。据Jenny得到的消息,这位著名艺术家的玻璃作品单价已经超过了钻石,达到几百万并非奇事。而且,这还是一位“残疾”艺术家,他是如何用自己“一维视觉”窥探到大自然奥秘的呢？

　　虽然远在大洋彼岸,但是短片中的艺术品却让人们感觉到了切身的震撼。你可能很难想象,从天棚直垂到地面的花束竟然全是由玻璃吹制而成,组合成这样一个花束的竟有几千件玻璃制品;湛蓝的水中漂浮的睡莲也可谓以假乱真,暧昧的色彩让他们比真正的睡莲更有生命力。甚至美国不少知名大酒店的楼顶吊灯都是他的杰作,均是几千个小零件组成,绝对的独一无二。

　　更让人难以想象的是,这些充满热情的作品都出自一个没有立体感受的思想者,迄今为止,他已经制作了大大小小几千件玻璃艺术品,每一件都不雷同。他就是玻璃艺术家奇胡利（Dale Chihuly）。

　　早在60 年代初期,学室内设计的奇胡利偶然为制作玻璃的技艺着了迷,玻璃脱胎于坚实硬朗却又柔弱无骨的沙子,但用玻璃呈现出的世界却和沙海截然不同。于是他加入威斯康辛大学的第一玻璃工程研究所,成为一名玻璃研究者,同时他也爱上了吹制玻璃这种手艺。

　　1976年,他在英国旅行时遭遇了一起事故。车祸夺去了他的左眼。作为一名吹制玻璃的艺术家,通过双眼获知的立体感和纵深感不复存在,可想而知这对他后来的工作产生了多么大的影响。

　　但奇胡利并没有因此放弃心爱的玻璃艺术,虽然他要和助手吹制玻璃,无法看左边,缺少深度知觉。但他用几年的时间,渐渐脱离具体操作而以指导为主继续他的创作。就像电影导演一样：“通过反复合作,助手们开始会意奇胡利要的效果,再配合画草图来示意,一切都慢慢走向正常。老天爷并没有难倒奇胡利,他那么热爱从事的玻璃艺术,什么都吓退不了他！”

　　2000年,奇胡利在古城耶路撒冷建造了17个形态各异、色彩纷呈的巨型玻璃雕塑。耶路撒冷是玻璃工艺的诞生地,奇胡利选择这个有700年历史的城堡作为展出地再合适不过了。开幕当晚,盛况空前,来自世界各地的参观者对这几千件玻璃组成的杰作惊叹不已。

　　前来争睹大师风采的观众就有几千名,奇胡利把他见过的很多奇花异草用玻璃进行了重现,整个画廊成了花的海洋,他大胆丰富的想象使得古老的玻璃工艺焕发了新的生命！

　　美,是一个很奇妙的字眼,它可以抹煞贵贱,也可以让有相同追求的人从不同的道路走到一起来。即便你身有残疾,世界也会向你袒露它不一样的美丽。

来自美国的玻璃艺术家戴尔.切胡里(Dale Chihuly)，1941年生于华盛顿的塔科马，由于一次意外，让他的左眼戴上了标志性的黑眼罩.充满激情的切胡里与他的工作团队做出来的令人震撼的前所未有的惊艳作品，用透明的，色彩鲜艳的玻璃作为媒介创作出来的艺术品造型奔放、大胆。

切胡里本来学的是室内设计，偶然的机会接触了玻璃艺术，便无法自拔。1968年切胡里拿到了一笔奖学金前往威尼斯的Venini Factory，这个位于威尼斯玻璃工业最发达的穆拉诺，学习如何吹玻璃，也是影响他后来创作技巧最深的地方。

回到华盛顿的切胡里，与伙伴创办了玻璃学校，组成了一个国际性的玻璃创作团队与艺术中心，切胡里是位多产的艺术家，玻璃作品被全世界200多家美术馆与博物馆所收藏，一生得过无数的大奖并被授予七个荣誉博士学位，可谓是一个“名利双收”的艺术家。过去四十年切胡里的作品主要是在雕塑造型和色彩与环境、建筑中的互动探索方面有很大的贡献。

近来切胡里选择了以建筑物作为其作品的载体，表现了作品的浓烈情感。切胡里的早期作品蕴涵着丰富的自然元素。切胡里所有的作品都带有强烈、鲜明的色彩及细微的线条装饰。他的作品中的海洋系列、花车系列及吊灯系列的灵感全都来自于童年在华盛顿海边生活的回忆，这几各系列已经成为了他的标志性的作品。

你可能很难想象,从天棚直垂到地面的花束竟然全是由玻璃吹制而成,组合成这样一个花束的竟有几千件玻璃制品; 采用东方元素的睡莲，在西方艺术家中还很罕见，湛蓝的水中漂浮的睡莲也可谓以假乱真,。暧昧的色彩让他们比真正的睡莲更有生命力。甚至美国不少知名大酒店的楼顶吊灯都是他的杰作,均是几千个小零件组成,绝对的独一无二。

切胡里还对植物情有独钟，这种情怀与他和家人的紧密关系是分不开的，他的家人一直是他的精神支柱，合作伙伴。他长期迷恋抽象的花卉，也跟他妈妈在塔科马茂盛的花园有很大的关系。作品充满了依恋和怀旧气息。这些作品的创作更增强了这位艺术家对建筑艺术的灵敏度及对自然光彩与玻璃相互作用的把握，并不断激发其对透明和半透明效果的兴趣。

2001-2002年，切胡里的第一次花园展在芝加哥的加菲尔德公园举办，紧接着2005年他又在英国的皇家植物园举办了他的第二次花园展。第二年在纽约植物园、2007年在匹兹堡霏马克温室植物园都有精彩的展出。玻璃与植物园里的植物、景观与建筑等相互呼应，大型玻璃雕塑隐藏在树丛中，草丛中、水池中、仙人掌中、攀在温室里的柱子上、挂在温室天花板上，有种寻宝的刺激。

艺术家把玻璃艺术品同大型植物放在一起 ，有机的雕塑形式与美丽的植物形成了鲜明的对比，与自然、艺术和环境光影效果组合在一起立即形成了一种玻璃与植物间对话的有趣的互动。

1999年是切胡里创作生涯中最重要的一年，这一年切胡里在耶路撒冷举办了一场作品展览，展览在Tower of David博物馆举行，上百万的观众参观了这次展览。这次著名的展示又是一次切胡里作品与建筑完美结合的体现。

反射着强烈的阳光的花白色石壁与色彩绚烂的玻璃在质感、颜色上形成了鲜明的对比，悠久历史文化与现代先锋艺术的冲击使这次展览更具史诗意义。毫无疑问切胡里对玻璃艺术的长期贡献是无可争议的。