卡伊·弗兰克Kaj Franck(1911—1989)

卡伊·弗兰克(Kaj Franck)是二战之后芬兰的主要设计大师之一。作为一名设计师和几代芬兰设计师的导师，他以家具设计师的身份毕业，并将职业生涯的大部分时间贡献给了陶瓷和玻璃艺术。此外，他还曾经执教于赫尔辛基艺术设计大学，并担任过芬兰主要的陶瓷工厂阿拉比亚（Arabia)和大型玻璃工厂(Nuutajavi)的艺术总监。可以说，卡伊·弗兰克光辉的一生为芬兰陶瓷玻璃艺术和芬兰艺术表现形式的发展作出了重大贡献。他的作品以简约、永恒、实用而著称。

芬兰设计经典:奶油小瓶

那个塞着木头塞子的白色小瓷瓶，大多数中国人可能要对着摇头，价格是一方面，更主要的原因在于不知道其有何妙处。这个被称为“THE WHITE LIGHT”(白光)的奶油小瓷瓶，原创于1948年，设计者是芬兰国宝级设计大师——已故的卡伊·弗兰克。小瓷瓶的作用是存放奶油，北欧家庭一般都设置双层玻璃，来阻挡外界的寒冷，而这个小瓶子刚好可以摆放在双层玻璃的空隙间，尽可借助低温存放奶油。

1948年的芬兰，刚刚经历了二次世界大战，国民经济状况极为惨淡。卡伊·弗兰克（Kaj Franck 1911－1989）设计了一个用来存放奶油的白色小瓷瓶，她外型简单，看上去十分普通。然而关键在于她的尺寸——窄小的瓶径、狭长的身体，正好可以夹在双层窗户的空隙之间，于是手头拮据买不起冰箱的老百姓便可以在漫长的冬季利用“天然冰箱”储存奶油，并且可以用这个小瓶子不断地到商店里去续买新鲜奶油。这个具有传奇色彩的小瓷瓶直到今天还在生产。即便家家都有了冰箱，她的简洁和实用仍然使之成为很多芬兰人家常生活的首选。

50年代被认为是芬兰设计走向国际逐渐声名鹊起的时代。卡伊·弗兰克正是继芬兰著名现代建筑大师阿尔瓦阿尔托（Alvar Aalto）之后的第二代设计师，并且成为二战后芬兰设计界的领衔人物，好几代芬兰设计师的精神领袖。

1932年，弗兰克以一名家具设计师的身份毕业。时值30年代大萧条，弗兰克也未能幸免于失业的遭遇，在此期间，他靠为几家纺织品公司制图、设计装饰图案谋生。这段经历令弗兰克有机会积累了针对不同材质和技术的设计经验，而紧接着的第二次世界大战，也是他个人成长的磨练期。人生的转变终于在1945年得以实现。复员军官弗兰克先是被应用艺术学校聘为教师，之后到奥碧亚瓷器厂（Arabia，Iittala子品牌之一）当设计师。一年后，弗兰克就在一个琉璃艺术比赛中获奖，同时在不同的设计领域内担任艺术总监。从此，他在芬兰设计和应用艺术领域中越来越活跃，逐渐影响了芬兰陶瓷和琉璃设计的发展，并且重塑了芬兰的设计语言。

早在1930年，当弗兰克还是一个学生的时候，一次前往斯德哥尔摩设计展览的经历令他对实用主义产生了强烈的共鸣。弗兰克被传统民间艺术品简单实用的美感深深吸引，他甚至在笔记中引用19世纪英国美术工艺运动（Arts and Crafts Movement）领导人物威廉姆·莫里斯（Williams Morris）的见解，认为工业化社会最大的问题是为生产而生产，而不是为需求而生产。

说起早期在阿拉比亚的工作经历，弗兰克回忆到，“我被单独留在一个小房间里，要求设计东西。”他重新开始学习新材料和生产要求，探索设计的可能性和局限性。弗兰克的第一个项目是重新设计一只碗——一种看上去千篇一律的主要产品，却为了技术原因需要新的设计。对弗兰克来说，粗陶碗一直是实用主义流派的象征，于是他将其发展成了彩陶，并使用各种生产技术制成最基本的形状。“炊具是永恒中立的，”他说，“真正高品质的主要产品如搅乳器、和面盆等等，都是18 世纪末期的产物。它们并不一定要漂亮，也就是说它们持有自己的美。正是通过它们，我找到了自己的方向。”

这只碗可以说是后来琦尔塔系列（Kilta）的开始。在艰难的战后时事下，需求成为人们生活的第一选择。在弗兰克固执的努力下，他终于说服阿拉比亚生产他设计的简单、便于存储并且具有不同功能的餐具，因为他认为在现代家居打理中，空间是最重要的。这套每日必备的琦尔塔餐具系列非常简单，唯一的装饰就是弗兰克精心挑选的不同色彩。自 1953年至1974年，销售量达两千万件的琦尔塔成为显而易见的经典。而文章开头提到的琦尔塔奶油瓶，可以说是经典中的经典，成为弗兰克设计哲学的标志。

弗兰克精力充沛，除了担任设计师的工作，还任教于赫尔辛基艺术设计学院。对他来说，教学、讲座、写书和设计一样，都是传达他的设计理念的方式。弗兰克的教学充满魅力，令人兴奋而备受鼓舞。他以自身的成败经历作为例子来阐述设计的困难，他将不同领域的学生放在一起做交流学习，希望以此打破未来的行业界限。

卡伊·弗兰克的故事是一个“反对设计”的传说，解释了一个设计师是如何超越形式，发展设计概念的过程。任何设计的关键在于物品本身的用处和目的，而外型则是自然地传承这一功能。“我不想为外型而设计外型，我更愿意审视物品本身的基本功能——派什么用处？我的设计理念与其说是设计，不如说是基本想法。”弗兰克早年如此说到。

反对设计，或者说没有设计，从来不是设计的反义词。这与其说是设计的伦理，不如说就是一种社会思潮。它意味着纯粹、优美和自然，给予思想和诠释更多的空间，给予创造以自由。它努力打破世俗偏见和陈规陋习，还原物品本身完整的自然状态。弗兰克在他的教学生涯中，曾经多次提到，设计是一个自我证明的过程，每一种材料都有其忠实的形状和技术，物品本身对设计师来说无非是解决问题的创造性方案，而每一样物品都应该是必需的、实用的和被证明有存在价值的。

反对设计的基本在于明智的诠释：合理的用处以及最重要的功能性、实用性和朴素感——在日常生活的每一天，以简洁、合适的形状表达纯粹、通透和美丽。“美的终极意义不正是本质的、功能的和恰当的吗？”弗兰克曾经这样问到。

北欧设计哲学无就是有

美国洛杉矶艺术中心设计学院王受之教授曾经这样描述斯堪的纳维亚诸国的设计：“在北欧，你发现所有的人对设计的基本认识水平都要比世界任何一个地方高，在西欧、在美国，你会看见大量平庸的设计，更莫说在韩国这些地方，整个国家基本是个设计平庸的地区了。而在北欧，好像很难看到平庸的东西……传统以来，他们就讲究好设计，是人人都觉得好的设计。好的设计已经渗透在整个斯堪的纳维亚文化中，成为他们文化的一个重要组成部分，你在那么大的一个地方游走，就看不见什么不好的设计……”

什么是“好的设计”？芬兰设计师有自己的答案。大师卡伊·弗兰克曾经提出过一个非常著名的设计观念：“没有设计即设计。”或者说“反设计”。他强调“不能为了设计而设计，而是要以最好的方式实现总体功能”。这种注重产品功能，以“为大众提供人人都觉得好”的设计宗旨，表现出芬兰的民主精神，与法国、意大利的宫廷的、奢华的、贵族气的，甚至有些矫饰的设计形成鲜明反差。众所周知，北欧是一个寒冷、黑暗的地区，这里一年有九个月夜长昼短，然后有三个月是灿烂得无法描述的艳阳天，长期的家居生活是可想而知的。个人认为斯堪的纳维亚为世界提供了几乎最优秀的家居设计，因为很难有一个国家或地区的设计师能够有足够的切身体验，来设计出与人如此贴近的产品，那种人、物之间亲密的感觉，渗透到每一个细节，从造型、色彩到质感。突然想起一句台词：“什么是剑术的最高境界？是没有剑，是和平。”虽然在电影中它表现出古怪的气质，但是用在对芬兰设计的理解上倒很贴切。因为芬兰的设计确实给人一种宁静祥和的感觉，而豪不张扬的设计哲学令人在无形中处处感受到设计的精妙。

Kaj Franck作品：

时装界阐扬“极简主义”设计风格的是意大利知名品牌「PRADA」，然而在芬兰生活精品设计师中，最崇尚“极简主义”的则是Kaj Franck，不同的是，他又被喻为芬兰最「清新透彻」的设计者。出生于芬兰维堡(Vyborg)的Kaj Franck(1911~1989)，以特立独行、近似于天真的设计风格令人着迷，他喜欢简单的线条，以及“单纯”的设计。

其实要将日常生活用品以单纯的概念来设计是相当困难的，因为设计者通常希望能在看似普通的款式中加入些许华丽的装饰或设计，但这常常使得设计太过复杂，甚至容易失去了创作者原本的初衷，因此难能可贵的是，Kaj Franck总是能让设计作品看起来如此的简单、纯粹、精炼。 Kaj Franck获得的国际性设计奖章不胜枚举，如Prince Eugen medal、Lunning prize..等，他的作品更时常被世界各地设计博物馆收藏展出。

Kaj Franck最为出名的两个系列分别为餐桌饰品–Teema和玻璃制品–Karito，其中又以Karito最能完整呈现他的极简理念、几何造型以及色彩协调的基础，因此也成为品味鉴赏家的最爱！

这款设计，出自1958年，极简的造型，运用颜色与玻璃本身的质感来取胜。北欧设计界的『极简主义』派教父级人物Kaj Franck亲自操刀，在设计当时心中只有一个最高指导原则，就是「单纯美」。

的确，人们时常希望在很多事物上能有最好的表现，却时常画蛇添足、矫枉过正，而忘记了”自然就是美”的定律，因此极简系列的诞生，不但解释了北欧设计品近年来趋于简单化的现象，也提醒所有人单纯的生活就是品味的起源！

使用Iittala一贯的独门绝活I-crystall无铅水晶玻璃，硬度和透光度大大增强，生产当中对环境也不会造成污染，您更无须担心有损健康。

芬兰Iittala Teema系列设计：

Teema在芬兰文是「主題」(Theme)的意思，表示餐具是一种生活风格的展演(lifestyle demonstration)，运用大胆的几何对称形狀：大圆小圆/长方平方等，加上色彩游戏获得的想像乐趣，只要几个单品，您也可以设计出万千個专属主題！

附：卡伊·弗兰克设计奖 ：设立于1992年,为了缅怀卡伊·弗兰克这位芬兰设计文化的先驱。纪念其对芬兰设计文化做出的卓越贡献,由芬兰设计论坛设立,芬兰贸易博览会基金特此为卡伊·弗兰克设计奖提供赞助,以表彰和鼓励当代的设计师。

卡伊弗兰克设计作品:

Kaj Franck 陶瓷玻璃设计作品：

卡伊·弗兰克Teema水杯设计：

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）1932年生于芬兰，于 1954 年至 1957 年求学赫尔辛基的 Institute of Industrial Arts，并在 1962 年成立个人工作室，从事室内设计与工业设计。

阿尼奥官方网站：http://www.eeroaarnio.com/

他的许多作品享誉全球的国际知名度，并获得许多工业设计奖项。例如，他在 1963 年设计了著名的 Ball Chair，这是张以玻璃纤维制成的球形椅子；很快地这张椅子被大量地制造生产。而玻璃纤维，成为 Aarnio 设计时最喜欢使用的素材。其它代表作品还包括有糖果椅（Pastil Chair）、蕃茄椅（Tomoto Chair）和极富未来感的泡泡椅（Bubble Chair），是波普风格爱好者不可不知的设计大师之一。

60 年代初，芬兰最大的家具企业 Asko 公司请 Aarnio 设计一种塑料椅以求改变公司多年以木材为主的传统面貌。1962 年夏天， Aarnio 用新闻纸和浆糊作原材料，在藤编家具启发下，设计出一种适于塑料制作的面貌全新的坐具造型， 1963 年至 1965 年间， Aarnio 用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球体”的看似航天舱的坐椅，并在 1966 年科隆家具博览会上一夜成名。从圆形的球状体中挖出一部分或使它变平，可以形成一个独立的单元座椅，甚至形成一个围合空间。这是 Aarnio 的基本创意手法。 Aarnio 完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使他的“球椅”成为一种时代的象征。

艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）是芬兰著名设计师，当代最著名的设计师之一。他丰富多彩的事业为人们提了种类繁多、高质高量的作品。因为创造了许多享誉世界的设计作品，艾洛·阿尼奥成为自20世纪60年代以来奠定芬兰在国际设计领域领导地位的重要建筑师和设计家之一。他的设计大都有浓厚的浪漫主义色彩和强烈的个人风格，宛如来自灵幻的童话世界。

来自藤条篮子的灵感

艾洛·阿尼奥的第一件重要的家具设计问世很早。1954年夏天，艾洛·阿尼奥拜访了他的未婚妻毕乐柯的家乡，并在那里开始学习编织篮子。这种编织技术在亚洲国家非常普遍，但在芬兰，篮子主要是由盲人来编织的。当艾洛·阿尼奥完成一个篮子的时候，他并没有按照正常的位置摆放它，而是把篮子颠倒过来，从而他发现颠倒摆放的篮子不失为一个很好的座椅。藤条凳在美国市场上的名字是“蘑菇”，之后的1967年，香港开始生产玻璃钢系列座椅，因在形状、尺度、功能上都类似藤条凳，所以，它被命名为同样的名字。

阿尼奥自20世纪60年代开始用塑料进行实验，他作出了一个重要的决定，告别了由支腿、靠背和节点构成的传统家具设计形式。与自然纹理木材相反，他用鲜明的、化学染色的人造材料使人们得到了很大的乐趣。阿尼奥的令人兴奋的塑料创意设计，特别是球椅（1963）、香皂椅（1968）和泡沫椅（1968），不论是以前还是现在，这些作品都被广为拍摄和宣传使用，并被赋予了时代精神的特征。 Aarnio用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球体”的看似航天舱的坐椅，并在1966年科隆家具博览会上一夜成名。他从圆形的球状体中挖出一部分使它变平，可以形成一个独立的单元座椅，甚至形成一个围合空间，这是Aarnio的基本创意手法。Aarnio完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使他的“球椅”成为一种时代的象征。

球椅取得的成功促使阿尼奥的一整套塑料家具系列的诞生。随后又出现了VSOP椅、泡沫椅，尤其是一年后的香皂椅。香皂椅，在美国又称为Pastil或Gyro椅，从某种程度上说，它是小型化的球椅。在产品的基本构成方面，香皂椅比以阿尼奥自己所设计的Ball椅为代表的极少主义的座椅还要简洁，也比斯堪的纳维亚的同行们设计的作品简单得多。这种无腿的座椅全部用玻璃钢加固的聚脂纤维制作，只在两个部分进行锻压，它具有现代艺术的特色，还幽默地表现出糖果或泡泡糖的形状。此外他还用上了糖果常用的明快色彩，包括柠檬黄与淡黄绿。香皂椅是阿尼奥设计理念上的又一杰作，同时也是他对现代家具的第二项重要革新，是他早期家具设计中的另一种全新模式。

事实上，阿尼奥很早就显示了他赋予传统材料新设计理念的能力与兴趣。同时，他还偏爱奇异的圆形。在意大利，阿尼奥设计的由钢材、夹板和皮革制成的扶手椅获得了大型国际家具设计竞赛的大奖。

反映产品本身的“愿望”

艾洛·阿尼奥承认，他所设计的产品不仅仅表现在功能方面的实用，同时也反映了产品本身的“愿望”。就如球形本身就符合了大自然的造物意愿一样。用尽量小的消耗取得最大的功效，大自然总比人类做的要好得多。阿尼奥认为材料和技术的革新都会开创新的设计道路。

艾洛·阿尼奥对塑料的热衷一直延续到了20世纪70年代，那时他首创了西红柿椅。同样，以圆形为主要设计元素的西红柿椅有点像球椅和香皂椅结合的产物。而后，他又设计出了Upo022和Upo023，这两者均是以塑料为原材料的折叠椅。但是，这一时期最具创新精神的当数Pony座椅。继球椅和香皂椅后，Pony座椅是阿尼奥为现代家具设计所奉献的又一设计创新。

Pony座椅是一件成熟的产品，是由柔韧性聚酯冷凝泡沫包在金属骨架外面构成的，椅子的表面材料是流行的丝绒。这个设计使得产品就如材料一样舒适、有趣。艾洛·阿尼奥认为，只要它对人体功效没有危害，对工作环境有益，一个座位甚至可能会是一匹又小又柔软、你可以骑在上面或侧坐在上面的小马。Pony椅有一个由模具做的泡沫身体、脚和耳朵，它们都由管架连接，所有的部分都用弹性布料装上软垫。它们的颜色有白色、黑色、橙色、绿色、棕色和红色。Pony椅是阿尼奥带给家具业的又一惊世之作。通过该椅的问世，阿尼奥声称家具设计可以有各种各样的灵感，包括来自动物的。设计师往往会在模型制作过程中产生更多的想法。就拿Pony椅来说，你可以正儿八经地骑着它，也可以把它当做凳子一样坐在上面，还可以把它当做椅子，因为它的两只耳朵这时成为一个很特别的靠背。当然更不用说孩子们可以把它当做玩具来玩耍。

在艾洛·阿尼奥看来，设计与自然之间没有任何差别，设计师可以从我们周围的世界里获得各种各样的灵感。Pony椅就是他这种设计哲学的一个很好的例证。

使艾洛·阿尼奥颇为高兴的是，20世纪90年代人们开始怀念和提倡一种开始于50年代后期，一直发展延伸到70年代的创新设计，尤其是那些与所谓的“太空时代”联系在一起的设计。阿尼奥的设计并没有仅限于椅子，他还设计了许多更加有趣的玻璃钢产品模型，例如：Copacabana桌子系列、螺丝钉桌子系列与方程式椅。阿尼奥设计了近十年的摇椅出现在2001年赫尔辛基的家具博览会上。

艾洛·阿尼奥的创作是一种不知疲倦的发自内心的本能，他深信艺术与设计之间没有任何不同。因为他认为，不论是艺术还是设计都意味着更新与再调整的不断发展。

Aarnio: “A chair is a chair, is a chair, is a chair … but a seat does not necessarily have to be a chair. It can be anything as it is ergonomically correct. A seat could even be a small and soft Pony on which you can ‘ride’ or sit sideways.”

20世纪60年代的芬兰，在产生功能主义设计大师库卡波罗的同时，还出现了一位把“以艺术为本”作为家具设计出发点的浪漫主义设计大师艾洛阿尼奥(Eero Aarnio，1932一)，这两位设计原则恰恰相反的设计大师同时出现于一个以有机的功能主义为传统的国家，后者时常被称作北欧学派的“叛逆”人物。阿尼奥的高度艺术化、及时体现时代气息的家具作品，虽不能列入家具设计的最经典之作，却也是20世纪现代家具设计史中不可或缺的珍品。人表现出对不寻常艺术语言的追求，这种情况在60年代表现得尤为明显。

阿尼奥比库卡波罗早一年毕业于同一所大学，但晚至1962年才开办自己的设计事务所。除家具设计外，，他对摄影和平面设计也有很深的造诣。阿尼奥最初的家具设计取材于传统题材，尤其是源自中国的藤编家具，但很快，他的设计由于对最新材料的使用而发生突变。60年代初，芬兰最大的家具企业阿斯科公司请阿尼奥设计一种塑料椅以求改变公司多年以木材为主的传统面貌。1962年夏天，阿尼奥用新闻纸和浆糊作原料，在藤编家具启发下，设计出一种适于塑料制作的面貌全新的坐具造型，1965年制造了一系列用脱色藤料手工制作的蘑菇状椅子和凳子。

1963—1965年，阿尼奥用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球椅”的看似航天舱的坐椅，并在1966年科隆家具博览会上一夜成名。这种用玻璃纤维塑料制成的球状壳体在前部开口，内部铺软垫，在外观上给人以强烈印象的同时，令使用者有一种太空旅行的不寻常感受。阿尼奥在此完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使他的“球椅”成为那个时代的一种象征。在以后的几年他以同样的合成材料和设计构思又创造出一系列的艺术家具，其命名本身就能令人想像出这些设计的视觉效果。如“香锭椅”、“泡沫椅”和“蕃茄椅”。后者是一种红色塑料制成的看似三个蕃茄的休闲椅，表明阿尼奥在70年代初向“波普”设计的转化。

1968年，阿尼奥在科隆博览会上展出他的第二件最著名的作品“香锭椅”，再次引起轰动。阿尼奥对色彩的大胆运用和对有机造型的持久偏爱，创造出将传统椅子设计中的座、架、腿等要素融为一体的新型坐具，最典型地反映出六七十年代自由浪漫的生活气息。阿尼奥的这批家具在室内外均可布置使用，而“香锭椅”更能表现出它对完全非正统的坐姿的倡导。从某些特定意义上讲，这件极不寻常的椅子能给坐者提供特殊的舒适体验，如一位评论家所言：“你坐在上面可以不用站起来而任意调整姿势，而这种家具永远不会损坏你的地毯。”7阿尼奥设计的意义早已超出日常使用的范畴，它们时常被选中用作戏剧或影片中的道具，80年代的阿尼奥事实上成为第一批为电影设计家具的设计师之一。

北欧设计大师阿尼奥作品欣赏：

阿尼奥在1968年设计了Pastil椅，这个椅子典型地反应了美国六、七十年代自由浪漫的气息。因此他获得了美国工业设计奖。《纽约时代》评价球椅和Pastil椅时说：“这是支撑人体的最舒适的一种形态。”Conran设计辞典说：”它看上去是一篇具有时代特点的文章,从Barbarella拿来的道具”。

当你不再受到思维禁锢时，童话便诞生了，同样，设计也是打破常规的思维游戏，著名芬兰设计师艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）那些童话般的杰作与他这句常被人引用的话无疑都证明了这点，他说：“设计不就出现在当椅子不再是椅子的时候，又或者桌子成为照明的时候吗？”

阿尼奥在1971年设计了西红柿椅。西红柿椅显示了他如何利用圆形。人们的第一印象是这个椅子很复杂，但是再看是会发现它是由三个直径相同的圆巧妙地组合起来的，其中两个是扶手，一个拉伸出来成为舒适的靠背。甚至将一个四分之一圆颠倒过来使之成为座席。当人们从不同角度观看西红柿椅时，会发现它更象一个雕塑品。因为Pastil椅和西红柿椅阿尼奥赢得了国际声誉。这些椅子在室内和室外都可使用，它们在水中还能浮起来！

阿尼奥在1968年还设计了泡泡椅，它是由压可力和镀铬钢制成的。艾洛.阿尼奥解释泡泡椅悬挂在天花板上的原因是因为没有一种合适的底座能配上这个椅子。这是阿尼奥再一次设计出象球椅一样风格的椅子，这种椅子将座椅子的人陷进去，即使是房间中有很多人，也能营造一种隔离的感觉。“乒乓” 是Asko公司起的名字。美国的进口商称它为泡泡椅。

当家具成为童话

作为当代最著名的芬兰设计师之一，艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio）的设计为20世纪60年代以来芬兰在国际设计领域的领导地位奠定了重要的基础。带着浓厚的浪漫主义色彩和强烈的个人风格，这位充满想象力的家具设计师用梦幻构筑起了那个时代最轰动的设计：一个用于休息的宇宙舱（球椅），一只空中漂浮的肥皂泡泡（泡泡椅），一堆带着糖果色彩可以摇晃的豆荚（番茄椅），等等。这些作品至今依然宛如来自灵幻的童话世界，令人惊喜。

“就像在月球上散步，这是大脑里的一次旅行，”阿尼奥谈及设计时这样说。与北欧家具习惯使用传统带自然纹理的木材材料不同，阿尼奥在设计生涯之初便使用塑料进行试验，使那些鲜明的、化学染色的人造材料给人们带去很大的乐趣。更为大胆的想法则是，他告别了由支腿、靠背和节点的构成的传统家具设计形式，开始了以仿生为基础实验，他的所有作品都能令人联想起一件自然界常见的动植物，或者生活中用到的普通生活品。

60 年代初，芬兰最大的家具企业 Asko 公司请阿尼奥设计一种塑料椅，以求改变公司多年以木材为主的传统家具面貌。 1962 年夏天，阿尼奥用新闻纸和浆糊作原材料，在藤编家具启发下，设计出一种适于塑料制作的全新的坐具造型，后来阿尼奥用合成材料反复试制他的新型设计，终于推出名为“球椅”的看似航天舱的坐椅，并在 1966 年科隆家具博览会上一夜成名。

从圆形的球状体中挖出一部分或使它变平，可以形成一个独立的单元座椅，甚至形成一个围合空间，这是阿尼奥的基本创意手法。这项设计不仅具有耀眼的外观，使用起来也很舒服，它能令入座其中的人长时间的保持放松，因此被称为“房间中的房间”。它提供了一个港湾，一个平静而私密的休息氛围，而阿尼奥也完全抓住了那个时代最动人心弦的精神，从而使“球椅”成为一种时代的象征。后来，爱立信公司还推出了在球椅“舱”体内安装电话的新版本，球椅更加风靡世界。它在《唐米》（Tommy）、《迷惑》（Dazed and Confused）、《月亮零二》（Moon Zero Two）等电影中出现，还被用在《囚禁者》（The Prisoner）等电视节目以及无数的广告拍摄与宣传之中。

Eero Aarnio Screw Table

螺杆桌是在1991年设计的。将一个巨大的螺丝钉作为桌子这种想法对于象阿尼奥这样一个多才多艺的人来说很自然，因为艾洛.阿尼奥的工作包括工业设计、家具和建筑设计。螺丝钉在每间房间中都使用，并且大多数是隐藏的，为什么不把它们作为可以看见的物体呢？将它们放置在起居室和阳台的一角，或者是将它们做得高一些后在自助餐厅、咖啡厅和酒吧中使用。不论在何处玻璃纤维和金属光泽都会使见到它们的人眼睛为之一亮。

当设计改变行为

1960年代把人类放入宇宙，给女人穿上迷你裙。波普艺术与崇尚思考自由的青春文化奏响了这个时代的主旋律，也影响着时尚的方向，改变了人们的生活方式。以阿尼奥为代表的这个时代的家具设计师则采用现代材料——泡沫、塑料、玻璃纤维与充气黑胶，把社会现实演化为大胆的造型，这些家具边缘圆润、着地柔和、色彩波普，不仅改变着人们生活的习惯，也开始影响人们观察事物的方式。

1968年的泡泡椅就是这么一件令人心动的家具。由于一根结实的绳索悬挂，它的姿态十分性感，清晰的透明丙烯酸球体令坐在这个半空摇篮中的人全部暴露在外，当时阿尼奥说他只想让泡泡椅比球椅的内部空间有更多的自然光，从而更便于阅读，如今，他则认为这个1968的设计是他设计中最聪明的一个。泡泡椅主体部分用不太昂贵的模子铸成，一薄片清澈的丙烯酸材料被用高温进行软化，然后平铺在中间有洞的特殊桌面上，当用一根钢索拉紧并支撑起薄片后，空气流入洞口，丙烯酸像被吹鼓起来。“像吹泡泡一样，”阿尼奥说。

虽然是被“吹”出来的，然而这个“泡泡”十分耐用，几十年后依然站在潮流浪尖。《花花公子》2000年12月的封面故事就把这个透明物作为节日的点缀，座在其中的是Carmen Electra，Bang & Olufsen最近的宣传册也使用泡泡椅作为21世纪家用电器的模拟场景。

当波普变得永恒

尽管阿尼奥最早的成名作“球椅”一开始被作为限量生产的产品，但阿尼奥一开始所走的塑料路线却一直被其延续下来，就像更早的芬兰设计师Tapiovaara也始终坚持只用木头作为其设计的基本材料。

阿尼奥希望使用现代、大众而廉价的艺术材料来创造有机的设计。他有机的造型不仅代表着斯堪第那维亚式的那种对合成材料的优雅运用，以及对一种信仰的坚信，即他的设计可以很美丽，且尤为持久。这种“创造永恒”的理念在风靡六十年代的波普美学中可谓独树一帜。

“设计意味着持久的创新，不断的联合与成长。”这是阿尼奥常最著名的一句话。事实上，也是在这种情感下，阿尼奥开始在70年代使用聚氨酯泡沫，创造了像“小马椅”（Pony）一类的作品。这些作品更为贴近卡通形象，或者说，他的家具已经越来越更像玩具。合成材料的魅力在充满童真与生动的设计手法中，尤为卓著地显现出来。在最近《纽约时报》对阿尼奥的评价中，也重新肯定了其塑料产品对现代艺术的功绩，报纸上写道：“今天的一代人是在塑料中成长的，他们的第一个夜晚就在医院的塑料床上度过。”

Formula椅是对艾洛·阿尼奥好几年来已形成的思想观念的挑战。他将早期玻璃纤维设计中雕塑的元素与为了使座椅更舒服的人类工程学的解决办法结合起来，作为他办公室椅设计的最重要的方面。艾洛.阿尼奥认为Formula椅是他曾经设计过的最好的椅子之一。在辛苦的工作一天后，拿着一杯清凉的饮料，它是用来休息的最完美的椅子。当Mika H·kkinen赢得他第一个世界一级方程式赛车冠军的时候，艾洛.阿尼奥也设计出了Formula Chair，这之间可能存在某种神秘的联系？至少艾洛·阿尼奥是一个一级方程式赛车迷。

艾洛·阿尼奥——芬兰家具设计师——国际著名设计大师

北欧设计大师艾洛阿尼奥蘑菇椅

在20世纪60年代至70年代期间，塑料在芬兰家具设计师的设计作品中广泛使用，这因为塑料可以使设计师们创造出任何一种形状，以及使用任何一种他们想要的颜色。这引起了家具在功能和娱乐两方面的巨变，并且产生了让人着迷的结果，一种背叛“功能主义”而以“艺术为本”作为家具设计出发点的浪漫主义。艾洛·阿尼奥（Eero Aarnio ，1932-，）是在工业设计中使用塑料的先驱者之一，他高度艺术化的塑料家具作品，及时地体现了时代的气息，是20世纪现代家具设计史上不可或缺的珍品。

艾洛·阿尼奥出生在芬兰首都赫尔辛基，1957年毕业于工艺美术学院。在以后的50年，他一直和芬兰设计师Ilmari Tapiovaara合作，1960年他加入了阿斯科（Asko）公司。1962年阿尼奥成立了自己的设计室，自己作为一名工业设计师和室 内设计师，另外他对平面设计和摄影也有很深的造诣。

阿尼奥致力于在家具设计中溶入新的思想，1963年他设计了Ball椅（也称globe椅，图2），通过使用一个最简单的几何形体-球体-去掉球体的一部分，然后再将它固定在一点上而成。这样艾洛.阿尼奥设计出了不同寻常的作品，一个完全非传统形状的椅子：一个房间中的小屋，带有一种舒适的、安静的氛围。球椅避开了外面的吵闹，给人一个私密的空间，人们可以在里面休息或打电话。椅子可以绕着固定在底座上的轴旋转，这样里面的人就能观看到不同的外界景象，因此感到与外界不完全隔离。这是一件伟大的作品，它标志着在家具设计的历史上，20世纪最著名的椅子的诞生。多年后它被制造出来，使用的材料（玻璃纤维）和椅子的形状对那个时代的家具工业来讲完全是新奇的。玻璃纤维制成的球体被固定在一个金属制成的可旋转的底座上，球体里面用泡沫塑料装饰着。最初的颜色有白色、红色、黑色和橘黄色。球型椅经常在一些科幻电影（图3）中使用，使用者会有一种太空旅行般的不同寻常的感受。你也可以在一些杂志中找到。在以后的几年玻璃纤维才使用在船的龙骨上，它是阿尼奥最喜欢的材料之一。玻璃纤维牢固和可塑性强的特点使得阿尼奥在设计时不受限制，同时造型符合人类工程学，设计出让人着迷的新型形体。

泡泡椅(Bubble Chair)

蕃茄椅（Tomoto Chair）

Aarnio“球椅”

艾洛阿尼奥小狗椅

Aarnio专为义大利家具制造商Magis所量身订作，椅子为中空塑胶材质，圆滑造型既可爱感又安全，从此就不用再担心小孩们恣意玩耍而受伤。

著名的芬兰设计大师艾洛.阿尼奥（Eero Aarni）1973年设计的这一件小马椅，不但是小朋友的最爱，它也会让您童心大起、放松压力。事实上EERO AARNIO的原意是为成年人设计一张能让他们找回童趣的家具。椅子的每个细节都展现出设计师超现代的设计风格

小马椅看起来像是一个大玩具，但它不是一个玩具，设计师Eero Aarnio的设计灵感来自小马，这椅子的尺寸为成人而设计.小马椅为设计师Eero Aarnio扮演新奇而有趣角色，可以通过你的想象让小马驮你到未知的境界！

pony chair小马椅

香皂形漂浮椅

这是阿尼奥在1967年设计的香锭椅pastil chair，这件作品将传统椅子设计中的座、架和腿等要素融为一体，形成美观的有机造型，是20世纪六七十年代浪漫主义生活气息的最典型体现，它不仅可以放在室内，而且可以飘浮在水中，甚至可以在雪地上滑动。在Eero Aarnio完成pastil chair设计的第二年，他获得了美国工业设计大奖。纽约时报关于他的作品专门报道：“这是有史以来承托人体最为舒适的形状”。这张椅子已经超越了现代家具的界限，的确是未来之作。它圆润得像鹅卵石，也像一颗甜美的糖果。简洁的造型，靓丽的色彩，轻便的重量，极易清洁打理。

tipi chair可爱的小鸡椅子

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]

林德弗斯1962年出生于芬兰，是一位跨足设计师与艺术家的一位活跃人物，他曾经参与非常多国际的雕刻专案，例如為Swatch在亚特兰大奥运(1996)所做的Winged Victory、驻华盛顿D.C.的芬兰大使馆雕像”Freedom of Speech”等。除了Ego杯之外，Stefan Lindfors也参与的芬兰时尚品牌Marimekko的布料图腾设计。

1988年毕业于赫尔辛基艺术与设计大学；设计师、雕塑家并涉足音乐、电影短片、服装与针织品、平面设计等领域；
 
合作客户包括Ingo Maurer GmbH、Alessi、 Ikea、 Swatch、 Warner Music、Nokia、 Sony Playstation 等品牌

 
代表作品：Scaragoo 台灯，入选当年米兰设计周（1988）；
言论的自由（The freedomof speech），芬兰驻美国大使馆公共雕塑（1995）；
飞翔的胜利钟塔（WingedVictory）， 亚特兰大奥运会swatch 展馆户外雕塑（1996）；
心之葬礼，“Funeralof Hearts” 音乐录影带（ 由BMG 出品，2003）；
“HIM Trips 1-10”音乐录影带（华纳兄弟出品，2007）。
10年秋天，斯蒂芬的新作品在北京的北欧艺术节上亮相，它们是和老朋友Ingo Maurer 合作的一组灯具，两者的友谊已经持续了22 年。目前，斯蒂芬和中国的交集并不是很多，但是如他所说，中国对于他并不是陌生的。

官方网站: http://www.stefanlindfors.com/

EGO 咖啡杯

芬兰Iittala EGO 咖啡杯碟

ego breakfast cup & saucer
Design Stefan Lindfors, 1998
Made in Finland by Iittala

A question of balance. Ego’s highly original design brings a modern perspective to international coffee culture – a cup suitable for all varieties of coffee. Designer Stefan Lindfors believes that while the soul of an object drives its design, you still have to take functionality, manufacture and aesthetics into account.

Thus the cups are stackable, and the saucers need no separate rim for the cup, so they can be used as plates. The distinctive handle helps keep the cup steady both in the hand and on its saucer.

Born on Ahvenanmaa, Finland, Stefan Lindfors is active both as a designer and sculptor and he has many international commissions behind him. His work includes Winged Victory (1996), a sculpture for Swatch’s pavilion during the Olympics in Atlanta, as well as Freedom of Speech, a sculpture exhibition at the Finnish Embassy in Washington D.C. His collaboration with Marimekko has also contributed to several new patterns and products.

Ego杯盘组以一碟一杯为一组，原装进口极具价值感的精美包装盒让人爱不释手，无论送礼或自用收藏都非常适宜，热爱北欧设计餐具的人可千万别错过啰～共有三种尺寸，其中大杯有400cc特大容量，除了装一般咖啡、茶之外，还可以装汤、牛奶麦片等，随自己高兴发挥创意。中杯为Cappuccino杯，为一般熟悉的咖啡杯尺寸，小杯为Espresso杯。

斯蒂芬花了九年的时间才从大学毕业。期间，因为无法抑制对“讲故事”的兴趣，他多次跑去当地的剧院和演员聊天。随后，他决定退学，并去斯德哥尔摩的剧院找了一份做舞台布景的工作。“哥德堡有一个荒废的城堡，我就自己住在里面，我不知道我为什么敢住在那里。我天天开着一辆卡车穿过城市。我那时是22 岁，像个该死的木匠一样天天开着车行驶在一个只有单行道的小镇上。”
 
1985 年，对他来说是重要的一年，那时他在柏林为一部“哈姆雷特”做布景。剧院放假时，他住在一个演员朋友家的阁楼。这时候已是他退学后独自在外的第三年。“那是冬天，我们每天跑五公里，大部分时间都呆在家里。当时我还渴望浴室里有地热。这是我第一次经历这些感觉——我生活在一个安全、有保障的社会，这是我之前从未想到过的。”他在那儿度过了六个月。就是这期间，他找到了灵感，设计了他人生中第一把椅子——像航船上绷紧的帆布，他命名他为“XY”。
 
1988 年，斯蒂芬回到大学上完了最后一年的课程。从17岁到26 岁，退学五年后，他终于毕业了。斯蒂芬虽然主修室内设计和工业设计，但是他几乎学遍了赫尔辛基艺术与设计大学里除电影之外的所有艺术相关的课程。于是，他的毕业设计就是一部电影短片。
 
赫尔辛基艺术与设计大学得以在五年之后重新接纳斯蒂芬，部分原因是因为斯蒂芬的作品即将在当年的意大利米兰设计展出。斯蒂芬是在学校外，而不是在教室里，设计出了他的第一件代表作——Scaragoo 台灯。那时是1988 年，斯蒂芬26 岁。Scaragoo 台灯像极了某种俯身觅食的长腿昆虫，光滑的身体上分节的纹路有清晰可见。德国顶级灯具品牌IngoMaurer 通过图片看到了他的设计，决定生产出来，并把它带到1988 年米兰设计周。自始至终，斯蒂芬的雕塑，室内设计和装置作品都忠于一个主题：昆虫。他用钢条焊接出外壳或框架，然后用人造聚酯树脂将其覆盖。透明的树脂看上去薄如蝉翼，仿佛昆虫的翅膀或干净的腹部，而钢条排列出的形状，让人仿佛是在放大镜下看昆虫翅膀或腹部肌肤的纹理。
“人类的生命是直线形的。某种程度上说，我们是如此渺小和微不足道，同等意义上昆虫则比我们强大。因为它们经历了时代、自然环境的漫长变迁，却还在周而复始地轮回，比我们所能承受的要多的多。 我想表达的是生命除了直线走向终止之外的一种人生的节奏。”这也是斯蒂芬的设计哲学。无论是为芬兰驻美国大使馆设计的屋外装置“言论的自由（The freedom of speech）”，还是为纽约Gershwin 酒店设计所做的内部设计“火与舌（Tougues and flames）”，还有为芬兰顶级时装品牌marimekko 设计的包包和针织品，都无一例外地在昆虫哲学上寻找共鸣。
 
雕塑、室内建筑、家具设计、平面设计、针织品和服装设计，还有音乐、电影短片……斯蒂芬所设计的领域将近一打，但他说只有做导演是他主动争取的。1988 年，设计系的他出人意料地拍摄了一部电影短片MOTH（芬兰传说里的一种昆虫）为毕业作。2003，他受邀为BMG 旗下的乐队HIM导演了 “心之葬礼 （funeral of hearts）”的MV，之后的2007 年由华纳兄弟出品的一系列HIM宣传片“Trips 1-10”同样由斯蒂芬完成。他的视角非常独特，在Trips 1-10 第9 段长47 秒的镜头中，他用近10 秒的慢镜头来特写主唱在话筒前带着鸭舌帽低头点烟的动作，非常迷人。从上世纪八十年代至今，他已经为一些品牌、组织、政府机构、包括自己作品的宣传广告等，导演了近200 部独立的音乐或短片。
“每个艺术家都有自己的创作主题，来和周围的人和环境沟通。个人来讲，我做最大的努力让我的设计保持艺术感、抒情性并充满想象力，我会因此感到高兴。我希望我的作品让观者发现更多东西。”斯蒂芬说。
 
斯蒂芬心里一直缺乏某种归属感。他是说瑞典语的芬兰人，直到高中在美国做交换生时才开始严肃学习芬兰语。他能流利的说瑞典语、芬兰语、英语和不错的法语，却都非好学所致。他的作品中也看不出典型“芬兰”风格，身边也总是有人质疑其芬兰设计师的身份。他旅居美国多年，在芬兰家里午夜梦中惊醒时突然意识到的是，原来洛杉矶让他感觉更舒服。“我可以世界各地旅行，从不会有思乡病，因为我觉得我对任何地方都没有陌生感”他说。也许，海才是他的归属，他对大海的好感显而易见。“海很简单，跳进里面，你就可以游向你想去的任何地方。而在湖里游泳感到的是一种平静，这就是不一样的地方。”有六年的时间，他每周游泳六天。他也很爱蛇和蜥蜴。他的左上臂纹着蜥蜴，蛇更是他从小到大的朋友，他记得小时候他喂它们喝牛奶时它们“啜饮的样子和声音。”他许多作品里的主角都是蛇。那些雕塑上透明的纹路和毛毯上的几何图案是蛇的皮肤在放大镜下的样子。当问及他还有没有尚未实现的“野心”时，他说没有。如果非要说，那就是他渴望蛇，还有女人。

一直以来，斯蒂芬和前妻保持着很好的联系，他定义两人当时的分开是“让事物停止在它最好的样子”。 他和现任妻子的爱情故事也很简单，就是彼此坠入爱河。虽然他不否认自己在十四五岁时就发现自己“博爱”的性取向，但是他更愿意借用德国导演雷尼尔·沃默·法斯宾德（Rainer Verner Fassbinder）的一句话来表明态度，“忘了异性恋、同性恋和双性恋吧，无论决定何种性取向都原本是件自然而然的事”。

林德弗斯工业设计作品欣赏：

曾為Iittala設計出著名Ego咖啡杯的芬蘭設計創意鬼才Stefan Lindfors，最近剛發表了一個與眾不同的「設計水瓶」，不僅完全創新水瓶的概念，瓶身塑膠材質也輕盈並適合環保回收，此外，每賣出一個水瓶，產品公司就會捐出歐元十分給芬蘭的波羅地海行動組織，為拯救污染嚴重的波羅地海，盡一份心。

創新的PLUP「水瓶」。

官方网站：http://www.plup.com

這「水瓶」的名字，叫做「PLUP」。根據Stefan Lindfors本人的說法，因為「plup聽起來，就像將石頭丟到水中時，會聽到的聲音。」

Stefan Lindfors本人，在記者會現場示範PLUP的使用方式。Source: 赫爾辛基日報, http://www.hs.fi (photographer: Laura Oja)

創新設計思考，讓自然環境更美好

我剛在報上看到新聞時，僅管內容都看得懂，卻仍然盯著照片狐疑了半天：這是「水瓶」嗎？是以後我進了超市就可以買回家的「水瓶」嗎？明明就像個遇上了海星的救生圈啊！過了幾秒才又因覺察到自己思考上的窒礙而恍然：誰說「水瓶」一定要像「水瓶」，誰說裝水的東西一定是我習以為常的「瓶」或「罐」或「杯」呢？如何創新形式材質與功能，讓自然環境更能永續，也許正是新一代的工業設計，應當思考的課題。

而日常生活中，又有多少小物品，我們對它們的存在與功能形式，太視之為理所當然，以至於失去了敏感的想像能力呢？一旦有機會跳出框架，也許就會從中看見新的詮釋，甚至學著運用設計的思維，讓每一日的生活，有更多新的可能。

讓芬蘭設計的環保理念，走向世界

專為這產品而成立的Plup公司亦表示，若是將來水瓶出口到芬蘭以外的其它地區與國家，PLUP將會捐出部分利潤給當地的環保行動，並依照不同國家的環境問題需求，來尋找捐款的目標。僅管水瓶在芬蘭都還未上市，光是看到這「用日常設計，讓世界更美好」的理念，就讓我忍不住想把它推廣到更多國度，因為這設計背後的理想，與設計本身同樣吸引人。我已經開始想了：如果有一天，Plup水瓶也來到台灣，不知道哪一個面向的環境問題，哪一個環保行動，會最引起人們關注呢？

話再說回來，雖說瓶身可以環保回收，Plup鼓勵人們不用回收，繼續使用，為它注滿更多的水，或是創造出更多的新用途。

比方，它可以搖身變成皮帶上的酷飾品：

變成小朋友們的玩具：

變成一只別緻的花瓶：

同樣一件物品，應用的範圍，唯一的上限，是你的想像力邊界。

而它創新的形式與功能，也讓我重新聯想到芬蘭設計裡那份關心自然、珍惜資源、一物多用的理想精神。

說真的，這麼可愛的設計水瓶，等我買回來喝完後，不但不會想回收，還會想要多買幾個，為海洋盡一份小心力，也運用它發揮個人創意。

寫到這裡，我想起自己兩年前在採訪運用舊布料製作新衣服與新用品的芬蘭設計品牌Globe Hope設計師Anna Huoviala時，她就曾告訴我：僅管環保設計品本身蘊含理想，然而許多顧客購買的動機，仍是產品本身「別緻」、「好看」、「好用」，正因為要讓每個人都因環保理念而買用品，太理想化，於是設計品如何運用本身的美感與功能性說話，就同樣重要，無論擁有者在當下是否意會到背後的環保理念，設計品的存在本身，或許會在未來的某一天，讓小小的思維改變成為可能。

“照明作品”是Stefan Lindfors的最新项目，一组引人入胜的启发性三维作品，作品超越了艺术与设计、照明与雕塑的界限。这位多才多艺的家具设计师、艺术家、建筑师及电影制作人，其工作涉及项目包括艾烈希（Alessi）、Iittala、玛丽麦高（Marimekko）、诺基亚、维特拉（Vitra），职业开始之初就涉及照明方面（发起于1988年，当时Ingo Maurer制作了Lindfors‘s Scaragoo照明灯）。然而，“照明作品”是Lindfor的第一个结合照明源于一体的雕塑作品。由焊钢和纤维玻璃组合成的半透明的雕塑内部，Lindfors安装了一系列的LED构成内部机体器官链。

该作品集的灵感是来自一位49岁的设计师，2009年的时候一位著名的摄影师Nan Goldin购买了Lindfors的雕塑，想在上面安装LED。Lindfors受到这一建议的启发，最终形成了“照明作品”这一项目。他使用灯光照明让每个雕塑表现其自己的特性。所有的这九个各具特色的作品于7月8日在位于麦迪逊大街60号的Material ConneXion的纽约总部展出。

[请保留：后时代 http://www.houshidai.com/]