安娜苏 (Anna Sui) 品牌档案：
设计师：萧志美
公司总部：美国纽约
创建年代：1980年
产品类别：高级成衣、女装及配饰、彩妆系列。

安娜苏 (Anna Sui) 官方网站：http://www.annasui.com/

安娜苏双向度的设计历程——

萧志美 (Anna Sui) 一般大家都把这个设计师的名字翻译成安娜苏，其实，萧志美 (Anna Sui) 的中文名字和英文名字关系并不大，她姓萧名志美，虽然是第三代美国华裔，但母亲是上海人，父亲是广东人，所以萧志美 (Anna Sui) 仍是个百分之百的华人。经过几十年的奋斗，今天的萧志美 (Anna Sui) 是美国时装界炙手可热的人物之一。留着童花头、圆圆脸、黑发、笑容可掬的萧志美 (Anna Sui) 外表是颇有东方感的，但是美国的生活背景却使她骨子里面已经非常国际化了，这从萧志美(Anna Sui) 特立独行的性格中可以看出来，也从萧志美 (Anna Sui) 的设计作品中表现出来。

萧志美 (Anna Sui) 说：“我父母亲非常西化，家里没有中国式家具。我不是在中华文化环境氛围中成长，而是通过后天的接触和学习。我爱看中国电影，在那里我可以汲取更多的营养来丰富我的设计。”

70年代，安娜·苏到纽约的帕森斯设计学院深造。毕业后，苏决心要心随人愿地将其全部精力投入自己的设计中去后，在私人的寓所里购置了一台缝纫机，从此开始独闯天下。

80年代，苏古怪的、充满了古老情致的风格并不被华而不实与品牌崇拜的潮流所接纳。

90年代初期，她设计的洋娃娃式的套装正好与萌芽期的吉拉吉运动(grunge movement)相合拍。

1991年，她终于举办了第一个时装发布会。

1992年，在纽约SoHo地区的113条格林街道开了自己的时装用品商店。商店反映出清楚的口味：组合跳蚤市场家具和异想天开的玩具娃娃摆在紫色墙和红夹层的房间里。

1993年，她的小时装店顿时门庭若市，吸引了许多模特与年轻的时尚一族。从那时起，苏继续采用她的专利——那种不辨纪元与流派的折衷主义。

1996年，秋冬时装发布会上，她的一款设计灵感来自于大导演肯·罗赛尔(Ken Russell)1920年的一部片子，天鹅绒、斜纹软呢的搭配，点缀亮金属片，羽毛帽子和珠串手袋。

1997年，安娜展示了她服装以外的其他产品：在威尼斯、意大利、巴林生产的鞋、天鹅绒，丝绸，专利皮革，蛇和蜥蜴皮，及小山羊皮包。

这一年，苏启动了她的芳香美容生产线。签署了批准德国的公司经营Wella的协议。Wella与日本化妆品制造者阿尔比恩一起分享安娜的“美丽”生意，并举行了颜色化妆品和皮肤护理许可证协议签定。在协议下，WellaSui香水制造商和销售将其产品介绍给日本。

1999年，秋冬时装发布会上，回顾了1965年乡村民谣的风潮。模特们后背背着吉它，身穿印有黑白交织的格子或链环图案的衣服、阿富汗编结衫和Marimekko风格的套装。

2000年，如同彩妆系列的华丽而神秘；Anna Sui的秋冬也维持着这种她向来追求的基调。从毛料、多重纱质、丝质到毛皮，无一不是被赋予花花草草、珠串锦织乃至类民俗风的各式华巧，类叠出层次丰富的美感；荷叶边飘逸的轻纱衬衫搭上流苏及膝裙和宽腰带、高统靴、彩色裤袜，毛边短皮衣称和雪纺上衣和粗织民俗风7分裙与拼贴样式的皮靴、藏青丝巾；Anna Sui诉说的是一种女性的奔放与善变。

身为第三代华裔移民的安娜苏 (Anna Sui) 1955年生于美国底特律，父亲是建筑结构工程师，母亲是专职家庭主妇。学生时代，安娜苏 (Anna Sui) 常从杂志里将一些图片剪下来收藏，并将未来的梦想设定在时装设计上。

上世纪70年代，安娜苏 (Anna Sui) 到纽约帕森斯设计学院学服装设计，但她只上了一年，第二年就辍学了。她的理由是学校的课程非常无聊，而且浪费时间。出校门以后，安娜苏 (Anna Sui) 到一家女装公司做助理。虽然这家公司一年半以后关闭了，但安娜苏 (Anna Sui) 却因此熟悉了布料市场，她知道到哪里可以找到最好的材料，以及什么是最好的价钱。

之后5年里，安娜苏 (Anna Sui) “跳槽”了多家公司，学习了各种各样的服装设计和布料知识。1980年，她制作了4款服装，并展示在服装店里。不久，她从著名的梅西和布朗明黛尔百货公司获得了订单，“安娜苏 (Anna Sui) ”这个品牌开始建立声誉。

到上世纪80年代，时装设计界遇到了重大变革，那就是无论在正式宴会还是在其他场合，人们不再从头到脚穿同 一个设计师设计的服饰。不久，时装界又开始流行复古风。安娜苏 (Anna Sui) 意识到她的机会来了：“我马上感觉到，这是我最拿手的设计，我相信我会走运的。”

1991年安娜苏 (Anna Sui) 首次公开发布时装秀，并在纽约开设了第一家精品店。1996年，安娜苏 (Anna Sui) 在东京设立亚洲第一家精品店，并在日本掀起紫色旋风。精明的日本人从安娜苏 (Anna Sui) 的风格中看到了商机，伊势丹集团最终与安娜苏 (Anna Sui) 达成协议，授权艾伦比亚公司研制安娜苏 (Anna Sui) 品牌化妆品。1998年，安娜苏 (Anna Sui) 化妆品正式在日本诞生。

安娜苏 (Anna Sui) 的产品具有极强的迷惑力，无论服装、配件还是彩妆，都能让人感觉到一种抢眼的、近乎妖艳的色彩震撼。时尚界因此叫她“纽约的魔法师”。她最擅长从纷乱的艺 术形态里寻找灵感，作品尽显摇滚乐派的古怪与颓废。在崇尚简约主义的今天，安娜苏 (Anna Sui) 逆潮流而上，设计中充满浓浓的复古色彩和绚丽奢华的气息。不过安娜苏 (Anna Sui) 服装华丽却不失实用性，它可以让时尚的都市女性发挥自己的无限创意，随心组合，以展现独特的个性魅力。

安娜苏 (Anna Sui) 的时装洋溢着浓浓的复古气息和绚丽奢华的独特气质，大胆而略带叛逆，刺绣、花边、烫钻、绣珠、毛皮等一切华丽的装饰主义都集于她的设计之中，形成了她独特的巫女般迷幻魔力的风格。

从彩妆开始，安娜苏 (Anna Sui) 又在近年陆续推出了香水、保养品等产品，产品线越来越完整。除了紫黑色，安娜苏 (Anna Sui) 产品的色彩也越来越多样化，如蜜果系列保养品、金色包装的底妆系列、美白系列商品等。不过安娜苏 (Anna Sui) 对紫色的偏爱仍随处可见，她在彩妆与服装上大量运用紫、红、黑色，整个专柜也是浓郁的深紫色，一切宛如沉浸在紫色的浪漫之中。

安娜苏 (Anna Sui) 的产品包装也通常以她最喜爱的蔷薇花为主题，神秘的紫色搭配全黑花纹，并含有天然花香。安娜苏 (Anna Sui) 本人认为，这些充满趣味和迷人色调的彩妆系列，不管是化妆品还是容器都很可爱。她说：“我相信把它们一一收集排列，也会成为一种时尚。”

有许多人都把这个设计师的名字翻译成安娜·苏，其实，她的中文名字和英文名字关系并不大，她是姓萧的。这个百分之百的华人（母亲是上海人，父亲是广东人），现在是美国时装界炙手可热的人物之一。虽然她是第三代的美国华裔，但是毕竟是中国人，我们也有理由为她骄傲。

生活背景

和许多大师级的人物一样，她在童年时期就显露出了非凡的设计天分，她最喜欢做的事情之一是为自己的娃娃和邻居孩子的娃娃设计服装，为它们打扮。她的设计天分可能来自于母亲的艺术基因的遗传，她的母亲曾在巴黎读过艺术专业。在最初的阶段，ANNA SUI有一本剪贴簿，里面贴着自己的“大作”，她还称之为“天才档案”。

这个小女孩后来进入美国著名的帕森设计学院就读，在那里找到了自己志同道合的伙伴，这就是史蒂夫(Steven Meisel)，两人的合作对ANNA SUI的发展是非常关键的因素。

留着童花头、圆圆脸、黑发、笑容可掬的ANNA SUI外表是颇有东方感的，但是美国的生活背景却使她骨子里面已经非常国际化，这从她特立独行的性格中可以看出来，也从她的设计作品中表现出来。

设计生涯

她的设计生涯的真正起始点应该说是在设计学院学习的时候，谈到当时的感受时，她说：

“我在做一些我孩提时代想穿的那种衣服。生长在底特律，得到的东西是有限的，我总在试图重新捕捉小时候从杂志上看到一些肖像时的那种兴奋感，这种感觉激发了我无穷的创造力。”

在正式推出自己的系列之前，她作为一个自由的设计师，也作为一个配合摄影师的风格造型师，为时尚媒体提供自己的新颖创意，这段时间虽然还是默默无名的，但是积累了大量的工作经验，也形成了自己独特的风格。

ANNA SUI推出自己的第一个系列，只有6件作品，但是立刻就有订单跟进。她的风格非常务实，在真正举办自己的发布会之前，她对市场已经了如指掌，也有相当程度的商业敏感度，所以，她的风格虽然非常前卫，但是商业运作的部分却是一点也不马虎的。

第一次个人时装发布会是在1991年推出的，有浓烈的嬉皮风格。1992年，她就开设了自己的工作室，只不过2年以后，她就获得了纽约设计师协会颁发的佩里·艾力斯奖。

现在，ANNA SUI已经拥有服装、服饰配件、化妆品、香水、家居用品等系列产品，并在世界的许多地方有专卖店。她非常注重对亚洲市场的开拓，事实证明，在亚洲她的影响力也非常深刻。

品牌风格

安娜·苏的魅力在于她的妖艳无人能及。第一眼看到安娜·苏，你会被那抢眼、近乎妖艳的色彩震撼，更会迷醉于她独特的，蕴涵巫女般迷幻魔力的GLAMROCK风格之中。其服装华丽又不失实用性，让时尚的都会女子发挥她们未经启发的无限创意，容许她们随心所欲自由组合，展现她们的独特魅力，张扬个性。

安娜·苏最擅长于从大杂烩般的艺术形态中寻找灵感：斯堪的那维亚的装饰品、布鲁姆伯瑞部落装和高中预科生的校服都成为她灵感的源泉。她所有的设计均有明显的共性：摇滚乐派的古怪与颓废气质。这使她成为模特与音乐家的最爱。

与时装界名人如时装摄影师斯蒂文·梅瑟(Stephen Meisel)，超级模特纳奥米·坎贝尔(Naomi Campbell)、史麦生·帕姆金品牌旗下的詹姆士·艾哈(James Iha)一样，对曼哈顿俱乐部情有独衷的安娜·苏时刻赶超流行风潮。她用摇滚乐海报装点她的小店，贴满了店内以天鹅绒织锦作墙布的墙壁。闪闪发荧光指甲、珠光宝气的服装和超细高跟女鞋组成了完整的配饰。

品牌识别

安娜·苏的设计大胆，而且略带一种毫不在意世俗的眼光，这和她叛逆的性格不谋而合，在简约自然主义领导时尚潮流的今日，安娜·苏却逆流而上，她的设计中洋溢着浓浓的复古气息，和绚丽奢华的独特气质：刺绣、花边、烫钻、绣珠、毛皮等一切华丽的装饰主义都集于她的设计之中。

她选择以代表强烈欲望的紫色来包装其化妆品系列，以黯紫色为主色的包装，周围布满了红艳的蔷薇，像极了70年代妩媚的面粉盒；复古俏丽的化妆品系列让城中女子爱不释手。

品牌故事

拥有中国与美国血统、身为第三代华裔移民的安娜·苏1955年生于底特律，还在小小年纪时，她已经将梦想设定在时装设计上。

Anna Sui相关产品：彩妆 化妆品 手袋 香水 女装

走进Anna Sui的世界，你能够体验到一种时尚界前所未有的创造之旅。她将古典与现代流行融合在一起，创作出摇滚与古典繁复统一的风格。无论Anna的灵感源自维多利亚时期的牛仔、波普艺术大师沃霍尔还是芬兰的纺织印刷品，她对文化的深刻理解都能清晰地折射出来。她说：

“我一旦对什么东西感兴趣，就想知道有关它的一切。我需要知道它背后的东西。我太享受这个过程了!”

Anna对新点子和挑战的不懈追求和探索使她始终能够处于时代的前沿。她是一位真正的时尚先锋，设计师和编辑们都追随着她的脚步。充沛的精力和天才的创造使她的时装发布会始终都能够成为纽约时装周的亮点。

Anna Sui的经历是一个典型的美国式的成功故事。她说：“你必须追随自己的梦想，即使它们看上去不切实际。这个来自底特律郊区的小姑娘怎么可能在纽约打出一片天下？一切全靠这个梦想。”

如今，Anna Sui在5个国家共开设有32家精品店。她的设计在30多个国家的300多家商店里销售。Anna对时装设计的始终充满热情。在四岁时，她就立志当一名时装设计师，并已经开始为自己做衣服了。她采用一种非常严谨的方法将手艺的学习与独特的想法结合起来，例如，发誓同样的衣服一年内绝不穿两次。她说：

“我完全着迷了。我不知道我的父母如何受得了我。”

高中毕业前，她被位于纽约的Parsons设计学校录取了。在那里学习两年后，Anna和朋友Steven Meisel联手为几家运动服装公司做设计工作，然后，她于1980年推出了第一批自己设计的作品。

Anna Sui的业务在整个20世纪80年代继续拓展。1991年，她举行了首场时装发布会。第二年，她在Soho的格林(Greene)大街上开设了第一家旗舰店。该精品店融合了维多利亚时期的黑色家具、紫色墙壁、娃娃头以及摇滚乐海报，形象地反映了Anna Sui的装饰风格，这已经成为ANNA SUI所有精品店的模式。20世纪90年代末是Anna Sui高速成长的时期。她将业务拓展到东南亚地区，并取得了巨大的成功。在那里，她迅速地拥有了一大批拥趸。她还发展了化妆品、香水、鞋子及配饰合作者。她对细节的关注体现在她的每一件产品里，所有产品都与她的世界密切相关。她那代表性的彩装包装盒和香水瓶甚至已成为收藏者的最爱。

Anna Sui以痴迷于她所热衷的事物而闻名。她对摇滚乐的痴迷使她设计的服装十分适合摇滚巨星，她发布会的现场音乐是每个时装季最令人期待的事情之一。她是一个购物狂，这使她成为每个城市最佳购物地方面的权威。她热衷于室内装饰，她位于纽约市的公寓真可以说是一场视觉盛宴。她追随着自己的灵感，继续不断地创造着。她与她的梦想同在。

但颜色与质感不是Anna Sui安娜苏彩妆的一切，它最令人为之疯狂的，是那精致奢华、优雅独特的黑色雕花容器。盒盖上精雕细琢、永不凋谢的蔷薇花图腾，已成为玩家的收藏品。

Anna Sui产品识别：
大部份都是三码批号 例如：K61。其中第一个字母 K 代表产地。
第二个数字 6 代表月，月份的表示为:1 2 3 4 5 6 7 8 9 A B C，共12个月。
第三个数字 1 代表年
所以K61是2001年6月制造的
至于5码, 依序代表 厂 货 月 年 批。也就是说只需看最后三位。
适用于：EL集团旗下所有产品：包括EL、CLINIQUE(倩碧)、MAC、BOBBIBOWN、LA MER、ORIGINS(品木宣言)等。
注意：Anna sui(安娜苏)虽然不属于EL集团，但标识方法是一样的。

Anna sui香水：

Anna Sui Dolly Girl 娃娃头瓶子是Anna Sui著名的人体模型的复制品，香氛传达出夏日水果的愉悦，包括佛手柑、西瓜、苹果、肉桂等让人垂涎欲滴的滋味，衬着绿叶的味道，彷佛微风吹过夏日树梢的清凉。充满青春挑逗与浪漫的香水核心是木兰、紫罗兰与玫瑰、白铃兰、茉莉和马缨丹花的精华。“洋娃娃”以温暖性感的旋律结尾，琥珀结合麝香与树莓、维提味香草与柚木，围绕挑逗着感官。

Anna Sui Dolly Girl Bonjour Lamour 无可置疑的，ANNA SUI Dolly Girl洋娃娃恋爱了，因为这全新的诱人香调绝对令人无法抗拒！香甜灿烂的果香、清新跃动的花香调随著肌肤的？暖更添热情。就好像Dolly Girl洋娃娃拜访了她最喜爱的厨师，与他一起精心挑选清新柑橘及丰盈多汁的水果，以巴黎最浪漫的鲜花作装饰，调制出最完美的佳肴。

Anna Sui Dolly Girl Ooh La Love Anna Sui推出新款限量时尚香氛Dolly Girl- Ooh La Love 我爱洋娃娃！ 延续著洋娃娃女香复古的中国风，我爱洋娃娃更显得神秘而典雅！

美国时装设计师Anna Sui鬼魅娃娃的缔造者————————

她是曾经令Karl Lagerfeld 大感好奇的美国时装设计师，但在中国，可能有很多人是因为彩妆和香水而认识了她的名字。Anna Sui，摇滚乐爱好者，家具收集癖，自从1991 年做了自己的第一场发布会之后，她就不断地将自己所喜爱的新元素融入设计当中。而她的彩妆和香水也同样折射出她那别出心裁、自成一体、包罗万象的世界，并在过去10 年中为她获得了空前的成功。

Anna Sui 精力充沛，爱好广泛。她是一个摇滚乐爱好者，即便在普通日子里她也喜欢盛装，同时她还是一个著名的收藏癖。在她的公寓里堆满了她搜集的家具和各种什物，有时候为了自己的新兴趣，她甚至会装修一所新公寓——她刚入住不久的一所房子，就是以1940 年代美国室内设计师DorothyDraper 的风格为蓝本，用黑色、白色和金色营造出好莱坞老电影的奢华氛围。

在Anna Sui 的内心深处住着一位仍在学校里写学业报告、充满好奇心的小女孩。每一季她都会找到新的兴奋点，做出大量研究，并且将其融入到自己的设计当中。她9 月份刚刚发布的09 春夏系列受到了美国1950-1960 年代的著名室内设计师Alexander Girard的影响，呈现出丰富多彩的墨西哥风情，有几条裙子的灵感来自于Girard 当年的工作伙伴Marilyn Neuhart 所制作的民族风格布娃娃——这些娃娃也是她的藏品。

“我可能很喜欢某样东西，但并不真正了解它，假如我把它融入新的系列当中，就必须要深入研究，这样就能学到更多。我很喜欢这样。”Anna 说。她惯于在搜集材料的过程中获得各式各样的新发现。在为上述的新系列寻找配色方案时，她发现了西班牙画家戈雅的几幅很有意思的画作。“我很喜欢他的画风，你在我的设计中可以找到这些画的影子。”正如很多设计师所做的那样，她试图以积极乐观的新季色彩为沉浸于经济不景气的愁云惨雾中的人们带去一抹笑容。

摇滚风格，洛可可，童话色彩，盛放的玫瑰，好姑娘和坏姑娘……比起不少同行来，Anna Sui 那别出心裁、自成一体的个人风格显得更容易理解，尽管它同时又仿佛包罗万象，很难用一两个词语概括出来。而完美地归纳了她的世界的与其说是一两句话，不如说是彩妆和香水这一大获成功的事业。在中国，大多数人更是先知道Anna Sui 的那有如古董的黑色散粉盒，其后才了解到她是个时装设计师。

1997 年，在时装界获得瞩目的Anna Sui 与德国Wella AG 公司（现在是宝洁高档化妆品部）签订了一份香水协议。在一份三方协议中，宝洁与拥有Anna Sui 彩妆和护肤品授权的日本化妆品制造商Albion 分享了AnnaSui 的美容产品业务。根据该协议，宝洁公司将生产并销售Anna Sui 品牌的香水，而Albion 则负责将Anna Sui 化妆品在日本的生产和销售。P&G 将把Anna Sui 品牌的香水出售给Albion，让Albion 在日本境内销售，而Albion将把Anna Sui 化妆品出售给P&G，让P&G 负责在日本以外的国家和地区销售这些产品。1999 年，Anna Sui 同名香水和彩妆系列诞生——浪漫的蝴蝶，魅惑的蔷薇花，娇俏可爱的洋娃娃，这些甚至比产品本身更诱人的浪漫包装令品牌获得了极高的辨识度。AnnaSui 把化妆品变成了时髦女孩生活中不可缺少的装饰品，让普通的梳妆台因一款洋娃娃香水或一个蜜粉盒而成为通往魔幻花园的入口。

事实上，早在1992 年Anna Sui 在纽约Soho 区格林大街（Greene Street）开设自己的第一家精品店时，她就采用了与后来包装彩妆和香水产品相同的方法。她找到许多自己所喜爱的洛可可风格家具，并把它们全部涂黑。“我们自己油漆家具。我弟弟赶来帮我安置音响和挂海报。”她说。她当时的做法与通常那些Soho 设计师用昂贵面料、定高价的方式有点不同，这恰巧有助于她很快地瞄准客户群。16 年以来，她所做的就是把自己的心灵世界事无巨细地展现给世人，而她的彩妆和香水与她的时装和精品店一脉相承。“我的产品包装大都受到我的公寓和店铺的影响。”她坦言。她将自己喜欢的洛可可家具风格注入香水瓶和包装，并且用她最爱的玫瑰花和蔷薇花来装饰。她起居室里的墙纸变成了护肤品的包装——银色背景上的牡丹花图案。而香水Sui Dreams有个古董式样的银色瓶盖，其灵感是来自于Anna 本人的浴室。

这些同样出自Anna Sui 的奇想世界，而价格比起时装来却便宜得多的产品，面世10 年来为她赚得??言。每年两季成衣秀、大量雇员以及在销售方面的投入几乎全部来自化妆品的销售。这种状况可以说是当今时装界的常规，几乎所有时装屋都在靠化妆品、香水和配饰赚钱——Coco Chanel 当年在No. 5 香水上的成功为每个设计师都上了一课。而Anna Sui 是所有采用这一手法的品牌当中最成功者之一。由于进入的时间较早，身为华裔设计师的她更是在亚洲市场获得了巨大的知名度。而在如今金融危机的背景之下，用相对价廉的化妆品来保证收入，更是各大品牌维持生机的好办法，就连时装王国Giorgio Armani 也正在将更多注意力投入到彩妆和香水上来。

“我觉得有一点很重要，那就是每件Anna Sui 的化妆品都能够折射出我的世界。”Anna Sui 说，“当然，我的主要注意力还是在时装上，但是有的人可能喜欢我的设计却买不起，或者他们想买却没有场合穿，我想你可以从唇膏上获得与服装同样的兴奋感，因为它们都来自于同一个世界。我觉得我的工作就是让每样东西都像我的时装一样激动人心。”

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

“时装就是夹携着穿与不穿游刃于男性化和女性化的两极。时装的终极目标是“赤裸”。”——韦斯特伍德

肉欲主义的装着、浪荡不拘的模样，图样血淋淋的T恤、假皮的灯笼裤、不受传统束缚，绝对抵抗到底的态度，就是VIVIENNE WESTWOOD演绎个人品牌时的重要戏码，使Vivienne Westwood有如前卫派的极致代表。例如以S&M加以转化调味的服装，印满精神标语的T恤，撕裂海盗服的LOOK，Vivienne Westwood也为70的摇滚庞克与80年代的新浪漫主义做了明确的批注。

维维安·韦斯特伍德 Vivienne Westwood（1941-04-08～ ) 英国时装设计师，时装界的“朋克之母”。出身于一个来自北英格兰的工人家庭。她曾是朋克运动的显赫人物，她的成就要归于她的第二任丈夫麦尔考姆·麦克拉文——英国著名摇滚乐队“性手枪”的组建者和经纪人的启发与指点。她使摇滚具有了典型的外表，撕口子或挖洞的T恤、拉链、色情口号、金属挂链等，并一直影响至今。

今年已经70岁的韦斯特伍德曾三次获得英国年度时尚设计师(British fashion designer of the year)称号，并被英国女王授予第二等级的女爵士(DBE)称号。

薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 官方网站：

http://www.viviennewestwood.com/ (英文)
http://www.viviennewestwood-tokyo.com/ (日本官网)

薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 品牌识别：

薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 的Logo是王冠球标志——用黄金和珠宝镶嵌的马耳他十字和一个土星形状的环，融合了英国古典与现代戏谑的品牌最经典的标志。

Vivienne出身于一个来自北英格兰的工人家庭，在经过了3年的失败的婚姻生活后，遇到了这个改变她的男人——Malcolm，或者说他们俩本来就是“一丘之貉”。当时Vivienne还在学校教书，Vivienne的弟弟则在伦敦的一家艺术学院学习设计，他总是带着一帮趣味相投的朋友回家来，这些人之中就有Malcolm。其时，Malcolm Mclaren常把自己打扮得像花花公子一般，穿着不正经的西装和丝绸鞋。他附庸风雅，时常大谈达达艺术，并疯狂收集老唱片。而Vivienne Westwood则是另一种气质，她拥有优美的曲线和运动员般的腿型，说起话来又很严谨，但不知怎么的，Vivienne与她那热衷摇滚的男朋友居然达到了一种默契，那时还在教书的Vivienne在Malcolm决定开店以后彻底解放，也使现代时装史也自此多了一个极其重要的名字。

Vivienne Westwood的设计构思是在服装领域里最荒诞的、最稀奇古怪的,也是最有独创性的.七十年代末,她的设计中多使用皮革、橡胶制作怪诞的时装,膨胀如鼓的陀螺形裤子;不得不在脑袋上先缠上布的巨大毡礼帽;黑色皮革制的T恤衫;海盗式的绉衣服加上美丽的大商标.甚至在昂贵的衣料上有意撕成洞眼或做撕成破条的”跳伞服装”。

八十年代初期一个大胆的做法是;内衣外穿,甚至将胸罩穿在外衣外面,在裙裤外加穿女式内衬裙、裤,她扬言要把一切在家中的秘密公诸于世.她的种种癫狂的设想,常常使外国游客们毛骨悚然。然而也正是这些稀奇古怪的设计元素，使得Vivienne Westwood在时装界独树一帜，形成了她具有革命性意义的时装设计风格。

Vivienne Westwood的服装正是她追求这么一种观念,粗鲁地反对当时的社会政治,抵制传统的程式服饰.她的服装常常使穿着者看上去像遭到大屠杀后一群受难者,但又像是心灵上得到幸福、满足的殉难者.所以,韦斯特伍德被认为是伦敦最有创造力的勇敢的设计家,她的主导思想是”让传统见鬼去吧”!· 她的狂乱的想法也反映在不断更换的店名上.1971年,店名是”让它摇摆吧!”1972年改作”走吧,快得没法活”;继而改作”年轻死了”,1974年改为”性感”,开始为”朋克”经营橡胶和各种原始材质的服装.1977年又改作”叛逆者”她扯出反叛的旗号.她说：“我们的兴趣所在,就是考虑反叛,我们想以此惹恼英国佬……”

Vivienne Westwood说：“服装,是表达每个人的一种方式。”她骨子里的反叛精神，曾经是这位拥有一个“朋克”时装帝国的杰出女性在时装界立住脚跟的制胜法宝。

Vivienne Westwood的创作思想基于政治上的无政府主义和艺术上的反传统精神,八十年代,她以”朋克”为调色板,创造出为现代某些青年喜爱的服饰,她也曾因此被称为”朋克”之母.韦斯特伍德的一些古怪念头总是最初一瞬间里蹦出来,这种思维通常表现为扭曲的缝线,不对称的剪裁,尚未完工的下摆和不调和的色彩,她的目标很明确:就是向时装界的传统偶像挑战。

Vivienne Westwood在时装里所推行的浪漫主义文化。是一种反传统的浪漫主义文化。在她的时装里，从来就没有绝对的“美”这一说，她更多的是借用时装这种方式来宣扬这种扎根于心的反叛精神，而这种反叛精神成就了时装本身的另一面，就是将美丽的自由主义思想转换成装扮“时尚”的刽子手。所有的欧洲年轻人都喜欢 Vivienne Westwood，因为这种时尚对应了他们叛逆的胃口，和追求个性与不断变化的心理。

80年代，Vivienne Westwood创造性的把某种风格类似“迪奥”的正装系列创造性地进行再改造，那些看似不对称的结构和剪裁使得衣服在形式上具有了非常有趣的变化，这样的变化给那些奢侈设计师的崇拜者们带来了新鲜感，同时也成为时装设计史上的又一大创举，“Christian Dior”曾是 Vivienne Westwood的崇拜对象，而在衣服的结构设计上，Vivienne Westwood决不拘泥于一种形式，她把传统的西服样式进行再改造，形成了这一系列既保守、又反叛的充满矛盾性的时装系列。

当中年人和他们的孩子们一样喜欢来点小文身的时候，Vivienne Westwood骑着她的自行车回到了18世纪的法国或者波西米亚王朝。伴随着21世纪以来她华丽、繁复的维多利亚式时装，她的表达也开始变得更加让人难以琢磨，在很多次采访中，她回忽然引用某本书的某个历史章节或者直接给你大讲某段历史，其实我们都忘了，她的年纪的确已经是祖母级的了，显然，一身反骨的Vivienne Westwood在用对历史的参照来反对表面化的新潮，“朋克”精神当然不是黑眼圈或者刺青那么简单。

她每次华丽强劲的出场都让人想起滚石乐队的米克贾格尔，他们都曾无情地讽刺过无所不在的资本主义，现在，他们依然保留着愤世嫉俗或者嘲弄的表情，但他们本身，已经成为了一部强大的赚钱机器。

Vivienne早期的创作灵感都是根源于70年代时期，尤其是当时属于次文化的街头庞克。但将庞克文化中的破坏泄恨，完全不敬的态度加以排除，Vivienne仅抓住街头穿著的基本元素。然而她创意的切入方式，果然引起时尚界对于下层社会与街头庞克的关注!

Vivienne Westwood的设计风格叛逆颠覆，完全不受世俗眼光的拘绑，但是令人惊讶的是，30岁以前的Vivienne Westwood却是一位不折不扣的教师。1941年4月8日出生于英格兰北部，17岁迁移至伦敦，一当接触艺术之后，便对历史甚为迷恋，直到1971年认识了搞乐队的McLaren才开始对时装有兴趣，并为男友McLaren设计舞台服饰 。由于深受赞赏，遂在1972年与McLaren合伙开设第一间精品店，名为”Let it Rock”，74年更名为“性”，76年又再度更改为“煽动者”。而店中多以贩售作风大胆，带有色情意味的皮革服饰，因此在当时深受Heavy Metal支持者的爱戴。

至于对历史与学习的嗜爱，频频回溯历史镜头来勾勒新风格，也成为Vivienne Westwood诠释服装的关键点。例如形同Vivienne Westwood个人符码的肆意切砍设计，也是撷取于历史中的环节景象，将中世纪的武士，从战役中历劫归来时的撕裂狼狈模样而加以演绎。从传统中找寻创作元素，将有如过时的束胸、厚底高跟鞋、经典的苏格兰格纹等设计重新发挥，又再度成为崭新的时髦流行品，无疑是Vivienne Westwood最为擅长之特点。

Vivienne Westwood纵容女人不遗余力，企图藉由服装来解放女人对于性的观念，强调束腰的性感姿态，力求紧身线条来彰显女人躯体，穿著9吋高的高跟鞋蹒跚不稳的走晃着，所有的外显迹象，似乎皆讽刺着当时保守社会的女性的拘谨束缚。

薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 是一位自鸣得意、从不安分的朋克之母。这位英伦女魔头的名字——薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 看起来很温柔，不过她本人的特质却有点像冬日的老树皮，让英格兰年轻的母亲们持续了30年牙疼。媒体偏爱薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood)，因为她怪招频出、不循常规，同时兼具天真和冒险的双重品性，是个挖掘不尽的题材库；设计师们也认可薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood)，因为他们往往在淡化她夸张的设计风格之后，找到了一条通往经典的路。在历史与未来的双重维度里，薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 永不停歇地创造着时装史上惊爆瞬间至今。

薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 设计师生平介绍：

1941年4月8日，白羊座的薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) ，出生于英国柴郡(Tintwistle,Glossop, Cheshire, England)。薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 用的是第一个丈夫的姓：韦斯特伍德(Westwood)。Vivienne Westwood 中文名：薇薇恩·韦斯特伍德，缩写：VW，人称“朋克教母”、“英国女魔头”。

具有讽刺意味的是，薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 居然从未受过一点点正规服装剪裁的教育，这样顶尖的时装大师竟是一位自学成才的典范。薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 曾坦言：“我对剪裁毫无兴趣，只喜欢将穿上身的衣服拉拉扯扯。”她根本不用传统的胚布剪裁，而是用剪开的、以别针固定住的布进行设计，这种以实际操作经验为依据的剪裁方法使她在1979年完成了大量的拆边T恤。

薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 迷恋于撕开的、略略滑离身体的服装，她喜欢让人们在身体的随意摆动之间展露色情，因此，她经常会将臀下部分做成开放状态，或者在短上衣下做出紧身装，或者用一条带子连住两条裤管，奇特的垂荡袜也是她的发明。哦，当然，还有让纳奥米摔跤的有恋物癖倾向的松糕鞋……当然，“如果你穿得够震撼，才能过上更好的生活！”

薇薇恩·韦斯特伍德与麦克拉文 (Malcolm McLaren)曾是最朋克的一对夫妻。朋克风潮过后，1980年，Vivienne把她的店名改为“世界末日” (World End) 至今。她不再当时装游击队，而向巴黎高级时装界的大本营发起了攻击。首部进军巴黎的薇薇恩·韦斯特伍德 (Vivienne Westwood) 作品为“女巫”系列，以内衣外穿为主题，扬言要把一切在家中的秘密公诸于世。成功征服高级成衣界的Vivienne愈发沉浸在英国传统面料与剪裁上，甚至将自己的品牌logo设计得和著名的Harris Tweed苏格兰呢相似，并将传统束身胸衣与带裙撑的裙子从古董店里重新翻了出来。

薇薇恩·韦斯特伍德(Vivienne Westwood) 语录：

○ 我是个反叛者，但我绝不是个局外人！

○ 我对剪裁毫无兴趣，只喜欢将穿上身的衣服拉拉扯扯。

○ 我所有创作的基础就是分析我所做的每一件事，并建立某种理性的框架。一个人唯一可能影响这个世界的就是通过非流行的理念，这种理念是现实世界的颠覆者。

○ 时装就是夹携着穿与不穿游刃于男性化和女性化的两极。时装的终极目标是“赤裸”。

○ 通过缝制，你可以表达出你要说的每一件事，我相信每一件事都在技艺中存在。你无法传授创造力，个人的创造力是来源于技艺的。将创造力置于首位，是20世纪犯的一个可怕的错误。

韦斯特伍德详细介绍：

产业工人家庭出身的Vivienne Westwood没上过一天时装学校，完全靠自学成才。她坦言：“我对剪裁毫无兴趣，只喜欢将穿上身的衣服拉拉扯扯”。而Vivienne Westwood这种看似不成章法的早期创造，却备受其第二任丈夫Malcolm McLaren的鼓励与支持。

深受先锋文化浪潮影响的Malcolm McLaren清醒地意识到“反建设”恰恰是“建设”的另一种表现方式，他说：“把‘文化’搬到街上去，用‘文化’改变人们的生活，用‘文化’来制造‘麻烦’是我最感兴趣的事。”他用自己的知识背景武装了Vivienne Westwood本能性的时装创造，可谓影响了她的一生。多年以后，即便夫妇俩分道扬镳，Vivienne Westwood仍会说：“我唯一的信仰，就是文化。”

整个神话开始于1971年，Vivienne与Malcolm在伦敦的King’s Road 430号合开了间名为“Let It Rock”的店铺，虽然几经易名与改变风格，老巢至今却依旧屹立不倒。Vivienne通过这间店铺贩卖她设计的坡跟鞋，印有挑衅型口号的T恤，以刀片、自行车链条作配饰的服装，引得无数摇滚明星以及日后的摇滚明星慕名前来置装，甚至直接拷贝打扮得像天外来客的Vivienne本人的造型风格。夫妇俩开始在摇滚与艺术圈中渐渐走红，直到Malcolm McLaren将店中五音不全的几位常客凑起来做了一支名叫the Sex Pistols的乐队开始，Vivienne的事业才真正如火箭一般上升。夫妇俩合谋将具有反叛精神的服装风格伙同Punk音乐，一并推向了世界。1975年，Vivienne Westwood甚至因为设计了一款印有***牛仔图案的T恤，而被控猥亵罪。她认为：“我的工作之一就是要直面那些审查制度，并于自由的领域之中寻找我能触及的限度。”时装学者Alison Gill为Vivienne Westwood辩解道：“与文化背道而驰的时装，大胆地触及了某些禁区，混淆了性别与阶级的特征，将一些劳动阶层的符号注入衣物的表层，并因此而具备了鲜明的特征。”

当Vivienne Westwood在20世纪70年代穷尽了“破时尚”的所有可能性，并达到高峰后，她开始考虑“重建”的重要命题。她的首个高级成衣系列命名为“Pirate”，通过古代海盗服装的研究，她突然发现以前丝毫无法引起她兴趣的“剪裁”竟然如此复杂而充满诱惑力。她开始不断深入挖掘大英帝国的服装史，索性与苏格兰北部传统格子呢厂商Harris Tweed展开了深入的合作，索性连自己的Logo都改成Harris Tweed的样貌。在她整个20世纪80年代的设计中，紧身胸衣，格子呢，Savile Row大街的传统英式剪裁方法，再到维多利亚时代的女装风格轮番上阵，有时又以杂糅的面貌出现。她通过对陈旧历史意象近乎玩闹的应用，建立起一个复杂而又奇诡的时装景观。以紧身胸衣为例，Valerie Steele曾在《紧身胸衣，一个文明的历史》中写道：“到了今天，紧身胸衣作为一种时髦的外表而非内衣，刻意被不受限制地穿着了。紧身胸衣长期以来被贬斥为摧残女性的象征，在今天却被构建成女性性感的符号。”由此可见，Vivienne Westwood实则在颠倒时空的时装错乱中，实现了更野心勃勃的文化目标。

进入20世纪90年代，Vivienne Westwood再度将时装的视野拓展到巴黎。她认为：“在英国方面，我们拥有高超的裁缝技术和简洁轻快的风格；在法国方面，设计的完整和均衡性来自于永不满足的完美主义精神。有些事情总是刻意做得更好更精炼，”她认为法国风格之所以乏味在于太过追求完美后，止步于粗俗，“所以，就有了‘我的不理解’，尝试着将两者融合在一起。”她的这番努力，使得在她的时装内部达到了一个完美的平衡。她在这一时期的创作，也是最为大众认可的。

尽管多年以来，Vivienne Westwood已与早年那个经典的Punk Girl的粗糙形象愈来愈远，却在时装制造技术和观念方面赢得了时装界的双重褒扬。她的技术被誉为“可与Madeline Vionnet相媲美”，而她自己则认为“服装的工艺和结构并不重要，它刻意带给你更好的生活。这就是服装的本质，也是服装的特点。”

Vivienne Westwood今季推出全新首饰系列，给fans们带来两种不同感觉。Vivienne Westwood一向以前卫见称，百无禁忌连年轻人都自愧不如。平时大家谈及死亡话题都有意避讳，而她的最新系列Mourning Collection灵感来源正好是悼念离世的亲人的Mourning Jewellery。

Vivienne Westwood访谈：

关于时尚

我喜欢把衣服变得简单，越简单越好，所以它们看上去往往就是一个长方形或者就是一件T 恤衫。我最钟爱的是斗篷。我喜欢就这样将斗篷围在脖颈上，我觉得这再好不过了。试试!

关于流行音乐

我对此丝毫不感兴趣。我非常讨厌这样的噪音污染。通常我出去都是骑单车或者搭 出租车，有的时候也会坐地铁。但我无法忍受出租车里放的音乐。我觉得这真是太可怕了。如果你在某个地方吃饭，而那里正放着音乐，你就几乎没有办法交谈了。

我最近一段时间都住在纽约，朋友带我去了一个非常新潮的餐馆。名模Ivana Trump 刚好也在那里，她非常迷人，但我们还是马上离开了，因为那里竟然也放着音乐。我们一路逃走，而他们在后面大叫:“回来啊，快回来!”太吵了，太可怕了。

关于节食

最近我确实有减肥的想法，我觉得自己比起二三十年前重了。其实要变得苗条些并不难，我正准备着称一下自己，然后开始减肥。

现在我已经有一天半没吃东西了，所以其实我已经瘦下去一些了。我没有什么毅力，如果我早上就开始吃东西，就会一整天停不下来。有的时候，我会吃块黑麦饼干，有的时候，我什么都不吃。今天我买了一袋西洋芽菜，如果我觉得饿了，我会把它拌着橄榄油来吃。我想我在晚上吃的东西要比白天多。

关于洋葱汤

你需要做的就是把洋葱切成片，在出门之前用最小的火煮着，等你再回到家里的时候，你可以往汤里面再放一些先前切好的剩下的洋葱片，再加点芝士。这实在是非常美味。我每天晚上都会煮点儿不一样的东西。

关于上帝

我觉得所谓的宗教信仰简直就是场灾难。这也是为什么我认为托尼·布莱尔完全就是个白痴。“让我成为一名改革者，我能拯救世界。”这想必就是他做事的准则。我真不明白他怎么能够受得了自己。

凭着信仰自我膨胀起来是非常可怕的。所有的关于信仰的书籍都是虚构的—从没有摩西存在过，他是一个虚构的人物，就像鲁宾逊那样。这些都是假的，而非真实的。

关于物质与消费

我并没有说不要消费—而是说少买一点。我也并不是说完全不能去迪斯科俱乐部，而是说少去一点。你可以去做些其他的事情，思考一下怎样才能让这个世界变得更加美好。在英国著名记者Jonathan Dimbleby 的电台节目里，一个女孩子提出这样的问题:“什么是文化，怎样才能了解它?”没有人能够回答，因为没人懂得什么是文化。

关于为自由而战

没有自由和公正就提不上文化。这也是为什么当一个人被误囚时，你需要站出来反击。人们应该发挥自己的潜能去尽可能多地了解这个世界。每个人都应该努力完成自己最终的目标，当有人想要从他们手中夺走属于他们自己的生命和自由的时候，那是绝对不能被允许的—这正是为了真正的文明而战。

我一直以来都为那些被误囚的人而战，为他们能够得到公正的对待而战。据我们所知，这些人甚至没有经过公正的审讯就被拘捕起来了，而他们仅仅被告知自己的罪因是恐怖分子嫌疑犯。到如今，这竟然演变成了彻底的软禁—这些人的处境非常可怕。

关于布莱尔首相

他只会继续造成损害。如果他不存在，那么多无辜的人就不会死去。在我看来，他简直就是个恶魔。玛格丽特·撒切尔决不会这样做。我曾经是名教师。我比布莱尔大出12 岁，我敢说他在学校里一定是个自我膨胀的马屁精。

关于超级模特

有一次，Jerry Hall 在后台候场，她往自己身上喷了一些香水—你能够想象吗? 她对我说：“我能赤着脚上场吗?”她希望能够把鞋子踢掉。我的丈夫Andreas 非常喜爱Naomi，他称她的走台是“世纪之步”。他认为Naomi 就是女神，是上帝的宠儿——而Naomi 确实如此。

我们也非常欣赏Linda Evangelista，她对衣服有着很好的悟。她非常关注设计师的想法，也的确能够明白这些想法。有一次，我们用了一个非常极端的妆容，她看到有个人在乱动，破坏了妆容，就当即谴责她说“: 你别这样乱弄，赶快回去让化妆师重新补一下。”而有一次，Linda 一直等了我半个小时，只为了对我说声谢谢—当时我甚至没有意识到她是在等我。

关于谁来执政

我认为这就取决于人民和领导者本身了。如果是我的话，我会让维珍集团的理查德·布兰森来当首相。如果他不用继续同时兼顾着他的生意，他一定能做得非常出色。Bono 一定能替代Hilary Benn 胜任国际发展部国务大臣的工作。

我会让《独立报》记者Robert Fisk来做外交联邦大臣，而人权团体Liberty的现任主席Shami Chakrabarti 来管理民政事务，导演Neil McGregor 管文化，Noreena Hertz 教授则担任总理。这些人一定会马上废除软禁、恢复人身保护权，因为这些人有着最起码的良知和判断。

关于电视

尽管我从不去电影院，但有的时候，我也会看看电视新闻—看电视和去电影院都是很被动的体验，这完全不像是在剧院，在那里你可以想想东西。我从电视上看到帝国大厦倒下，也看到马丁·巴舍尔就迈克尔·杰克逊猥亵男童事件对他所作的采访。其他的我就没有看到多少了，除了去年圣诞节我丈夫Andreas 在看的音乐剧，我也看了一点。

关于女爵士的头衔

有的时候，这个头衔也会有些震慑作用，就好比在为反恐事业做些什么的时候，他们会称呼我Vivienne 爵士，但我宁愿人们叫我Vivienne 或者Vivienne小姐。

薇薇安韦斯特伍德设计风格：

韦斯特伍德的设计构思是在服装领域里最荒诞的、最稀奇古怪的，也是最有独创性的。七十年代末，她的设计中多使用皮革、橡胶制作怪诞的时装，膨胀如鼓的陀螺形裤子；不得不在脑袋上先缠上布的巨大毡礼帽；黑色皮革制的T恤衫；海盗式的绉衣服加上美丽的大商标。甚至在昂贵的衣料上有意撕成洞眼或做撕成破条的”跳伞服装”。

八十年代初期一个大胆的做法是：内衣外穿，甚至将胸罩穿在外衣外面，在裙裤外加穿女式内衬裙、裤,她扬言要把一切在家中的秘密公诸于世。她的种种癫狂的设想，常常使外国游客们毛骨悚然.她甚至可以使衣袖一个长一个短，长的到四英尺，撕成碎块，拼凑不协调的色彩，有意缉出的粗糙缝纫线，总之，这些都成为她的设计手段、或者说设计风格。

在这个时期，Vivienne的设计风格开始脱离强烈的社会意识和政治批判，开始重视剪裁及材质运用，早期所发表的多重波浪的裙子、荷叶滚边、皮带盘扣海盗帽和长统靴等带有浪漫色彩的海盗风格，一跃上国际流行舞台立即备受注目，到了80年代中期Vivienne开始探索古典及英国的传统，到了90年代的Vivienne设计出不规则的剪裁和结构夸张繁复的无厘头穿搭方式、不同材质和花色的对比搭配等，已经成为Vivienne的独特风格。

韦斯特伍德经典设计：

vivienne的设计最令人赞赏的是她从传统历史服装里取材，转化为现代风格的设计手法，她不断将17、18世纪的传统服饰里的特质拿来加以演绎，以特别的手法，将街头流行成功的带入时尚的领域；还有她将苏格兰格子纹的魅力发挥的淋漓尽致，将英国魅力推到最高点。从传统中找寻创作元素，将有如过时的束胸、厚底高跟鞋、经典的苏格兰格纹等设计重新发挥，又再度成为崭新的时髦流行品，无疑是Vivienne Westwood的经典作品。

品牌识别朋克教母Vivienne Westwood惯用的皇冠、星球及骷颅、以高彩度的色泽出现在胸针、手链、与项链设计上，增添不少冷艳时髦的俏丽模样。

韦斯特伍德设计评价：

如何评价韦斯特伍德的设计呢?对她的创作的评价,连她自己也说不清楚，或不耐烦.她有艺术家的创作激情，但缺少政治家的清晰头脑.不过正如她所坚信的，文化反映了社会，而时装则是社会文化中必然显露的一部分，她的创作所代表的正是现代社会的所谓”亚文化群”.正是她的创作思想基于政治上的无政府主义和艺术上的反传统精神，八十年代，她以”朋克”为调色板,创造出为现代某些青年喜爱的服饰，她也曾因此被称为”朋克”之母.韦斯特伍德的一些古怪念头总是最初一瞬间里蹦出来，这种思维通常表现为扭曲的缝线，不对称的剪裁，尚未完工的下摆和不调和的色彩，她的目标很明确：就是向时装界的传统偶像挑战.尽管她常常以十分崇敬的口吻提到夏奈尔、维奥内、阿玛尼，但她的创作成果却是反对他们的.她曾把一位遵守传统的女装设计家L·阿许莉称之为最蹩脚的设计家，”她把妇女打扮成小孩,像躲在卧室里的小可怜或傻瓜一样.”

历史从来都是由不满历史者来撰写的.改变现状，反对传统服饰，这在二十世纪服装史上已不是鲜见的主张了，但像她这样对传统高级时装的彻底否定，用反传统的粗暴方式来冲击服装美学，无疑在八十年代她是独树一帜的，她的影响不可能不波及时装界.1982年，英国杂志《观察者》称韦斯特伍德是”英王道上的皇后”.文章说,世界不能否认她的影响，从”世界末日”到巴黎舞台，她作为一个先锋战士，一个现代文化之母，其创造性思维启迪了许许多多的现代设计家，她为他们打破了桎梏，冲击了所谓”窒息的时装沙龙”.

社会就是这样的一个奇怪组合，韦斯特伍德和”朋克”对传统时髦的藐视,对传统美的摒弃，却使这种反时髦反时尚的样式又成为一种新的时髦、新的时尚.如果说韦斯特伍德的设计常常因过于极端，是欲速不达的话，那么其他设计家则因淡化她的过激方式反而开创了时装设计的新路子.

即使用“颓废”、”变态”、”离经叛道”等字眼来形容韦斯特伍德的服装，也绝不过分。因为她那种长短不一，稀奇古怪，没有章法的服装着实让西方时装界大吃一惊，人们可以不恭维她的杰作，但不能不被她的独特的设计思想而震慑。不管对韦斯特伍德的设计或褒或贬，但人们不得不承认她那罕见的，乖僻古怪的设计思想对当今服装界的贡献。她的设计迎合了八十年代时髦青年的欢迎，尤其是伦敦的青年”朋克”、”特迪哥儿”，使得韦斯特伍德的服装成为具有世界影响。海福尔德评论说：”她是过去十年里英国最有影响的设计家，她的设计思想从根本上改变了我们的服装观念。”尽管她的设计没有成为巴黎时装界的主宰，也未能形成潮流，但她的影响主要是在观念上的，她的设计观不但极大地冲击了传统时装界，而且代表了激进的年轻一代.某种意义说，她像六十年代的玛丽·奎恩特一样，给予这个时装世界剧烈的撞击。

薇薇安韦斯特伍德作品欣赏

薇薇安韦斯特伍德作品欣赏

薇薇安韦斯特伍德作品欣赏

薇薇安韦斯特伍德作品欣赏

薇薇安韦斯特伍德作品欣赏

薇薇安韦斯特伍德作品欣赏

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“为我设计的衣服辩解让我很不舒服。”——薇薇安·韦斯特伍德

薇薇安·韦斯特伍德向来不按常理出牌，她的设计作品如此，行事风格亦是如此。

四五岁的时候，薇薇安·韦斯特伍德就突然明白了些什么。“我第一次看到耶稣受难的油画时，就失去了对我父母的尊重之心。忽然间，我意识到成人世界里尽是残忍和虚伪。”那时候，她住在奔宁山脉脚下一个名叫丁特维斯特尔的小村庄里，父亲在华氏香肠厂工作，母亲在当地的一家蔬菜水果商店帮忙。“我觉得我的父母骗了我，他们只跟我讲圣婴耶稣，却不告诉我在他身上发生了什么。”

此时此刻，我们正在薇薇安·韦斯特伍德帝国位于巴特西总部的办公室四层，围坐在一张到处是胶水、剪刀和图纸的桌子旁边。她身着剪裁精美的细条纹套装，耳环摇曳生姿，妆容也比平时更浓，她解释说，这是为了摄影师拍起来好看。“我会告诉你们我还是个孩子的时候是什么样子，”韦斯特伍德女士说道，“我是个挺好的人，精神头很足，还很喜欢读书。我对童年的印象就是，别的孩子不怎么关心别人的苦楚，但是我关心。”

已年逾花甲的韦斯特伍德女士，不仅是英国最受欢迎的时尚设计师，更是各种话题缠身——为人母，身家数百万，不着内裤就兴高采烈地去接受女王授衔，获得夫人的封号，高高兴兴地嫁给小自己二十五岁的男人。然而，有一样不会改变：她不同于绝大多数人的时尚品味。“我就是觉得自己在跟循规蹈矩、整齐划一作斗争，”韦斯特伍德女士如是说。

仿佛是为了印证这一点，她公然宣称：“我要说的话听起来可能有点恐怖。我们正在走向毒气室，我说的是毒气室不是浴室。我们都要被杀死了。人类面临着大规模灭绝的危险。”

韦斯特伍德这种反乌托邦的理论的形成要追溯到好几年前，那时她开始读詹姆斯·洛夫洛克的著作，这位环境学家因为提出盖亚假说而名声四起，他认为地球的运转就像是一个巨大的活器官。

洛夫洛克认为，过去的两百年中，人类排出的大量二氧化碳导致沙漠以惊人的速度像地球的两极蔓延。“我一直觉得我们的环境有大问题，”韦斯特伍德女士说道，“但是我没有意识到问题这么紧迫。詹姆斯·洛夫洛克的书里写道，到本世纪末地球上将只下剩十亿人。”这就意味着到世纪末会有六十亿人死去。“他把这个称作自然选择。我认为他是极其伟大的天才，可以跟达尔文或者爱因斯坦齐名，但是比他们更不可思议。”

基于对洛夫洛克著作的阅读，韦斯特伍德女士声称，一旦全球平均气温水平超过了某个临界点，就会失去控制的呈螺旋趋势上升。“如果气温上升了两度，那么就会发生多米诺骨牌效应，它还会上升五度十度乃至更多。最终，如果以巴黎的水平为标准，那么低于这个水平的地区将不宜人类居住，”她警告说，“就没有人再去弗洛伦萨了。”

我们此次与韦斯特伍德女士会面是因为，步入古稀之年的她刚刚宣布将为凉爽地球组织（Cool Earth）捐赠一百万英镑善款。工党下院议员弗兰克·菲尔德于2007年成立了这个热带雨林组织，该组织致力于阻止之前描述的那种可怕的未来成为现实。韦斯特伍德女士此举将她过去三年来对公益慈善的参与推向了顶峰。去年，她为该公益活动专门设计生产了20张桌布，每张桌布售价1000英镑。不过这些漂亮的桌布真能拯救地球吗？

世界上的公益组织那么多，为什么韦斯特伍德女士单单挑中了凉爽地球组织？我提出了我的疑问。“我就从我对整个世界的看法谈起吧，”她说，“资本主义制度向地球、其他有价值的商品以及劳动力索取利益。在这样的制度下，富人更富，而穷人更穷，摆脱这种状况的唯一方法或许就是发展。然而，发展意味着透支未来，这会让情况越来越糟糕。我们要改变道德伦理观念，改变现有的财政制度，改变我们对世界的全部看法。这个世界应该是让人们好好生活下去的世界，就是可以持续发展的世界，而不是让人们活不下去的世界。”也就是说，60多年前，小薇薇安眼中的那个虚伪、残忍并且充满谬见的世界，不一定会成为我们人类的命运。

难道我们如今的首要任务不是把银行家钉在耻辱的十字架上？或许这样我们就能拯救热带雨林？“看上去金融危机和气候变化没什么关系，但是它们其实是相互关联的，”韦斯特伍德女士回答，“我们总是任商人们为所欲为，而人们见识了太多的错误做法，已经麻木不仁了。一个人的力量是有限的，所以我决定把注意力集中在热带雨林上。”九月，她发布了她2012年春夏的“红牌”（品牌名）系列时装，同时呼吁大家支持她募集700万英镑善款的宣传活动。“我们必须今天开始行动，明天就来不及了，”她随后说道，“过去的四十年来政府一直在讨论拯救热带雨林，但是现在热带雨林只剩下一半了。”

这次的宣传活动名为“灭绝，毫无乐趣可言”（当然这还需要个副标题：“去问问渡渡鸟就知道了。哦对了，你问不成了。”）如果你登陆宣传活动的网站（nofunbeingextinct.org），花3英镑就可以拯救三棵树。这项活动就是为了羞辱世界银行的此前做法：2008年，世界银行募集了600万美元（约合390万英镑）用于解决乱砍滥伐问题，然而却自己侵吞了90%的善款。根据凉爽地球的数据，目前为止，该组织仅支出了1500万美元（约合1000万英镑），并且全部在管理部门和顾问的监管下完成。

韦斯特伍德女士对凉爽地球组织的支持，仅仅是她进化为政治激进主义者的诸多行为之一。她还长期支持全国公民自由理事会（Liberty，全称National Council for Civil Liberties）和核裁军运动（CND），但是近年来，她似乎下定了决心要支持所有的公益事业。她最近更新的博客就显示出她种种激进行为的蛛丝马迹：为难民委员会募集善款，在《泰晤士报》上宣布对环保者的支持，参加团体运动——旨在使明年举办的伦敦奥运会不适用塑料袋，转载来自肯尼亚Uaso Nyiro小学校长的感谢信，感谢她捐赠的书籍，还在后面加上她的个人评论：“这所小学1992年就成立了，但是一直都没有图书馆。现在他们有了，还命名为‘薇薇安·韦斯特伍德图书馆’——太棒了！”

但是，一面为拯救地球而奋斗，一面又为自己设计的消费产品（不可否认确实非常漂亮）要价颇高，这么做是不是有点自相矛盾呢？“我和安德列亚斯（全名安德列亚斯·科伦泰勒，时尚设计师，1992年同韦斯特伍德结婚），一直努力追求产品的质量，而非数量，”她回答道。去年九月发布新一季时装的时候，她曾说道，我们应该六个月内不买衣服。当然，这肯定能让销售人员急得搓衣角。不过或许不会，因为她还说：“我的意思就是，买衣服要少而精。”这就好像在暗示说，你应该花大价钱买一条韦斯特伍德设计的裙子，而不是定期到普里马克买一推车的廉价货。

“为我设计的服装辩解让我不舒服。十五年来我都非常讨厌时尚时尚。”为什么？“因为时尚不是什么智力劳动，我想要读书，而不是制造时尚，尽管我擅长这一行，但这并不是我的全部。”1979年在伦敦奥林匹克公园，她和马尔科姆·麦克拉伦一起合作完成了她的第一场时尚秀，也就是在那是他们发布了海盗系列时装，该系列后来成为了新浪漫主义装扮的典范。“我看着这场秀，真的很着迷。觉得自己做成了一些事情。”之后的职业生涯里，她再也没有找到做这场秀的那种激动和兴奋的心情，但她还是重新爱上了时尚设计：“目前我从事的工作让我很快乐，因为所有事情正在相互契合。”就算到了八十岁，她也不会考虑退休。“我真的想要继续下去。”她暗示说她的丈夫可能不会，尽管“安德列亚斯正在思考他的立场，他是个完美主义者，压力会很大。”

上个月，她又将支持投向那些圣保罗教堂外占领运动的游行示威者。她到那里告诉每一个愿意听她讲话的人，他们应该到伦敦的艺术廊去，成为反对资本主义、消费主义和庸俗主义的自由战士。为什么这么做？“这必须跟消耗同时进行，如果你去了艺术廊，那么你不仅仅是在投入精力、时间等等，你也在收获。热爱艺术的人可以抵御住外界的宣传鼓吹。

四年前，她撰写了一份长达22页的宣言，言辞怪诞而兴高采烈，其主旨是要将人们从平庸中解救出来，被人们称作“积极抵抗”。文中她引用了奥尔德斯·赫胥黎的话，三种邪恶的事物折磨着这个世界——民族主义的偶像崇拜，永不消停的娱乐行为和有意为之的谎言。曾经她一度认为娱乐是其中最邪恶的（她不看电视），而现在，她的观点发生了改变。“其实有意为之的谎言才是最糟糕的，它成为了人们必须消费、或是政客们言之有物的准则。”

但是为什么占领运动的抗议者们应该到国家美术馆门口排队去看莱昂纳多？“因为艺术或许是对我们所居住的这个世界的无声批判，将我们的世界同并不存在的美好世界进行对比。伟大的艺术总是会让我们扪心自问，一切是不是可以更好？”

据韦斯特伍德女士自己说，她坚信艺术对革命的影响力，而这种信仰源于两件事：首都中心地区以外的成长背景，以及同麦克拉伦（去年死于癌症，享年64岁）的关系。“我成长的地方文化非常有地域特点，我不知道古典音乐和美术馆。17岁的时候我们全家搬到了伦敦，我开始试着去更多的了解这个世界，觉得自己真是太蠢了。”她进入艺术学院学习时尚和金银首饰设计，学习了一个学期。为什么去学院，而不是去大学满足她对知识分子生活的热情？“我想跟男人找乐子，所有的怪胎都去了学院。”

离开艺术学院之后，薇薇安·斯怀尔（薇薇安·韦斯特伍德出嫁前的原名）嫁给了一个工厂学徒，德瑞克·韦斯特伍德。1963年他们的儿子本诞生了。而这场婚姻仅仅从1962年持续到1965年，以她与麦克拉伦的相遇而告终。当时的麦克拉伦是一名情境主义学生，同时也是激进分子，后来成为了性手枪乐队的经理。那时韦斯特伍德在一所小学当老师，同时也自己制作一些珠宝，拿到波托贝洛的市场去买。麦克拉伦哪里吸引了她？“他来自葡萄牙-犹太的混合家庭，受多国文化影响，他的迷人之处在于他仿佛总是知道正在发生什么，而我毫无头绪。”1967年，他们的儿子乔伊出生了。

麦克拉伦和韦斯特伍德的标志性时装精品店在国王街开业了，安全别针、拉链、撕口和紧身裤，这些颠覆性的设计大受机车族、性工作者和恋物癖的热捧。“设计朋克系列的时候，不是我的主意而是他的。我真的很想做点什么帮忙。我对人权很感兴趣，我开始反对皇室，因为在我看来，女王就是虚伪的象征。”

而如今，韦斯特伍德对授予她封号的女王要更宽容些。“如果你的政府正在做很可怕的事情，比如支持秘密引渡航班，你怎么办？我们不一定非要指责女王，没准儿她也不是虚伪的象征。我不是民族主义的爱国者，但是我喜欢皇室所做的事情，他们赋予了英格兰人民统一的身份。我不是说她修养很差，不过或许是很差，谁知道呢。”

她把查尔斯王子看作志趣相投的同志：“他做了数不胜数的事情，也确实设置了种种标准。他为圭亚那和挪威两国牵线搭桥，达成了一项热带雨林协议。他知道人之所以为人，就是因为我们能够通过文化表达自己的感情。

就在韦斯特伍德女士让我尝试到一种新体验之前（一位夫人亲吻我的嘴唇作为告别吻），她为《卫报》的读者提供了一些建议：“试着不再匆忙度日，试着去参与，去观赏艺术，你将会成为一名自由战士，将会为一个更好的世界工作。”这是你对自己的看法吗，我问道。“我知道什么吗？”她微微一笑，“我不过是个时装设计师。”

[VIA:译言]

贝尔道克是一个以从事服装设计为主的设计多面手，看他的样子就知道他永远都不属于那种害羞得要将自己想法封闭起来的人。他标志性的大胡子、健壮的身形，还有甚为得意的一丝不挂的个人标志，再加上他的设计——令人眩目的充满色彩和对未来憧憬的设计，种种这些表现与低调安静的安特卫普显得有些出入，但却也像是给白汤加入了一勺盐。事实上，贝尔道克用解构主义的方式为安静得有些冷酷的安特卫普增添了味道，作为比利时时尚界的资深前辈也同时影响了许多后来的年轻设计师。

Walter van Beirendonck的设计具有强大的活力和爆发力，完全不顺应传统的审美常规，并且总能源源不断地带来夺人眼球的新作。Walter van Beirendonck的设计作品充满了色彩与能量，他擅长把艺术与时装相结合，在昆虫、运动、色彩、牛仔、童话中找寻灵感。

时装设计师官方网站：http://www.waltervanbeirendonck.com/

访谈：

Q：您觉得对自己文化归属的模糊是否有助于创作？
A：归属和身份并不重要，重要的是在哪里怎样成长起来，当然受到的教育也很重要。
Q：您的作品充满了幻想和孩童般的稚趣，像梦，有时候又像童话。怎样理解它们呢？
A：我非常喜欢孩子们天真的举止。一旦他们长大，我们的社会体系就会把他们彻头彻尾地同化。逐渐地，他们就很容易失去了自己点燃幻想的能力。这就是我为什么喜欢在我的作品中表达孩子气。说实话，有时我喜欢行动做事像个纯真的无忧无虑的孩子。但也时刻提醒自己注意彼此的差别！

Q：您对亚洲文化有什么印象？有没有影响您的创作？
A：我对日本的印象非常深刻。那里的人们很了解我，了解我为什么收集玩具，了解我为什么有时像个孩子。他们也很喜欢我的服装中的图案、色彩和创作的态度，有人支持的感觉真的很好！
Q： 有没有来中国的计划？在这里您也许可以找到一些有趣的灵感，比如一些少数民族的刺绣和染布的方式，都很有意思。
A：我没有去过中国，但我做过很多和中国少数民族有关的研究。我最喜欢苗族人的服装和配饰。
Q：如果有人正在谈论您的作品，您比较期待听到哪些言论？
A：原创的、耀眼的、有力的、诚实的、越界的、有趣的。

Q： 在您的大部分发布会中，模特就像雕塑一样展示服装，很少走猫步，这是否是您独特的表达方式？
A： 动态地走秀和静态雕塑式展示我都会做，重要的是我想营造一个什么样的展示气氛。
Q：您在1985年作了老师，可否谈一下那次的经历？
A：那时是因为安特卫普皇家艺术学院安排我去替代另一个老师的课程。在做老师这方面我真的没有明确的目标或是雄心壮志。但是第一次教课我就喜欢上了当老师的感觉。总之，我一直在告诫自己：不要停下脚步，培养对自己对所从事事业的热爱。
Q：您现在一直在安特卫普皇家艺术学院教书，您对学生“好”的定义是什么？您觉得自己在上学的时候是一名好学生么？
A：我觉得是的。我们同一届毕业的同学现在是非常著名的“安特卫普六君子”。我对好学生的标准是天分、野心、信仰和耐心。
Q：可否给中国正在学习服装设计的学生们一些建议？
A：相信你的创造力，对未来充满信心的同时要耐心等待。

Q：您对成功的定义是什么？您觉得自己成功吗？
A：说不清。我不是很有钱，但是我很热爱我每天做的事情，我很开心。
Q：哪季的作品是您最满意的？
Q：服装设计师这个职业一开始吸引的你的是什么？您是怎样走上服装设计这条路的？
A：我喜欢研究有关穿着打扮的事情，我喜欢看起来与众不同。小时候非常喜欢大卫.鲍伊（David Bowie）的音乐。后来我到了比利时安特卫普皇家艺术学院学习，那时侯我知道了我想要成为一名出色的服装设计师。
Q：您对材料有什么特殊的喜好？
A：但凡是材料都能做出点名堂，但是我还是喜欢在其他的艺术设计领域而不是服装设计中探询材料的奥秘。
Q：从您开始走上设计这行到现在，您学到的最有价值的知识是什么？
A：相信自己的天赋，不断地坚持。真正的设计一开始是在为自己而做，而不是为别人做。
Q：您怎样经营自己的品牌呢？我们知道您没有任何商业运作的经验和背景。
A：把产品销售到市场上并不是一件容易的事，因为我们产品的数量不是很多。值得庆幸的是我拥有一批非常忠实的客户，他们追随贝尔道克的品牌已经有很长的时间。如果客户能处在我们的角度思考，我们就可以一起合作。但如果客户要求难以符合我们的工作规律，那就会很难。我们的公司太小，它的运行是以我的工作方式为主导的，这就是规则。能做到这样很不容易，因为结果往往是不能保证的。我在一个很小的公司结构中运行这个规则，也冒着一定的风险。

Q：您在比利时出生、成长、工作和学习，这给您的设计带来了什么不同？
A：比利时让人感觉非常舒服，在这里可以安静的工作和思考。但比利时并不封闭，这里和伦敦、巴黎和米兰离得非常近,时尚信息非常灵通。
Q：您最喜欢安特卫普哪里？不喜欢那里？
A：我喜欢安特卫普，因为这里是一个安静的小城，像世外桃源。不喜欢的是这里有时实在是过于安静了。
Q：请列出您平常生活必须的六种东西。
A：爱、美食、性、创造、音乐、艺术。

Dazed Digital：是什么样的灵感让你开始设计？
Walter van Beirendonck：主要的原因是在David Bowie’s Stardust时期，我喜欢这样的事实，因为你可以通过改变你的影像来表达你不同的想法。

Dazed Digital：80年代你在安特卫普的时候，很喜欢和Ann Demeulemeester, Dries Van Noten and Dirk Bikkemberg一起研究，那是怎样的情形？
Walter van Beirendonck：刚开始并没有意识到这是多么令人兴奋的事情。我们在一起做了很多的事情：学习，旅游，舞会，音乐会等等。我们毕业后，还曾在比利时参加演出然后一起前往伦敦。我们知道经历这些很有助于工作，但不知道它会变成什么？

Dazed Digital：在80年代中期，你的系列都展示在伦敦时装周了？
Walter van Beirendonck：我们的作品在1988年的时候又展示过，那是主要是因为想离开比利时，因为我们当时无法吸引到国际媒体，当时觉得伦敦市最好的去处，而且相对较便宜。我们六个一起诚实的走过。Ann Demeulemeester, Dries Van Noten, Dirk Bikkembergs, Dirk Van Saene, Marina Yee和我自己。在那里，我们就是“安特卫普六君子”。

Dazed Digital：你的性别和一般的性别，都会通过你的作品表现出来，你为什么喜欢通过时尚去讨论这些？
Walter van Beirendonck：我并不是说想讨论这个问题，但它是我的一部分，这是非常重要的。在我的第一本，我对艺术家艾伦琼斯感兴趣。我认为通过这些我来到了拜吴教的元素中，这并不代表我是积极的参与拜物教，而是这些元素更加的吸引我。

Dazed Digital：如果允许人们去考虑性别方面，你觉得重要吗？
Walter van Beirendonck：我很惊讶，在2010年人们仍然会对性别和性元素、种族和宗教感到震惊。在人们看来，这些差异是完全正常的，我感到很困惑，这不是每个人都这样。我想实现一个开放的视野，我想表明，社会上有很多事情在今天是可能的。

Dazed Digital：在毕业之后的几年里，你推出了著名的90年代的Wild和Lethal Lrash的标签，你觉得落后的思想是什么？
Walter van Beirendonck：野马公司的牛仔裤是我第一次建立自己街头时尚形象的开始，当我去看我的投资合作的公司是，他们很惊讶于我街头时尚的外观，我告诉他们我的想法，并希望他们能给我一次机会在公司内部建立一个青年路线。于是它开始作为一个街头的项目和像一个高端设计师路线一样结束。

Dazed Digital：它的吸引力在哪里？
Walter van Beirendonck：我觉得它是在适当的时候和适当的感觉用正确的产品。这个时期是一个关于光明的未来具有前瞻性的试验，而且它真的很适合一代人。最终，Wild和Lethal Lrash的标签还是变成了“Prada”运动时期的受害者，90年代的结束让所有的东西再次陷入黑暗之中。然而风格是微不足道的，还有尼龙和黑色。背后的公司也希望我从这方面去发展。最后，我选择走出公司，离开在我背后的一切。这是一个关于拿钱和去创造的决定。

Dazed Digital：你喜欢你觉得能找到自己的地方吗？
Walter van Beirendonck：是的，我总感觉我在时尚里有一个特别的地方，我从来没有用较传统来武装我的时装世界，但我很喜欢那个位置，有点像一个局外人。

Dazed Digital：在Walter VB系列中有很大的政治和社会因素在里面，在你的文案和图形使用当中，你的灵感来自于哪里？
Walter van Beirendonck：在比较老的系列当中，像Wild和Lethal Lrash。它确实成为了我的个人陈述，我想传达一些更大规模的想法，只有衣服的外观和年轻人的文化。我真的为了各个系列涉及广泛，我所有的设计，音乐，模特以及每场时装表演的造型都包揽了。藏品是我理想的延伸。

Dazed Digital：正在运行的系列中有你延伸的想法吗？
Walter van Beirendonck：每一个系列都有他独特的部分，以我在世界中看到的正在发生的事情为主，但在我的成分里都是差不多的。民族的鼓舞，部落和仪式不同的方式一直都保持着，像是改变了人们的时尚和性别的边界。我喜欢这种张力，也试着去影响张力。

Dazed Digital：你是否想要在男装中建立什么新的想法？
Walter van Beirendonck：我并不是说想让男人去穿女人的衣服，我只是简单的使用了男人和女人上的伦理的原理。我不想去仿造一个女人。例如，在新的系列中，我们会让男人涂上红唇和红指甲，这些被认为是女人的专利的事情我觉得很有趣，当把这些放在男人的身上时看起来也真的很阳刚。这男性的阳刚之气对我很重要。

Dazed Digital：在你的设计里以一些大的人，在T台上也有一些比较著名的同性恋“熊共同体”，是什么让你想这样做？
Walter van Beirendonck：在1995年的第一次时装秀被称为Bear和Fairy Tales。在那个时候，Bear的场景是很小的而且在欧洲还没广为人知。于是我从伦敦带了很多模特过来。我发现能展示男人的不同部分真的很有趣，因为在那个时候很多人都会用一些比较弱小的，只是一些人会用健壮的模特，真的相当吓人。

Dazed Digital：在巴黎你是否只展示近期的作品，“entitled Read My Skin”。在这个系列背后有什么灵感呢？
Walter van Beirendonck：我很茫然怎么今天每个人似乎都有一个错综复杂的背景。在安特卫普学院学习的时候，我的学生父母都有来自全世界的，他们都有着复杂的国籍和复杂的文化。我感觉是一个新的世界正在生长，在这里，每个人的国籍都被混合在一起然后产生一个新的种族。也反映相互人们可以以他们的肤色去评判。我使用刺绣和针织设计出窟窿的衣服以至于你们可以看到衣服下面的皮肤。

Dazed Digital：你认为风格和新一代联系上重要吗？
Walter van Beirendonck：是的。我明确的认为这件事是充满感激的。没有和我的读者一起得到灰色的东西。现在正和一个年轻人一起工作，是一个很重要的时装设计师。与年轻一代分享信息，但也向他们学习。

[请保留：后时代]

贴身柔和的时装似乎与硬朗刚毅的金属材质毫无关联，但充满想象力的设计师却运用剪裁、面料创新等手法，让不可能变成服装的金属感成了潮流中最不可或缺的元素。流动曲线的设计变成了软性金属，时装梦想里，一切都是可以实现的。

在面料创新上，Giorgio Armani总是不遗余力。各类高级材质运用到面料研发，已呈现与众不同的视觉效果成了Giorgio Armani除了设计看点以外值得关注的地方。在2011春季高级定制的发布中，呈现出高度亮泽的面料配合利落流畅的廓形，仿佛金属材料直接上身，未来感十足。超越丝绸的亮度，又没有PVC等材质的硬挺，用”流动的金属”来形容这种面料实不为过。这种新型面料是在织物中加入金属丝线形成的效果，保持了挺扩的线条，又便于穿着，金属式时装变成现实。在2012秋冬高级定制发布中，向来怪诞的Iris van Herpen也有类似体现，相当夸张的廓形由充满光泽的PVC材料完成，所达到的效果就像金属线条的切割，层层包裹模特。

Giorgio Armani & Iris van Herpen

与丝绸营造的柔和光亮效果不同，金属感强调的硬朗的光感极为特殊，也相当醒目。加入到时装设计中，更能突出视觉冲击力。Balenciaga就在2012春夏系列中以更加生动的方式展现了金属式时装。带着复古未来主义的风貌，整个系列以超现实的宽版硬挺线条为主，利落的剪裁与拼贴式面料组合，达到挺扩的感觉。有着金属光泽的色块出现在这样的设计中，仿佛直接取用的某个金属材质。而立体感强烈的裙子由这样的风貌呈现，就真的好像穿着黄金制成的裙子一样。特殊材质的功力可见一斑，与Balenciaga类似的还有2012春夏的Alexander McQueen，修身设计的套装丝丝闪现夺目的金属色彩，金光闪耀的就像包裹了无数金丝线。其实这样的效果也是由加入了金属丝的面料完成的，柔软贴身，古时无敌盔甲一般的一样变成体现女性性感紧致的线条，反差美感令人印象深刻。

强调强势的Balmain在金属道路上自然不落人后，即便不用体现光泽质感，仅靠硬朗坚毅的肩部线条就足以达到金属风貌。2012春夏T台上，几款金属感的金色外套更是突出这样的风格，与之搭配的裙装把女性温柔特质隐藏起来，完全彰显了强势勇猛的都会女斗士形象。金属光泽在这样的设计中是最大的功臣。无独有偶，以性感狂野著称的Roberto Cavalli，也在这一季用一系列金色设计打开序幕。层层亮片堆叠交错，形成带有花纹的金属浮雕，高度强烈的视觉冲击让暗背景的T台立刻明亮起来，金属战衣也成了不少女星在红毯争霸的法宝。

时尚另类的金属时装

超酷的金属时装

美得一塌糊涂的西藏风景与美女。

Harper’s Bazaar 西藏时装秀

Harper’s Bazaar 西藏时装秀

Harper’s Bazaar 西藏时装秀

Harper’s Bazaar 西藏摄影时装秀

Harper’s Bazaar大片西藏时装秀

Harper’s Bazaar 摄影西藏时装秀

藤原浩(HiroshiFujiwara)，日本人，时装设计师，音乐监制。被大众誉为里原宿教父。其龙头品牌GoodEnough(GE)向来以玩限量见称。经常被潮流杂志强力推介，以致在日本炒卖价极高。

GoodEnough在1990年成立，最初以极少量生产，却大受年青人欢迎。藤原浩经常以都一身GoodEnough打扮示人，他的一言一行都被受关注，真是穿什么，hit什么，其影响力之大，可想而知。

约在1991年左右，藤原浩在原宿“AStoreRobot”一店内被介绍认识了与他相貌酷似的Nigo。当时藤原正热爱DJ活动，在寻找帮手，Nigo亦正好此道。他们互相切磋学习，也就因此建立了友谊。除了Nigo外，藤原浩也与其他里原宿人仕交情甚深，例如Undercover的高桥盾。早年，他们曾合作推出过时装品牌“AFFA”AnarchyForeverForeverAnarchy，可惜已经停产。

除了GE，HeadPorter也是由藤原浩监制。HeadPorter以做袋为主。其实Porter袋早在1935年由吉田吉藏先生在东京神田町设立吉田皮革制造厂Yoshida&Co.Ltd。1962年再成立Porter袋系列，以Tanker系列最为人熟知，到近年HeadPorter由藤原浩发扬光大。实在HeadPorter只是于用料及款式上与Porter十分相似，但根本是两个牌子。HeadPorter经常参照Porter用料及款式再委托Yoshida&Co.Ltd.联手合作生产。

2000年9月14日HeadPorter进驻美国联同Stussy在NewYork开设首间海外分店。

GE的专门店“ReadyMade”于2000年年尾关闭，只剩下HeadPorterPlus继续经营，而GE则转移阵地到了代官山“Silas&Maria”发售。2001年，藤原浩继GoodEnough，Finesse和MoreAboutLess后，再重玩早年的另一品牌ElectricCottage.ElectricCottage其实是他早年私人办公室的名字，在内有很多设计师。ElectricCottage生产的数量极少与及不定期出售，也可以找到。

在音乐方面，藤原浩与Mo’wax曾合作过，也因此成为Mo’waxfamilytree旗下的一位成员。也是早年唱片LabelMajorForce创办人之一。2001年7月，藤原推出了与K.U.D.O.一起监制的大碟《Undercover+Flower》。除了个人大碟外，藤原浩也有为电影做配乐。

藤原浩不时现身于大小杂志，做专访，当Model，或撰稿，在Men’sNonno便有每期必看的《alittleknowledge》。

藤原浩潮流网站：http://www.honeyee.com/

藤原浩fragment design：http://www.fragment.jp/

藤原浩“大事件列表”：

1990 Goodenough 独立创建

1994 A.F.F.A. 与高桥盾(Jun Takahashi)共同创建 [ 最初AFFA为全手工制作 ]

1995 A.F.F.A. 活动终止

1995 Electric Cottage 独立创建

1997 A.F.F.A. 复活后同年再次终止

1997 Electric Cottage & Goodenough 专门店 Ready Made开设

1998 HEAD PORTER 独立创建

1999 FINESSE 独立创建 [ Goodenough Tag 同时使用 ]

2000 FINESSE 活动终止 同年 more about less 独立创建 [ 接替 FINESSE ]

2000 Goodenough Ready Made独立专门店关铺

2001 hTm Hiroshi FUjiwara+Tinker Hatfield+Mark

2001 HEAD PORTER PLUS 独立创建 同年资助 中村世纪开设 Visvim（传闻）

2002 hTm Air Woven Boot 首次在HEAD PORTER PLUS店内发售

2003 Electric Cottage 活动终止 同年 Fragment 独立创建 [ 接替 Electric Cottage ]

2003 Unrivaled ELT独立创建

2004 Levi’s Fenom 分支诞生 [ Fragment Design小组负责设计 ] 同年 Burton iDiom 分支诞生 [ 仓石一树（Kazuki Kuraishi）负责设计 ]

2004 Resonate 以 Goodenough副线形式创建

2005 A.F.F.A. 再次生产一季

2006 ResonateGoodenough 合并创建 原本为2线的 Resonate 与 Goodenough 合并

2006 Base Control 与泷泽伸介（Shinsuke Takizawa）共同创建

2008 Uniform Experiment 清永浩文（Hirofumi Kiyonaga）与 藤原浩（Hiroshi Fujiwara）共同创立

2010 藤原浩（Hiroshi Fujiwara）宣布Fenom即将停产

藤原浩（Hiroshi Fujiwara），这位潮流界的神级人物1989年创立了自己的品牌Good Enough（BAPE主脑NIGO也曾担任他的助理，也是因为样子长的像藤原浩而得名藤原二号NIGO）。

在访谈中，藤原浩介绍了自己早年在伦敦留学及从事DJ工作的经历。留学回国后，藤原浩为HECTIC度身打造了名为“Old School”的混音专辑，这是他归国后最早的一批音乐作品之一。他不仅把Scratch技术带入日本DJ界，据说连Japanese Hip Hop也是他从80年代将Hip Hop带到日本音乐界才开始发展的。

作为一名热爱Punk-Rock的DJ，藤原浩在80年代经常在纽约与伦敦之间穿梭。在那十年当中，日本潮流的目光都放在了很多国际hi-end设计师上，如 Rei Kawakubo, Issey Miyake以及Yohji Yamamoto。游离于众人的目光之外，藤原浩发现了嘻哈与滑板文化之间的世界。音乐，时尚，艺术，这三者构筑成的一个完整体系。受到了纽约嘻哈文化的影响，藤原浩开始筹划并推出自己的唱片，而且还与美国著名滑板品牌Stussy合作。1989年，藤原浩创立了自己的服装品牌“Goodenough”，并带来了高水准的街头潮流设计，其设计灵感来自青少年的反叛和对青春的自我表达。1993年，在他的帮助下，两位年轻的设计师Jun Takahashi以及Nigo开展了自己的事业，前者建立了潮流品牌Undercover，而后者的A BATHING APE更是成为潮人们的焦点。

就是因为藤原浩，改变了日本消费市场的格局。如今，他的影响力已经扩大到众多领域，很多street-fashion的设计师都会受到他的影响。他建立的 Fragment design更是与多个品牌展开合作，其中不乏Nike，Levis等多个国际著名品牌。而他的网站，Honeyee.com，也成为众多潮人时刻关注的街头时尚网站之一。

藤原浩的一生：

Fraser Cooke（Nike全球市场行销高层）与现年46岁的藤原浩进行一次深入的茶话采访。

（以下采访中，F代表Fraser Cooke，H代表藤原浩）

F： 让我们用几分钟回顾一下你的历史，你为Hip-hop以及DJ文化的推广带来了巨大的影响，因此很多人都称你为潮流教父。

H: 当我18岁的时候，我从家乡伊势来到了东京。大家都知道我的灵感一直都来源于时尚和音乐。大概是83年左右。我去了一趟伦敦，并在那里逗留了两个月，期间，朋克教父Malcolm McLaren推出了他的个人专辑Duck Rock，而我也去了他家与他彻夜详谈了一番，当时他的女朋友也在场。他告诉我：“伦敦现在很无聊，你应该去纽约的。”于是，他打电话给他在纽约的一个助手为我打点一切，就是这样，我踏上了去纽约的飞机。在纽约，我开始对DJ文化感兴趣，我的意思是哪里有很多与日本DJ不一样的东西，所以我把很多资料以及技术都整理好并带回了东京。

F： 你发现东京的人都是这样与世隔绝么？

H： 也不完全都这样，但当时真的没多少人知道。现在的人对感兴趣的东西都很关注，特别是Fashion方面的，但当时你是很难看到一个街头打扮的孩子在东京街头出现。现场DJ开始慢慢出现，因为在此之前是没有DJ会带自己的records出门，因为CLUB经常更换DJ，所以那些器材都是由CLUB提供的。

F： 那么在此之前，当DJ只是一份像调酒师一样的工作？

H: 没错，没有人会带着他们自己的records，也许我是第一个捧着records到CLUB的人。

F: Malcolm McLaren告诉你伦敦很无聊，但你真的觉得伦敦有那么枯燥么？

H: 没有，那里很有趣。不过生活节奏很慢，所有店铺在星期六日都不工作，商店在下午6点准时关门，如果你错过了，哪怕是几分钟，他们都不会让你进来。即使你有急事，他们都会说：“不，不，明天再来。”

F： 那真的不太方便。

H： 当时我感到很惊讶，因为在东京，所有店铺都不会因为周末而停止营业的。

F： 听说你在伦敦的期间认识了很多有趣的人。

H： 是的，那时我18岁，第一次来到伦敦，通过一个叫Hitomi的日本朋友介绍从而认识了导演John Maybury，Stephen Jones，设计师David Holah和Boy George。他们都非常年轻。

F: 虽然这群人当时还没有那么出名，但已经常常在《The Face》和《i-D》这些杂志上出现。

H: 他们真的很有创造力并且对我有很大的影响。后来，还有一件对我有影响的事就是与Stussy合作，当时我很热爱滑板运动，Bones Brigade（80年代由Tony Hawk, Tommy Guerrero等人组建的著名滑板队伍）也是在这个时候闻名。

F： 你对滑板很热爱？

H: 是的，当我很小的时候就已经喜欢上了。当85年我返回伦敦的时候，我访问了Wild Bunch guys，Nellee Hooper以及Milo Johnson（DJs和制片人）。当他们给我看了Bones Brigade的视频以后我感到十分惊讶，因为我从来没有看过ollie（一个滑板动作），这对我来说这就好像魔术一样。但当时滑板还没受到hip-hop的影响，直到一两年后，hip-hop文化开始渗入各个领域，同时Shawn Stussy的品牌也在美国建立，所以我以前经常会买Stussy的产品。

F： 我从Shawn和Paul Mittleman（Stussy的主理人）那里知道，Pat Field是他们在纽约的项目之一，我想她就是从卖仿Chanel的帽子中得到灵感，继续创造出Stussy的“SS”标志。

H： 我通过一个玩冲浪的朋友在日本认识到Shawn，我们闲逛了一个晚上，然后他说“好的，Hiroshi，我会给你一个礼物。”当时我不知道他的意思，但是，大约两个星期后，我收到了一个装满Stussy衣服的巨大箱子。那时真的很开心而且很惊讶，就是从那时候起我就经常穿Stussy的东西。直到现在我都很喜欢与Stussy合作，它们有着与众不同的风格与文化。

F： 我可以公平的说，以前与Stussy合作的产品街头风格都会比较浓厚，这也是我的风格。但Stussy会设法把很多元素组合到一起，时尚，艺术，音乐这些都有机结合起来，就像你在日本的牌子“Goodenough”的风格一样。

H： Goodenough也是受到Stussy以及Anarchic Adjustment的启发。Shawn是冲浪出身的，而我想我应该是BMX出身的，但其实我是混Fashion这方面的，也许我了解音乐和Fashion，同时我又是一个DJ，所以能将他们很好的混合在一起。

F: Goodenough的成功得益于在日本杂志的出现率的提高，这是怎么做到的？

H： 在那些日子，人们都很希望能够获得更多的资讯，但不知为什么我会有很多获取资讯的渠道，大概是我在伦敦，纽约，洛杉矶等多个地方都有朋友吧。有时候我也会为杂志写文章，然后人们会开始说“如果你想知道更多的话，就去问藤原浩吧。”就是从这个时候开始，Goodenough也连带开始发展起来。那时候，Nigo担任我的deejaying和styling，因为他有对衣服的配搭有着很深的认识。同样在我身边还有Jun Takahashi（高桥盾），和当时还是学生的Shinsuke Takizawa（泷泽伸介）。我让Shinsuke担任File Records的工作，并主理Major Force这个品牌。

F： 这一切听起来都非常自然，你在之前有做过计划或者制订什么策略么？

H： 我从来不做计划的。

F： 现在很多东西都已经改变了，如今你的Fragment design只由两三个人组成，这十分有趣，很多都知道你在一个小团队中工作，但事实不是这样的。

H： 是啊，当还在Goodenough工作的时候就雇佣了几个人在我办公室工作，但在90年代末，我认识到这不是我需要做的，我不想聘请很多人做一个大公司。我觉得我需要的是一个独立的品牌或者solo operator，所以我做了一个决定，只雇佣一个或者两个助理，改变成一个设计工作室，虽然没有大公司的发展潜力那么大，但这种方式更适合我。

F： 我很支持你这种工作方式，在你不干deejaying的几年之前，我记得你跟我说过，你的心已经不在这里了。事实上，我觉得你在你18岁那年看到比你年纪更大的deejaying的时候就会说“This guy isn”t the real deal”，是不是这样？

H： 是啊，最大的原因是，当我开始DJ生涯的时候，我不喜欢像日本的其他DJ一些过着受薪雇员的生活，因为他们根本不知道他们在播什么歌，只是知道这些歌很流行，这不是我想看到的。当你做DJ的时候，你甚至不知道谁是制片人和这些音乐的类型，更遑论知道这些曲目的名称。当然我也会有这种情况，当我不知道这些歌曲的时候我会去唱片店，并通过与那里的员工交谈去了解，我不清楚什么歌才是好的，那我就会选他们建议的歌曲，将它们拿到CLUB里放。我觉得我有足够好的DJ技术，我可以混合很多歌曲。但我意识到，这就跟我讨厌的DJ一样，没有足够的知识，所以我决定对自己诚实，并离开DJ这个职业。

F： 你觉得你的朋友或者同行里面谁比较成功或者谁的影响力大一点？举个例子，高桥盾或者Nigo，他们两个在日本以外谁取得的成就比较大？

H： 我认为他们的成功都是惊人的，我不喜欢这种事情发生在我身上。我不希望用一种分类的方法来表达我自己，更加不希望人们知道我是谁。

F： 是啊，他们都很清楚自己在做什么。

H： 当Jonio和Nigo在原宿创立Nowhere的时候，日本的泡沫经济刚刚结束，所以物价都很低。因此当时被我们称作Ura-Hara的地方是什么都没有的。我记得我帮Jonio设计产品，如手工印制的T-Shirts之类的东西。等到发售的第一天，有20排队。第二天，增加到40人，就这样Nowhere成立了。

F： 你与 Takashi Murakami（村上隆）这几年举行的Hi & Lo展览有时候会提到我，你不觉得日本人在“get”这个艺术上与西方人有些相同的地方么？该展览的目的不是尝试去展示日本人的一些特别之处么？

H: 恩，我跟Murakami也一直在很多领域上有合作，那是我的荣幸。当他的节目邀请我当嘉宾的时候我们也经常讨论与艺术有关的东西，尽管他不知道我对这个话题有兴趣。后来他很惊讶的发现原来我有一些Warhol和Richter和Basquiat的作品，所以我觉得他邀请我上节目很大程度上是想看看我而已。

F： 很好，可以告诉我你有什么藏品么？

H： 都是一些自己喜欢的东西。我不是一个真正的艺术收藏家，只能算是一个热爱收藏的人。我想我心目中的艺术专家大概都在美国和欧洲，因为那里的人对于艺术的态度是独立的，不像在日本，它混合了时尚和其他的东西。而我对艺术的理解，更多是享受。

F： 在过去20年或者30年纽约，伦敦和东京都给你提供了灵感，你怎么看待这些充满活力的城市？你觉得这是一幅什么景象呢？

H： 这些地方已经变得很无聊了。我的意思是，30年前，伦敦真的与其他城市不同，有swinging London然后还有Punk，促使我一直想去那里。但在此之后，hip-hop又把我的目光吸引了。如果你已经去过纽约，那现在就不必再去了。举一个例子，如果我在纽约看到一本很好的摄影书，但我不希望带着它回日本，我可以直接从Amazon那里购买。那里已经不是寻宝的地方了，以前我还会到哪里找Air Jordans，MAX 95并把他们带回日本。

F： 是的，现在几乎每个人都能在网上找到他需要的内容。

H： 这个方法确实很方便，但也很沉闷。

F： 也许这就是为什么现在的文化发展那么缓慢的原因。

H： 我认为所有的复兴都已经结束，过去朋克每隔10年就会复兴。当人们忘记朋克一段时间，然后杂志就会推出一个朋克10周年纪念版。但现在你可以通过互联网找到任何时期的音乐与资料，所以一切都并没有消失，只是在一个不为人知的角落中静静地等待着挖掘它的人。

F： 这很有趣，我以前读过一篇挺有趣的文章，是Malcolm McLaren在去年的Financial Times所写的。他对他所说的“karaoke culture”进行了分析，我想他指的是 American Idol或者Britain”s Got Talent这些节目。其中参赛者都是想通过一举成名这种方式来出名，甚至有些作品是通过模仿或者抄袭得来的，你对这种文化有什么看法？你是否觉得这些节目更像是一个关于karaoke的dress-up party?

H： 是的，是有一点像。我的意思是，当Malcolm从Situationists以及rockabilly那里受到启发以后会对这些事情看得比较淡，当那些人抄袭别人的时候通常都是没有一种属于自己的想法。

F： Well，他也不是把所有东西都否定了，的确那里偶然也会出现真正的人才。但是他在karaoke culture提出的一些意见现在也同样出现在pop culture中。

H： 我猜他以前用karaoke culture这个词仅仅只是因为他个人喜欢。（笑）但怎么说也好，就算是复制或者拼凑出来的东西都会有它的价值，例如你看上了一件polo shirts，但这件衣服的款式已经在很多个品牌的产品中出现过，即使这样你还是想让这件衣服有点与众不同的地方。我的意思是，我抄袭过很多东西，但我同样对原始的素材表示尊重。但是，一些大公司只是想到如何去赚钱，没有加入属于自己创造性的东西，有时我会觉得他们连最基本的尊重都不会。

F： 与其说是抄袭，倒不如说是从中添加某种新的元素。

H： 这本来就很难区分。

F： 还记得去年你写的这本名为《Personal Effects》的书，并公开展示了你所钟爱并认为在其生活中占有重要地位100件个人私物。我自己非常喜欢，还想把英文版的全部扫光。可以为大家介绍一下它么？

H: 一些杂志出版商对我的新书很感兴趣，但有一个很特别的名字吸引了我，那个名为Magazine House的出版商曾经为《Brutus》以及《Popeye》做过出版工作。你知道哪些日本时尚书刊的专家要我仿照一个叫Sonya Park的设计师写的书，里面列举了她最喜欢的101样物品，那真的很棒，他们都希望我用这种形式来编写新书。我也很喜欢这种表达方式，但是写我的东西可能很多人都找不到，或者另外一个办法就是写一些很容易找到的。我还打算推出一本关于球鞋的书，它会像一本百科全书或者运动鞋历史一样，你可以通过这本书图文并茂地为你的孩子介绍各种球鞋。

F： 当你在2005年建立Honeyee.com的时候引起了很多盲目的模仿者，你是怎么看的呢？

H： 恩，我们不是第一次从事网站工作，不过我在等待一个适合的时间。当时我和SOPH.的Hirofumi以及Visvim的Hiroki每个月都会碰面并口口声声的说是时候做一个网站了。那时候日本有一些潮流网站也会售卖单品，但我们与他们不同。当我取名字的时候用了H开头，因为Hirofumi和Hiroki以及Hiroshi都是H开头的，然后Honeyee.com听起来像“honeycomb”，也像日文中“to hesitate” 的意思。与.com连起来读也像“Honey, come. Come to honey…”。

F： 所以这是一个象声词。

H： 是啊，简单易记。当我们开始做的时候，我清楚的知道我需要做一个博客，因为那个时候没太多人会把图片放到他们的博客上，而那时候的博客更像现在的twitter，只有文字。但我想在我身边很多人都有数码相机，也经常拍照，所以博客可以让他们把照片展示出来，让人们从博客中更直观的了解他们的生活。

F： 在Honeyee.com之前，潮流网站关注的仅仅是产品，没有一些属于个人的图片，所以当你们第一次以这种形式出现的时候还是很感兴趣的。

H： 我想现在我们做的已经普及到每一个潮流网站，没什么特别。我的意思是现在这类型的网站已经越来越多，Honeyee.com仅是这些时尚网站的其中之一，但我一直在寻找一些新的元素添加进去。

F： 那你现在都做些什么？

H： 有一些项目正在进行，当然我不能告诉你这些是什么项目。我仍然会参与Fashion的工作，包括鞋子与衣服的设计。尽管我不会穿着或者购买这些产品，但我还是会关注，就好像Cassette Playa推出了新产品，我不会去穿但当我看见了还是会觉得很感兴趣。

F： 会特别关注孩子么？

H：不仅孩子…老人…任何人我都会关注。

日本潮流教父藤原浩对话Fraser Cooke

日本里原宿街头文化在全球性扩张的同时，我们不能忘记当中最具有领军性的潮流人物藤原浩。另外，在欧洲的街头文化里头，有着这么一个领军人物，他是英国伦敦著名潮流店铺Footpatrol和HIDE OUT的老板，全球知名的sneaker fans，更是现在Nike最具潮流性的支线系列NSW的老大。

在两位潮流领军人物参观Nike 6453时，他们同时也展开了一次对话式的访谈，其中我们领略到很多两人近段时间对于潮流的见解，以及各自的观点。Nike的Woven是藤原浩和Fraser Cooke都相当喜爱的鞋款，woven在潮流界里取得了莫大的成功绝对多亏了这两位前辈，不同于一般的造型令人眼前一亮。

在这次访谈中，除了访谈的内容外，不得不说一下藤原浩的全新造型。在大家的印象里，藤原浩自成名后就一直佩戴着鸭舌帽示人，正所谓人不离其帽，也没有多少人知道他的发型究竟是怎样。而这次，脱下帽子戴上墨镜的藤原浩，展示出略显蓬乱的发型，给人的感觉更为成熟，更加cool，上身看似简单实则具有层次感的白色polo配合goro’s配饰，实在是再一次体现出潮流教父的实力。

具体的访谈内容请大家慢慢阅读，Hiroshi Fujiwara与Fraser Cooke之间的对话实在是值得一看。

东京里原宿是近十年来影响全球街头文化甚巨的一个重要据点，从联名款式的兴起到近年Fixed Gear的被注意、由APE、WTaps、Neighborhood到Visvim，背后都有里原宿的参与，从牛仔裤到巴黎时装展，这个相当成功发展的文化背后有一位不能不被提到的人—Hiroshi Fujiwara（藤原浩），他的发迹可以说与里原宿划上等号，这次与Nike Global Energy Marketing Director Fraser一同安排了参观台北的行程，也非常大方地分享了他们这么多年对街头文化的看法，在达人黄子佼的主持带领之下，两位重要潮流推手在TPE6453展开这段难得的经验分享。

两位长期在东京居住，想请你们描述一下东京街头文化的气氛？

Fraser Cooke（F）: 最近四五年我都住在东京，其实早在九十年代末期就常到东京，在那个时后有一股非常强的东京潮流发生着，吸引了许多人才到那里活动，也因此诞生了目前世界潮流中几个举足轻重的品牌，带领大家认识东京为首的街头文化，从我的感觉来说，东京仍然是个非常有趣的城市，不过相对而言，这两年我觉得整个气氛比较平静下来。

Hiroshi Fujiwara（H）: 大概是十年前开始酝酿，慢慢地发展到今天的规模，东京的街头文化已经被世界所接受，从一开始可能只有五个人喜欢，后来变成十个、成长到今天这个阶段，我经历了整个掘起的过程，这阵子的发展的确到达了一个平稳的高点。

音乐在你们的经历之中都扮演了相当重要的一环，不晓得这对你们产生了什么影响？

F : 我年轻的时候对滑板相当着迷，但是在伦敦并不容易获得相关的资讯，所以我从音乐杂志、唱片封面等等吸收所谓的「Hip-Hop风格」以及相关设计的灵感，这些点滴都影响了我今天所呈现的方式。

H : 在这点我跟Fraser不同，他受到美国Hip-Hop的文化影响，我却是从英国（Fraser的出生地）得到灵感，例如PUNK乐风等等，当年文化差异的影响下，我反倒比较不能接受Hip-Hop的Style。

有没有特别喜欢的乐手或是乐曲类型？

H : PUNK

F : 没有，我一直在注意最流行的风格，尤其是街头文化之中受欢迎的对象，我都会去接触跟认识。

Fraser先生在Nike公司与潮流文化的结合中扮演了相当重要的角色，可以请你介绍一下自己？

F : 我可不觉得我有很重要（哈），Nike一开始是以专业运动鞋的製作为出发，但是慢慢的越来越注意街头文化的部份，我的角色就是以从街头出身的角度（Fraser最初是在伦敦开设知名潮铺Footpatrol）提供Nike建议，让街头文化与运动鞋得到结合。

在联名商品企划上是怎么把关与选择？

F : 这不仅仅是我的决定，我们是有一个团队分布在许多城市之中，要找到对的人并不是那么容易，我们有非常深入街头文化的朋友来提出建议，重点是一起在想法与产品设计上合作，让双方都可以得到成长、更上一层楼。

想请问Hiroshi先生最初与Nike联名合作的款式

H : 应该是Monotone系列的鞋子，我记得有Air Max 120、Air Zoom Seismic以及Air Terra Humara三双鞋子的组合。

最让你印象深刻的合作是哪一款鞋？

H : Woven是我非常重视的一个款式，最初是在Nike总部见到Mark Parker穿著这双鞋子的Prototype，那时候我就抓住他问说这是什么款式，后来才知道这款鞋的上市与否在Nike公司之中仍有相当大的争议，因为他实在太不像是运动鞋了，不过因为我太喜欢这双鞋了，后来就努力促使了Woven的上市。

F : 在推出Woven的时候我仍在经营Footpatrol，我仍然能够记得这双鞋带来的风潮，让人激动而且是前所未见，那个年代流行的就是这种具有突破性的新款式，每每有让人眼光为之一亮的新鞋出现，跟现在以复古为主的风潮是相差甚远。

以你们的角度来看，各式联名企划背后的意义为何？

H : 我所关心的是如何把许多我感兴趣、却没有被大家注意到的项目整理起来，重新介绍给大家。

F : NIKE一开始专精的是为Athelete（运动员）设计产品，后来开始与各个领域的领导者合作，如何萃取街头文化的精华，用大家能够理解的方式推出作品，是我们的重点。

当年是怎么样认识彼此的？

H : 在伦敦的时候认识的，那时候Fraser跟Mo Wax唱片有合作。

你们认识多久了？二十、三十年？

H : 很久了……Fraser是我父亲的朋友（笑）。

H : 开玩笑的，我们大概九十年代初期认识的。

Hiroshi先生跟Fraser先生合作已久，不晓得对彼此的看法是什么？

H : 我很怕讲了Fraser的头髮会变白（笑）。

H : 我非常开心能够有Fraser加入Nike，在街头的想法与Nike公司之间，Fraser扮演了很重要的沟通桥梁，这样的人才是Nike一直在寻找的。

F : Hiroshi先生是少数几位在Nike公司之外设计产品的人，我猜当年大概就是他在老板面前多提了几次我的名字，现在我才有这份工作（笑），所以认真把Hiroshi的企划作好是我很重要的工作（笑）。

Fraser先生眼中的Hiroshi先生是怎么样的一个人

F : 我不知道我可不可以老实说…..（哈）

F : Hiroshi是很好相处的人，他喜欢放轻松，甚至可以说他是个很居家的人，也许也正是因为这个特质让他能维持他高度的专注力。在我们认识以前，就听说过Hiroshi的名字了，经过这么多年，我想若是没有他，今天的街头文化就不会是这个样子，他的存在让Street Fashion之中的重点元素得以发光发亮，Hiroshi很擅于有系统的将文化推广出来，他懂得如何在对的时候好的元素出现，凭借着对不同领域的深入了解，这个背景帮助他知道在某个时间点上，什么是该忽略什么又是该专注的项目。

对台北的看法

H : 我非常喜欢这里，这是我第一次来到台北，东区街道的空间感以及环境都很好，年轻人很多，昨天我在这边逛了一下，茶街的景象让我印象深刻，里头的人们十分地放松，东京好像没有这样的地方。

F : Taiwan，Taipei，我想这里非常接近东京给我的感觉，出发之前我以为会有许多高楼大厦，但是这个区域并不是那个样子，所以当下就放松了起来。

对有志于潮流文化的朋友，有没有什么建议？

H : 因为前阵子才从巴黎回来，我的感觉是台北潮流店舖已经有相当水淮，我的建议是大家要保留自己的特色，并不一定就是摆个中文字在上面，而是建立适合自己的文化。

F : 我想贩售产品并不是最重要的一环，而是应该以文化为主，需要由相当多的累积、影片、艺术各方面的涉猎，才能有最后的诞生，保持你的好奇心，就像Hiroshi先生说得，你们需要注意各种元素与这个区域间的合理性，而不仅是一昧的引进当红潮流而已。

藤原浩作品：

藤原浩时装：

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